Anything goes in, anything goes out

Contra o Tempo - Duncan Jones relembra clássicos da viagem no tempo em 8 minutos

2011-10-10T06:08:00.000-07:00

Contra o Tempo - Duncan Jones relembra clássicos da viagem no tempo em 8 minutos

NOTA: 7,5 / 10

Source Code

EUA , 2011 - 93 min.

Ficção científica

Direção:

Duncan Jones

Roteiro:

Ben Ripley

Elenco:

Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Brent Skagford, Cas Anvar

Jake Gyllenhaal começou sua carreira no cinema com um dos melhores filmes de ficção científica da década passada. Donnie Darko misturava todas as teorias da física sobre mundos paralelos, viagens no tempo e complexo de super-herói de forma coesa, dramática e estilosa, bem ao estilo anos 80 (temporada dos melhores filmes de loopings temporais). Foram dez anos de crescimento que o levaram há uma indicação ao Oscar no papel polêmico em Brockeback Mountain e empreitadas no cinema blockbuster como em Príncipe da Pérsia. Exatos dez anos depois, ele volta ao cinema, novamente com um diretor novato para assumir seu papel como super-herói em um mundo modficado pelo crescente terrorismo e a necessidade de um messias. Mas, diferente de Darko, seu personagem não pretende de forma alguma se sacrificar pela humanidade.

Na trama, um programa do governo permite, que uma pessoa com compatibilidades genéticas, possa retornar 8 minutos na lembrança de um professor que estava presente em um trem atacado por terroristas. Ali, o capitão Colter Stevens terá que descobrir quem perpetou o atentado antes que outros ataques aconteçam.

Dirigido pelo filho de David Bowie, Duncan Jones, o filme deixa o espectador tenso com suas idas e vindas no tempo. O clima imposto por Jones lembra um pouco a ânsia do desconhecido que acompanhou Lunar, primeiro projeto do diretor. Mas Contra o Tempo logo começa a ampliar seu horizonte, e nesse crescimento, perde seu ritmo. As experimentações de imagem e a forma como o Jones sabe utilizar seus efeitos no momentos certo e com um orçamento tão apertado são os grandes truques do filme. As sequências de explosão que se sucedem quase interminavelmente durante a projeção são inventivas e de cair o queixo. Da mesma forma, o elenco está preparado e consegue segurar a visão do espectador para possíveis problemas estruturais. Problemas que serão repensados ao final da sessão quando algumas pontas ficarão totalmente soltas.

É a partir da metade da história que as coisas ficam confusas. O que antes tomava forma de Feitiço do Tempo, maior comparação que o filme sofre nos primeiros momentos, logo se transforma em uma trama com cara de Fringe. Sai a teoria das lembranças e nos deparamos com o sensível terreno de mundos paralelos. Nesse ponto começam a aparecer erros estranhos na lógica da viagem temporal. O protagonista nota pequenos erros na continuidade do universo, mas que ficam imperceptíveis ao espectador. Não bastasse o capitão explicando o que estava acontecendo toda santa vez que algo diferente acontecia, ainda temos a voz do criador do source code para nos relembrar mais uma vez que mundos paralelos não interferem em uma realidade e, assim, nada pode ser alterado para salvar as vítimas no trem. Depois de tantas idas e voltas para emiuçar bem ao espectador o que está acontecendo, o clímax acaba por se tornar um momento bem fraco, que por sinal, poderia encerrar o filme com certa dignidade. Mas, temos mais 5 minutos de explicações para ficar tudo bem esclarecido e sem quaisquer dúvidas do que aconteceu com todos os presentes.

Então porque na saída do cinema, tanta coisa permaneceu mal explicada para os espectadores? Uma simples reflexão acaba por derrubar muito do conceito estabelecido na história de Contra o tempo. As preocupações estabelecidas para o complexo mundo de Donnie Darko são deixadas de lado pelo momento, a síntese do filme que nos ensina novamente a aproveitar cada dia como se fosse o último e pensar menos na nossa relevância para a vida dos outros. Se comparamos ainda com De Volta para o Futuro, onde pelo menos Marty McFly não tinha escrúpulos que não os seus próprios para alterar o passado, vemos que na verdade, de todos os personagens, Colter Stevens é o mais imoral, ao simplesmente drenar a vida de outro ser em favor da felicidade eterna.

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 2 - Que sera sera, whatever will be will be

2011-07-14T09:03:00.001-07:00

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 2 - Que sera sera, whatever will be will be

NOTA: 8 / 10

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2
Reino Unido/EUA , 2011 - 130 min.
Aventura / Fantasia

Direção:
David Yates

Roteiro:
Steve Kloves

Elenco:
Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Ralph Fiennes, Michael Gambon, Alan Rickman,

Foram anos de espera. Acompanho a série desde o longíquo 2001 quando uma professora me emprestou A Pedra Filosofal e me deixou fascinado. Cresci acompanhando as aventuras do jovem Harry Potter, seus amigos Rony e Hermione, as aulas de Hogwarts, o quadribol, as reviravoltas, mortes e surpresas de cada volume. Ao mesmo tempo, o cinema sempre conseguia deixar de fora uma ou outra parte que deixava meu lado fanático um pouco decepcionado. David Yates foi o diretor que achou o tom certo da série e desde A Ordem da Fênix, conseguiu melhorar o universo dos livros nas telonas. Foi mais ou menos na época do quinto filme que As Relíquias da Morte foi lançado e, enfim, encerrou a saga do bruxo. Para minha surpresa, o livro foi de longe um dos mais fracos de J.K. Rowling. E apesar da eficiência de Yates na primeira parte, o segundo longa acabou por sofrer justamente por seu apego à obra original.

No último filme da série, Harry deve encontrar as horcruxes restantes para finalmente derrotar Lord Voldemort.

A tensão dos minutos iniciais do filme prenuncia a carnificina que acontecerá em poucos instantes. Cada momento em que o trio (Harry, Hermione, Rony) aparece, nos lembra que essa é a última vez que veremos cada um desses personagens. A conversa com Grampo (o duende interpretado pelo anão Warwick Davis) dura um bom tempo e lembra (como não dizer) a negociação do Coronel Hans Landa em Bastardos Inglórios. Yates pesa a mão de tal forma que mesmo o humor da cena acaba abafado pela tensão na sala de cinema. Dali para Gringotes o filme flui muito bem, com ótimos efeitos, bela fotografia (destaque para Harry no lago) e a fuga mais exuberante dos últimos tempos no cinema. Pena que basta chegar a Hogwarts para tudo isso se exaurir em um turbilhão de acontecimentos que mais lembram uma descida de montanha-russa sem emoção.

Toda a sutileza do primeiro ato vai pro espaço, bem como na cena em Harry e seus amigos tomam Hogwarts. E a partir daí, sobram cenas de Hogwarts sendo destruída e a massivamente divulgada guerra entre bruxos. O grande problema dessa guerra, é que só é mostrada pelo lado de personagens terciários que pouco aparecem nos filmes. Dos personagens conhecidos, pouco vemos. Seja de Lupin, os Weasley e mesmo Neville que tem uma participação bem maior nesse último momento, todos reunidos devem somar no máximo 2 minutos do filme. Sobram, no entanto, cenas aéreas impressionantes e piromania descontrolada.

Fora esse fator, o que falta nessa segunda parte é emoção. Vemos os cadáveres conhecidos e empilhados por algum tempo e é isso. Tanto que mesmo no epílogo, a cena que deveria ser a mais emotiva das 8 partes, temos um momento bastante insosso e um final bem sem graça.

Nem tudo são falhas. As batalhas são magistrais, a trilha sonora está afiada, as atuações estão convincentes e emocionadas. Até os diálogos tem relevância. O filme sofre é com o material original mesmo, que não oferece uma maior profundidade ou sequer aproveita ganchos e boas ideias plantadas durante toda a série. Emociona? É claro que sim. Crescemos acompanhando esses personagens. Querendo ou não isso iria acontecer.

Mas não foi a experiência tão marcante para o fim de uma geração que voltou a se apaixonar pela magia.

Kung Fu Panda 2 - A metáfora do renascimento da Dreamworks

2011-06-27T17:24:00.000-07:00

Kung Fu Panda 2 - A metáfora do renascimento da Dreamworks

NOTA: 10 / 10

Kung Fu Panda 2
EUA , 2011 - 91 min.
Ação / Animação / Comédia

Direção:
Jennifer Yuh

Roteiro:
Jonathan Aibel, Glenn Berger

Elenco:
Jack Black, Dustin Hoffman, Angelina Jolie, Lucy Liu, David Cross, Jackie Chan, Seth Rogen, Gary Oldman, James Hong, Michelle Yeoh, Danny McBride, Jean-Claude Van Damme

Em 2008, comentei no blog sobre a imensa diferença que existia entre os estúdios Pixar e a Dreamworks Animations, os maiores rivais no ramo do cinema de animação, ambos em um período decisivo de sua história. A Dreamworks combinava o bom humor de suas produções com um alto faturamento, mas ao mesmo tempo, sem pretensão de extrapolar o óbvio, beirava a repetição e a mesmice, tentando angariar popularidade com elementos que a consagraram , principalmente através de Shrek. Kung Fu Panda era a essência dessa fase, com muito visual, bom humor, mas sem um algo há mais que o diferenciasse. Por outro lado, a Pixar atingia seu pico com a produção de Wall-E, uma animação rebuscada tecnologicamente, narrativamente inovadora, e capaz de emocionar com protagonistas que sequer dialogavam. O 3º Oscar consecutivo da Pixar e os consequentes insucessos da Dreamworks mostraram que o caminho certo a ser seguido era o traçado por John Lasseter e sua equipe, tanto que a hegemonia da empresa se consolidou em seu 6º Oscar e no bilhão de dólares conquistado por Toy Story 3. Então, veio 2011.

Kung Fu Panda 2 mostra Po, o dragão-guerreiro, prestes a enfrentar um inimigo maior que o kung fu: a arma de fogo.

Do começo até o fim, o filme arranca suspiros de admiração, risadas e até mesmo emoção e empatia. O visual totalmente experimental aplicado na produção, misturando uma interação perfeita da computação gráfica com a animação tradicional, não só impressiona, mas consegue transcender a ideia de estética e linguagem do cinema de animação. Não é exagero comparar a inovação da utilização das mais importantes técnicas de animação em todos os meios, com a revolução trazida por Toy Story em 1995. Mais do que isso, a direção competente de Jennifer Yuh, uma artista que sabe utilizar a arte em favor da narrativa e não como um elemento separado e dispensável, fez com que a utilização de cores durante as lutas exemplarmente coreografadas, servissem como apoio para realçar delicadamente o estado de espírito de cada personagem.

E tudo isso com um inteligente toque oriental.

O desequilíbrio de Po, representado durante todo o filme pelos Ying-Yangs espalhados pelas cenas, o ódio objetivista do vilão Shen e sua tragédia quase edipiana em busca da paz de espírito, tudo, refletido nos cenários, na iluminação, interna e externamente, prevendo cada ato dos personagens e tornando a viagem tão mais profunda e exuberante. A sutileza desses detalhes também se espelha nos movimentos cuidadosamente pensados e mesmo uma fração de segundo, apenas um frame, pode redimir a mais perversa das almas (ou seria simplesmente a aceitação do inevitável e a compreensão do todo?).

Se o visual é capaz de inspirar tanta emoção e verborragia, os diálogos servem para levar a história de um ponto a outro sem pesar a carga filosófica. Po está mais afiado do que nunca e o carisma do protagonista rende boas risadas. Além do mais, depois do sucesso de Como Treinar o Seu Dragão, a Dreamworks parece lentamente se adequar aos dramas dos personagens, sem precisar desmoronar uma bela cena com uma piadinha fuleira qualquer.

Pouco a pouco, galgando seu lugar passo-a-passo, a empresa parece encontrar o seu rumo, sem copiar sua rival, produzindo grandes filmes com peso artístico, narrativo e, felizmente, original. Assim como Po, a Dreamworks deixa de ser apenas uma caixa registradora do cinema e volta ao ringue com um kung fu aprimorado, pronta para mostrar quem ela é.

Thor - Marvel e o novo universo do cinema

2011-05-04T06:32:00.000-07:00

Thor - Marvel e o novo universo do cinema

Thor

NOTA: 7 / 10

EUA , 2011 - 114 min.
Aventura / Épico

Direção:
Kenneth Branagh

Roteiro:
J. Michael Straczynski, Mark Protosevich

Elenco:
Natalie Portman, Chris Hemsworth, Anthony Hopkins, Ray Stevenson, Kat Dennings, Stellan Skarsgård, Idris Elba, Tom Hiddleston, Rene Russo, Jaimie Alexander, Colm Feore , Clark Gregg, Tadanobu Asano, Jeremy Renner

Não pude deixar de ter um mau pressentimento quando a cena de abertura de Thor mostra um grupo de cientistas na Terra, em busca de um tornado no meio de um deserto. É o típico começo de uma história em quadrinhos da Marvel, mas que na empolgação dos trailers e na espera do início do filme parece quebrar o ritmo, ao invés de preparar o terreno para o Deus do Trovão. Não é à toa que os momentos do filme que se passam longe de Asgard poderiam ter sido simplesmente cortados de toda a trama sem problema algum, evitando assim os lugares-comuns dos filmes de aventura e os bocejos, ou como gosto de chamar "momentos de ir no banheiro", quando nada de relevante parece acontecer. Acontece que apesar desse problema, a Marvel utiliza o filme apenas como mais uma peça do mosaico que vem criando desde Homem-de-Ferro e ao contemplar a obra completa, parece não ser tão deslocado assim.

A história mostra o filho de Odin, Thor, sendo exilado de Asgard após um ato impetuoso. Agora, ele precisa mostrar-se digno de empunhar o Mjolnir e salvar o universo de seu irmão Loki.

Kenneth Branagh pareceu ser o nome ideal para dirigir o filme do deus do Trovão, visto sua grande experiência em adaptar Shakespeare e seu inglês pomposo de forma visualmente teatral mas interessante. No entanto, não é isso o que se vê em Thor. Tão pouco o visual, que em Asgard é de tirar o fôlego, mas na Terra parte para planos inclinados estranhos e desnecessários, praticamente retirados daquela bomba da década passada, A Reconquista. Não basta apenas uma vez, mas durante todo o filme repete-se o efeito, quase vertiginoso em 3D. 3D esse que serve apenas para aumentar a arrecadação, já que não contribui em nada para a história, apenas confunde as cenas de ação e escurece irritantemente a tela. Ao menos, as mesmas batalhas conseguem empolgar com elementos que nos fazem esquecer os momentos desnecessários passados em Midgard.

O elenco encaixou como luva em cada papel, tanto visualmente quanto psicologicamente. Enquanto Anthony Hopkins rouba a cena como o poderoso Odin, Thor (Chris Hemsworth) é turrão, musculoso e engraçado, bem como nos quadrinhos. Seus asseclas de Asgard aparecem pouco mas tem relevância, perdendo espaço para Tom Hiddleston, que faz um Loki confuso e obstinado, capaz de se mostrar uma grande ameaça nos próximos filmes da empresa. Já Natalie Portman e o elenco da Terra (excetuando Jeremy Renner (em participação especial)) parecem ligados no automático, recitando frases prontas e servindo de ligação com o grande público.

Graças, é claro, ao roteiro amarrado e cheio de momentos desnecessários escrito por J. Michael Strackzyinsky e Mark Protosevich. O primeiro, conhecido por sua carreia nos quadrinhos, "cometeu" uma das piores fases do Homem-Aranha em anos, findado pela expressão (que pode muito bem se aplica a Thor) "É Magia, não precisa explicação". São diálogos e sentimentos forçados goela abaixo e um Thor que muda da água pro vinho em, literalmente, uma noite. Não dá pra engolir que o mimado e orgulhoso filho de Odin se apaixone pela humanidade e pela personagem de Natalie Portman em pouco mais de 48 horas (se bem que todos nos apaixonamos pela atriz em menos de 1h30...). A incoerência desse ato quase apela para o clássico final da lágrima que ressuscita, que, por sinal, ninguém aguenta mais.

Não fosse pela totalidade da obra e, novamente, pela cena escondida nos pós-créditos, Thor poderia muito bem passar desapercebido como um filme divertido, visualmente eficiente, mas ainda assim, abaixo da média. O grande trunfo da Marvel está em ligar seu projetos formando assim uma cronologia totalmente nova e invejável nos cinemas, coisas que a rival, DC Comics, mostra-se arredia e, praticamente, desistiu de tentar criar. Ainda assim, os filmes da Distinta Concorrência, podem firmar-se muito mais como obras solo, como é o caso da ótima franquia restaurada por Nolan de Batman e a aposta em uma retomada de Superman, comandado por Zack Snyder e com a mão dos Nolan no roteiro.

Assim como nos quadrinhos, as empresas disputam o concorrido mercado, uma sempre apostando na quantidade, e outra, na qualidade.

O Vencedor - David O. Russell apresenta o filme mais sincero da temporada de premiações

2011-02-18T06:10:00.000-08:00

O Vencedor - David O. Russell apresenta o filme mais sincero da temporada de premiações

NOTA: 9,5 / 10

The Fighter
EUA , 2010 - 115 minutos
Drama

Direção:
David O. Russell

Roteiro:
Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson, Keith Dorrington

Elenco:
Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Mickey O'Keefe, Jack McGee

O diretor de Três Reis e I s2 Huckabees, apresenta um filme extremamente diferente de todos os seus concorrentes ao Oscar. O Vencedor trata da história real de um lutador, que vive à sombra de seu irmão, um ex-campeão viciado em crack. Depois de perder por anos, Mick tem a chance de finalmente virar a mesa, mas a constante interferência de sua família prova ser seu maior sabotador. Em meio a tudo isso, ele terá que enfrentá-los e nunca desistir sem conquistar seu objetivo.

E difícil descrever o que chama tanta a atenção de O Vencedor. Parece uma simples história de boxe que já vimos tantas vezes no cinema. Mas, o que mais se destaca, longe dos ringues é sempre a relação entre Mick e seu irmão, sempre pontuada por momentos de ternura e ódio. O reconhecimento que nunca parte da mãe (Melissa Leo em uma performance de perua que certamente vai lhe valer o Oscar) que privilegia o filho decadente em relação ao resto da família, a falta de apoio ao filho mais novo, as consequências que isso traz para a vida de cada um dos personagens.

Sem dúvida, a presença de Christian Bale como o irmão decadente Dick é o ponto alto dessa mistura que explode no momento mais tenso do filme. Viciado em crack, ele parece nunca ter noção da realidade e acha viver seus momentos de glória. Bale emagreceu horrores para entrar no papel do esquelético personagem e consegue roubar as cenas a qualquer momento. De longe, o papel mais justamente premiado na temporada. Destaque também para Amy Adams que aqui, perde toda a compostura de moça certinha e se torna uma verdadeira garçonete de bar, sensual e, ao mesmo tempo, desleixada, descartando os preconceitos contra sua atuação.

Em O Vencedor, a história por si só já é maravilhosa, mas David O. Russell dá o tom sincero dessa aventura. Não imprime uma marca pseudo-intelctualóide como Cisne Negro, não tenta apostar em uma trama intrincada como A Origem, não é emocional demais como Toy Story 3, nem teatral demais como Bravura Indômita. Consegue ser quase humilde na sua tarefa de contar uma história que merece ser vista e ouvida e relembrada. E com isso, ganha créditos suficientes para marcar o seu lugar como um filme que consegue capturar a essência do cinema sem se preocupar com adereços pomposos, quase como a atuação libertadora de Amy Adams.

Amor e Outras Drogas - Boa comédia, desfecho medíocre, Anne Hathaway pelada

2011-02-18T05:51:00.000-08:00

Amor e Outras Drogas - Boa comédia, desfecho medíocre, Anne Hathaway pelada

NOTA: 7,5 / 10

Love and Other Drugs
Estados Unidos , 2010 - 112 min
Comédia / Drama / Romance

Direção:
Edward Zwick

Roteiro:
Charles Randolph, Edward Zwick, Marshall Herskovitz

Elenco:
Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway, Oliver Platt, Hank Azaria, Josh Gad, Gabriel Macht, Judy Greer, George Segal

A dupla de protagonistas de Amor e Outras Drogas tem o mundo nas mãos. Jake Gyllenhaal é um dos queridinhos de Hollywood, sempre escolhendo projetos desafiadores ou simplesmente divertidos, sem preocupar-se com rótulos dramáticos ou de comédia, um ator versátil e de sucesso considerável nas bilheterias. Anne Hathaway é, além de linda, uma revelação agradável que mostrou não ser apenas uma menina bonita no interessante O Casamento de Rachel. Os dois então decidiram se divertir em uma comédia descompromissada sobre a maior revolução sexual das últimas décadas: o Viagra. A história se passa nos anos 90 e acompanha um representante da indústria farmacêutica que não quer nada com as mulheres, até conhecer uma garota como ele e aos poucos, perceber que a vida às vezes ainda consegue nos surpreender. Com bom timming para as piadas, o filme tem um início realmente muito engraçado. A crítica política às indústrias farmacêuticas não tem peso dramático, mas é alvo do humor cortante que esnoba com a empresa que se diz preocupada com a saúde de seu consumidor, mas todos sabemos, no fundo no fundo, é só o lucro mesmo. Assim, quando inicia a trama entre Anne e Jake, o filme ganha sua carga dramática, mostrando que o casal realmente funcionou nas telonas, com ótima interação tanto em diálogos quanto no quesito beleza (Anne Hathaway é um pedaço de mau caminho como poucas atrizes conseguem hoje em dia). Assim, o único problema que todos sabemos desde os créditos iniciais, é o final clichê da comédia romântica. Pra melhorar, tente adivinhar qual deles encerrará a película: será a corrida pelo aeroporto? Ou quem sabe, o trânsito interrompido e o amor declarado de cima de um carro? Pois fique atento, o filme obviamente lhe dará as pistas certas para o desfecho...

Bravura Indômita

2011-02-18T04:38:00.001-08:00

Bravura Indômita

NOTA: 10 / 10

True Grit
EUA , 2010 - 110 minutos
Faroeste

Direção:
Joel e Ethan Coen

Roteiro:
Joel e Ethan Coen, baseado no romance de Charles Portis

Elenco:
Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper

Não há como negar a capacidade dos irmão Ethan e Joel Coen em impressionar a cada novo trabalho. Com uma filmografia praticamente irretocável, a dupla trouxe clássicos do cinema moderno e foi consagrada com o Oscar por Onde Os Fracos não têm vez em 2007. Desde lá, receberam mais duas indicações de Melhor filme por O Homem Sério e, agora, uma nova versão do clássico que deu a John Wayne o Oscar de melhor ator, Bravura Indômita. No melhor estilo do gênero Western, a história mostra uma garota que contrata um caçador de recompensas na tentativa de vingar a morte de seu pai. A verdade é que a jornada será muito mais do que apenas de vingança.

A direção é impecável, seja no que diz respeito aos atores, como na fotografia que surpreende com belas cenas do Velho Oeste, bem como de locações isoladas que dão o tom de suspense e isolamento à perseguição. O tom do original também é mantido aqui, sem precisar de uma readequação para os tempos modernos, mas, justamente, utilizando a mesma estrutura, com poucas diferenças no foco dado pelos diretores. No caso, aqui o importante é o desenvolvimento da personagem principal e seu relacionamento com os dois caçadores de recompensa que a acompanham, que passa da leitura simplesmente superficial da amizade para uma transformação ainda mais profunda como entenderemos ao final do filme.

O elenco além de surpreender com a estreia da garota Hailee Steinfield, que não decepciona e merece a indicação ao Oscar que recebeu, conta ainda com os já oscarizados Matt Damon e Jeff Bridges (em uma das atuações mais incríveis de sua carreira), além do sempre competente Josh Brolin, como o covarde foragido. Basta dizer que só o elenco já justifica as indicações do filme ao prêmio da Academia e não seria surpresa se Bravura Indômita levasse a maioria dos prêmios na cerimônia da próxima semana...

Com diálogos sempre robustos e repletos de significância, além da sempre presente agressão visual, os Coen conseguem realizar um dos westerns mais surpreendentes dessa nova leva do gênero, que se apoia principalmente na investigação psicológica de seus personagens ao bangue-bangue enlouquecido. Ao que parece, essas revisões se propõe muito mais às características de Sergio Leone e John Ford do que propriamente às matinês dos finais de semana que preferiam mostrar sempre a mesma leitura de mocinho vs bandido. Esses méritos fazem de Bravura Indômita, de longe, o melhor filme de 2010.

Cisne Negro - A mais nova obsessão de Aronofsky

2011-02-16T07:15:00.000-08:00

Cisne Negro - A mais nova obsessão de Aronofsky

NOTA: 9,0 / 10

EUA , 2010 - 108 min.
Suspense

Direção:
Darren Aronofsky

Roteiro:
Mark Heyman, Andres Heinz, John J. McLaughlin

Elenco:
Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder, Benjamin Millepied, Ksenia Solo, Kristina Anapau

Quem conhece o blog há um pouco mais de tempo sabe o efeito que A Fonte da Vida teve sobre mim e o quanto adoro o filme até hoje. A narrativa não-linear e extremamente complexa do filme, fora suas leituras semióticas e, logicamente, a mistura de ficção científica, existencialismo e morte tornam aquele filme a obra-prima de um dos diretores mais subestimados na década passada, mas reconhecido nos últimos anos. Aronofsky, em um olhar mais amplo sobre sua obra, trata sobre as obsessões humanas e de como isso leva à infelicidade e a destruição de tudo e todos à volta do protagonista. Já em O Lutador e Cisne Negro, a perturbante descida rumo ao inferno para o espectador parece ser ao protagonista apenas a aceitação da morte como o maior momento da vida, nem que para isso, ele já não possa mais existir. O clímax é tudo.

Em Cisne Negro, acompanhamos a história de uma bailarina que tenta conseguir o papel da Rainha Cisne, no Balé O Lago dos Cisnes, mas será desafiada por uma nova dançarina e, obcecada pelo papel principal, destruirá tudo em que acredita.

A direção de Aronofsky é sempre pesada e não é à toa que Cisne Negro muitas vezes faz lembrar O Lutador, com suas câmeras na mão, tomadas documentais e ganha contornos próprios ao invadir a cabeça da protagonista e mostrar o mundo por seus olhos. Com uma fotografia granulada, belos momentos mostrando a dança impecável de Natalie Portman, Aronofsky sabe como guiar o espectador do alto ao fundo do poço em pouco mais de duas horas. Acontece que quem já conhece o diretor e sabe o que esperar dele fica sim um pouco decepcionado, visto que não dá para colocar na personagem de Natalie Portman a fragilidade que Hugh Jackman, Jared Leto, Ellen Burstyn e até Mickey Rourke puderam trazer a seus protagonistas em outros filmes do diretor.

A atuação de Natalie é sim surpreendente, mas em certos pontos da trama, simplesmente torna-se irritante. Os poucos momentos onde divide a tela com Vincent Cassel e Mila Kunis ao menos conseguem trazer um pouco de sabor à mistura bastante inssossa entre o cinza predominante na fotografia e os momentos apáticos da protagonista.

Já o roteiro é uma bela análise digna de Freud, abordando elementos da psicanálise e cheio de referências para futuras palestras sobre esquizofrenia e desvios de personalidade amplificados pelo uso de drogas. Sabe manter o suspense e a sensação de desgraça iminente durante toda a sessão, comprometendo um pouco justamente na reviravolta final que perde o impacto, mas compensa em uma belíssima cena final digna de todo o peso do filme.

O filme não pode ser visto sob o olhar unicamente psicanalítico por correr o risco de se tornar didático, tamanha repetição dos mesmo tiques nervosos da personagem e sua insegurança. Também não pode ser pensado como uma obra de Aronofsky, justamente por perder na comparação com outras de suas histórias que tanto impactaram no passado. Não entra também na categoria de suspense, por não fornecer elementos suficientes para tanto. Enfim, passa muito bem como um drama psicológico poderoso que não deve ser em momento algum subestimado e mesmo ignorado, com o risco de perder uma bela obra que esconde nos detalhes sua verdadeira importância.

Machete - Robert Rodriguez e sua incursão infindável pelos confins do cinema B

2011-01-26T10:29:00.000-08:00

Machete - Robert Rodriguez e sua incursão infindável pelos confins do cinema B

Nota: 5 /10

Eua, 2010 - 107 minutos
Ação

Direção:
Robert Rodriguez, Ethan Maniquis

Roteiro:
Robert Rodriguez, Ethan Maniquis

Elenco:
Danny Trejo, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Robert de Niro
Machete é um punhado de retalhos cinematográficos que justificam o trailer falso de grande sucesso do qual é baseado. Da primeira a última cena entendemos (ou ao menos tentamos entender) a incursão do diretor, homenageando o cinema de MACHO, aquele cinema feito exclusivamente para agradar o ogro escondido em cada um de nós homens. Nessa tentativa de emular o cinema de locadora, constrói uma história que, acima de tudo, consegue captar a principal característica dessas produções: a chatice.

O filme mostra a história de um ex-agente federal mexicano, que após ser emboscado por um chefão do tráfico e perseguido por um senador dos Estados Unidos, decide dar o troco em sangue.

Robert Rodriguez é um dos diretores de Hollywood mais autorais em todos os tempos. Suas produções (tanto as que dirige e escreve, como aquelas em que apenas produz), levam um toque seu em cada departamento da Troublemaker Studios: efeitos especiais, maquiagem e até mesmo trilha sonora. Desde Drink no Inferno, divide com Quentin Tarantino produções de baixo orçamento e empreitadas diferentes e saudosas de 1900 e antigamente. Foi com Grind House que essa empreitada foi levada ao máximo, tendo um péssimo desempenho nas bilheterias, mas ganhando força no cenário cult. A diferença é que o A Prova de Morte de Tarantino contrasta drasticamente com o Planeta Terror de Rodriguez. O primeiro mantém as características que tornam Tarantino um ícone do cinema, enquanto o segundo perde a graça pouco depois da metade do filme, partindo para cenas de ação apelativas e enfadonhas que nos fazem pensar que o tempo foi simplesmente esticado indeterminadamente. Em Machete, a violência injustificada perde a graça depois de certo tempo, mas ao menos, as cenas de luta tem pequenos presentes aos fãs que permitem um tempo maior de prazer visceral.

Enquanto isso, o elenco liderado por Danny Trejo carece de profundidade. Não adianta dizer que esse tipo de filme não leva esse tipo de análise, pois A Prova da Morte consegue trabalhar seus personagens em 15 minutos, o suficiente para que nos importemos. Assim, sobram tramas e subtramas que descaracterizam o filme e os personagens já sem sal da história.

O fato de Rodriguez ter afundado nessa onda de filmes B me faz ter saudades do tempo em que Sin City participou com louros do Festival de Cannes e me faz perguntar: qual o problema do diretor em voltar a esse cinema que nos fez delirar nas cadeiras do cinema, com um visual e enredo originais, além de atuações esmeradas que reergueram atores? Não creio que a fonte da originalidade técnica do diretor tenha secado, jamais. Mas chega de tentar emular o cinema ruim e volte a fazer o cinema de verdade, pelo qual todos esperançosamente aguardamos.

O Ano dos NERDS no Cinema!

2010-12-17T09:02:00.000-08:00

O Ano dos NERDS no Cinema!

Não há como negar: 2010 foi o ano dos Nerds no cinema!
Do pessoal dos computadores à mitologia do videogame e super-heróis, esse ano foi o momento dos fenômenos dos quadrinhos e cultura pop dominarem às telonas. Vamos aos cinco mais importantes:

5º- A Rede Social: Não dá pra negar que o indíce de nerdice de Zuckerberg superou limites pré-estabelecidos quando ele criou o Facebook, mas só agora é que podemos ter a exata noção do que isso significou para toda uma tribo. As competições para selecionar programadores para o Facebook, as horas gastas na frente de um computador e linhas de código e principalmente a total inadequação social, renderam o favoritismo às maiores premiações da temporada 2011, além de catapultar as carreiras de Jesse Eisenberg e Andrew Garfield. Nada melhor para mexer no ego do pessoal de TI, que sabe muito bem como é difícil ter reconhecimento nessa profissão...

4º - Kick-Ass: Quebrando Tudo - Levado dos quadrinhos sensacionalistas e grosseiramente violentos de Mark Millar, a história tem tudo aquilo que todo o nerd sonha: um garoto apaixonado por quadrinhos que decide tornar-se um herói em um mundo sem heróis. Basta vestir um colante e doi porretes e pronto, ele vai descobrir que não é tão fácil assim ser herói. Claro que o filme pegou mais leve do que os quadrinhos originais, mas mesmo assim abusou da violência e conquistou uma legião de fãs em todo o mundo, rendendo o suficiente para conseguir um bom lucro e, claro, engatar uma sequência.

3º - Predadores: O clássico dos anos 80, que marcou a vida de muitos jovens, voltou pelas mãos do cult Robert Rodriguez em um dos melhores filmes de ficção científica do ano. Se não bastasse as ótimas referências ao primeiro filme e as novas raças que conseguem ser mais assustadoras ainda, temos um Fishbourne ezquisofrênico e um raquítico Adrien Brody deixando o governator no chinelo com o preparo físico de protagonista. Junte a isso um elenco inspirado e muito sangue e pronto: a galera do Sci-fi sai completa de mais uma sessão de cinema, digna dos melhores filmes de ação do ano.

2º - Tron: O Legado - Uau. Sam Flynn pega a moto e dispara pelo coração da cidade. Sobe a trilha do Daftpunk e eu só consigo lembrar dos jogos de SuperNes como Top Gear e aquele jogo de motos que você tem que desviar dos carros. Pronto. É o que precisa para entendermos que a continuação de Tron será uma eterna homenagem a clássicos dos anos 80, nos games e nos cinemas. Todo o visual cyberpunk repaginado para 2010, mantendo o que de melhor o filme original teve e trazendo novos elementos da cultura 2.0. Peca pelo fato de tentar, mais uma vez, a velha artimanha do déspota que pretende dominar o mundo desconhecido, mas ganha ao saber jogar muito bem com os elementos que tem força. Um filme para você viajar rumo a um passado que você talvez nem tenha vivenciado, mas que deixa um forte odor de nostalgia no ar.

1º - Scott Pilgrim contra o mundo: É. Não há como discutir. A obra máxima do ano carrega tudo o que os filmes anteriores oferecem em uma única ópera de encher os olhos. Nada melhor do que chamar Edgar Wright (de Todo Mundo Quase Morto e Chumbo Grosso), para coordenar essa aventura épica em 8-bits, que mistura todos os universos da cultura pop em apenas um filme. Michael Cera, astro nerd, se une a um elenco impecável e cheio de referências (essa é provavelmente a única vez que veremos Capitão América e Superman no mesmo filme) com um visual estarrecedor e uma trilha insana que bota abaixo todo o conceito de universo nerd que se possa imaginar. Se não fosse o bastante, o apoio da crítica e o desprezo do público convencional tornam esse filme um cult instantâneo que dispensa palavras e enaltece o que de melhor a cultura nerd tem a oferecer.

Amém.

Megamente e As Crônicas de Nárnia: A Viagem do Peregrino da Alvorada - Dois filmes para o feriado de Natal e para toda a família

2010-12-17T08:19:00.000-08:00

Megamente

NOTA: 8,0 / 10

Megamind
EUA , 2010 - 96 min.
Animação / Comédia

Direção:
Tom McGrath

Roteiro:
Tom McGrath , Cameron Hood

Elenco:
Will Ferrell, Tina Fey, Jonah Hill, David Cross, Brad Pitt

A Dreamworks assume a liderança em lançamentos de animação no ano. Foram 3 filmes em pouco mais de 8 meses: Como Treinar o Seu Dragão, Shrek Para Sempre e, para fechar o ano, Megamente. Desde o primeiro trailer, acreditei que o filme fosse apenas mais uma produção bobinha e que novamente sairia frustado do cinema com a empresa que me deu alegrias com algumas produções, mas jamais conseguiu atingir o patamar dos estúdio Pixar em termos de qualidade narrativa. Megamente me surpreendeu por voltar às origens da produtora, com um humor escrachado, aproveitando o que de melhor a empresa sabe fazer: parodiar gêneros. No filme, acompanhamos um vilão que finalmente derrota seu arqui-rival e vê que isso trouxe um vazio imenso para sua alma. Decide então criar um novo herói que poderá trazer emoções a sua vida, mas como sempre, essa ideia tem tudo para dar errado. A fórmula da animação segue os padrões já conhecidos, mas destaca-se por um humor bem trabalhado, ótima trilha sonora e personagens interessantes. Se cai nos mesmos clichês que já conhecemos, ao menos cai com estilo. Surpreende também a qualidade técnica da produção que aposta em cenas grandiosas e efeitos eletrizantes que vão fazer você querer voltar mais e mais vezes ao cinema e aproveitar o filme com tudo o que o 3D pode proporcionar.

As Crônicas de Nárnia: A Viagem do Peregrino da Alvorada

NOTA: 7,5 / 10

The Chronicles of Narnia: The Voyage of the Dawn Treader
EUA , 2010 - 115 minutos
Aventura / Fantasia

Direção:
Michael Apted

Roteiro:
Christopher Markus, Stephen McFeely, Michael Petroni

Elenco:
Georgie Henley, Skandar Keynes, Ben Barnes, Will Poulter, Gary Sweet, Terry Norris, Bille Brown

Depois de deixar os estúdios Disney, onde os dois primeiros filmes foram rodados, e perder seu diretor, a franquia de Nárnia parecia ter futuro indefinido. A Fox apostou no terceiro filme da série e conseguiu equilibrar o tom fantasioso da história original com uma produção que mantém o nível dos filmes da série. A história mostra Edmundo, Lúcia e Eustáquio de volta a Nárnia, onde encontram um navio, o Peregrino da Alvorada. Lá, Caspian relata que está em uma busca pelos sete lordes de Nárnia perdidos nos mares orientais. E as crianças irão ajudá-lo nessa busca. Ótimos efeitos especiais e uma bela mensagem (característica dos livros), embalam essa aventura que aposta também em um 3D, desnecessário diga-se de passagem. Ainda assim, leva com orgulho o nome da série, rumo a novos mares, ainda não descobertos.

A Rede Social - David Fincher mostra o lado negro da maior rede social do mundo

2010-12-17T07:37:00.000-08:00

A Rede Social - David Fincher e as relações pessoais

NOTA: 9 / 10

The Social Network
EUA , 2010 - 120 minutos
Drama

Direção:
David Fincher

Roteiro:
Aaron Sorkin, Ben Mezrich (livro)

Elenco:
Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, Rooney Mara, Max Minghella, Rashida Jones

Zodíaco talvez seja o filme do diretor David Fincher que mais se assemelha a A Rede Social. Diálogos rápidos mas longos, seguidos por cortes secos e mais diálogos, dando momentos oportunos para o espectador respirar e digerir os acontecimentos, sem jamais tomar um partido, mostrando os fatos como, em sua concepção, aconteceram. Ao contrário de Benjamin Button, onde o sentimento principal do filme dependia inteiramente do carisma com o protagonista, em seu novo filme, o efeito é completamente o contrário. Por mais que tenhamos a mania de querer nos colocar no lugar do personagem principal, em poucos minutos de exibição descobrimos que Mark Zuckerberg não é flor que se cheire. E aos poucos notamos que todas as acusações que ele sofre no decorrer do crescimento do Facebook fazem parte de sua falha de caráter. Mas ao mesmo tempo, nada teria funcionado tão bem se ele não tomasse as decisões que o tornaram tão impopular e odiado por aqueles que o cercavam.

A Rede Social acompanha a trajetória do criador do Facebook, desde a criação de sua primeira rede social, aos posteriores processos quando o mesmo havia tornado-se bilhonário.

O currículo de David Fincher foi provavelmente o que salvou A Rede Social do fracasso monumental e o colocou no patamar de favorito para o Oscar. Antes disso, o projeto despertou a falta de interesse em boa parte do público cinéfilo e muito mais dos sites e revistas especializados. O diretor foi crucial para essa mudança. Nos roteiros, chamou o colega Aaron Sorkin (de Curioso Caso de Benjamin Button) e a equipe que trabalhou no filme anterior, para pintar a projeção com uma fotografia deslumbrante. Cada momento do filme é realçado cmo as cores determinadas, tornando o processo de acompanhar os diálogos mais interessante e menos cansativo. Afinal, fazer de duas horas e meia de diálogo algo atrativo de ser assistido é tarefa difícil para qualquer um e nesse ponto, a direção de atores ganha força nas mãos do diretor.

Jesse Eisenberg torna-se mais do que apenas um Michael Cera genérico e impõe a personalidade alienada determinante para compreendermos o porque de Zuckerberg ter conseguido tantos inimigos em tão pouco tempo. Andrew Garfield, no papel do brasileiro e único amigo do protagonista Eduardo Savrin, consegue mostrar ao mesmo tempo a inocência e apatia que o levou a ser trapaceado para fora da empresa, enquanto Justin Timberlake provoca nojo como Sean Parker, quase tornado o "vilão da história". Destaque também para o excelente efeito que tornou o ator Armie Hammer os gêmeos Winklevoss, apenas substituindo o rosto no corpo de outro ator. Simplesmente incrível.

O roteiro também acerta ao não apontar o certo e o errado, mas ao mostrar a forma como Zuckerberg soube aproveitar todas as oportunidades em prol da sua criação e da forma como cada uma dessas decisões teve consequências que não puderam ser evitadas, mas o fizeram o mais novo bilhonário do mundo.

A pergunta que chega ao final da projeção é como uma pessoa, capaz de criar a maior ferramenta social de todos os tempos, não consegue sequer construir relações duradouras fora do mundo virtual. Seria um estranho desejo de querer se sentir odiado e colocar a culpa nas outras pessoas, mesmo quando essas pessoas realmente se importam como ele, ou talvez, algum ressentimento de outros relacionamentos que o tornaram alguém fechado longe da tela de um computador?

A resposta, é claro, depende de cada espectador. Mas uma coisa é certa: Zuckerberg sabe como ser um babaca com muito dinheiro.

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1 - O começo do fim

2010-11-20T04:17:00.000-08:00

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte 1 - O começo do fim

NOTA: 8,5 / 10

Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 1
EUA / Inglaterra , 2010 - 146 min.
Drama / Fantasia / Suspense

Direção:
David Yates

Roteiro:
Steve Kloves

Elenco:
Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Bill Nighy, Richard Griffiths

Eu lembro da primeira vez que encontrei um livro de Harry Potter disponível em uma livraria. Ninguém, na época, fazia ideia do que se tratava, mas o colorido da capa, as letras em verde brilhante e o destaque dado pelas livrarias ao produto chamou a atenção. Não comprei o livro (na verdade, só fui comprar um livro da série no sexto volume, os outros todos consegui emprestados), mas uma professora da sétima série emprestou-me logo após a compra. Bom, foi o suficiente para me fazer delirar pelo mundo fantástico de J.K. Rowling. Quando a saga acabou em livros, iniciou a nova jornada nos cinemas. Os últimos 3 livros e consequentemente os últimos 4 livros, abandonam o clima de fantasia juvenil do começo da série e mergulham no lado obscuro do mundo bruxo e do abandono da infância rumo à vida adulta. Ver Harry Potter nos cinemas, torna-se uma fantasia sadomasoquista que precisamos completar para enfim, podermos deixar os personagens em paz, longe de toda a aflição que eles passaram ao longo de tantos anos. Por isso, talvez a parte inicial de As Relíquias da Morte seja um dos melhores filmes da série até hoje, senão, o melhor.

Nessa primeira parte do último livro, Harry parte para encontrara as horcruxes e tentar destruir Voldemort, mas para isso terá que manter seus amigos o mais perto possível e fugir constantemente, já que não existe lugar seguro para se esconder.

David Yates volta à direção em seu 3º filme ao lado do bruxinho. O diretor conquistou a autora da série e boa parte dos fãs, ao utilizar os movimentos frenéticos de câmera na mão e fotografia inspirada que desde A Ordem da Fênix, surpreende pela qualidade dos profissionais contratados. Se há um porém é que até agora seus filmes permaneciam mutilados, em relação aos livros que eram baseados. A divisão em duas partes de As Relíquias da Morte deu tempo ao diretor e a chance do estúdio faturar ainda mais. Yates se sai bem ao imprimir o ritmo frenético inicial do livro e mantém as "aparições" de personagens até então nunca vistos na série (sim, refiro-me exatamente a Gui Weasley) de forma natural. Enquanto no livro a fuga do trio de protagonistas é extremamente monótona, o diretor consegue extrair uma das melhores sequências da série ao mostrar cenários do mundo trouxa, ao som de um rádio anunciando os bruxos desaparecidos nos últimos dias. Incrivelmente desolador.

Meu momento preferido do filme é sem dúvida o momento onde é relatado o conto das relíquias da morte, uma animação computadorizada que mescla elementos do 2D e estilização quase quadrinesca assustadora. Ponto alto do filme sem dúvida.

Apesar da competência de Yates e do meu favoritismo como o melhor diretor da série (a abertura do filme com Scrimgeour é sensacional), os últimos dez minutos do filme sofrem do mesmo problema de O Enigma do Príncipe: É anticlimático. Apesar de entender que se trata de uma "trilogia", nada justifica encerrar o filme de forma brusca sem buscar algo que faça o espectador realmente tiritar de excitação na cadeira. Por favor, Senhor dos Anéis ensinou isso muito bem. Sem contar o momento final de uma personagem que torna sua morte extremamente melodramática e apenas uma desculpa para encher a história de cadáveres amigos (SPOILER ALERT!!!!!***********me senti mais tocado pela morte de Edwiges do que pelo já citado Dobby *************). E se algo depõe contra o diretor é justamente essa descaso.

Em relação ao trio de protagonistas, que dominam boa parte do filme e precisam levar o filme nos ombros, temos Rupert Grint sobressaindo-se como um Rony amargurado e ciumento; um Radcliffe maduro e determinado, e a sempre agradável Emma Watson como elemento racional e frágil do grupo, tomando as dianteiras frente a apatia dos rapazes. Rufus Scrimgeour recebe tratamento de luxo pelo incrível Bill Nighy, mas temos que destacar Jason Isaacs, que rouba a cena quando aparece, como Lucius Malfoy. No geral, sempre me surpreendo com Imelda Staunton, no assustador papel de Dolores Umbridge.

Se há alguém que deve-se culpar desde o princípio, seu nome é Steve Kloves. Roterista da série há seis filmes, é ele que os fãs pedem para crucificar quando algo fica fora dos filmes. E talvez seja dele boa parte das ideias que incomodam quando adaptadas. Sejam cenas adicionais inesperadas ou resoluções precipitadas (cito novamente o que comentei antes, em relação aos dez minutos finais), são diálogos muitas vezes vazios e sem sentido para a história que tiram a força de Relíquias da Morte Parte 1.

O filme funciona em seu começo e tem altos e baixos durante toda a projeção. Os primeiros minutos refletem a tensão que paira sobre o mundo inteiro, enquanto o trio da adeus a suas vidas comuns. Hermione separando-se de seus pais é o momento mais pesado do filme. Os conflitos entre o grupo elevam também o drama entre os três amigos quando o medalhão projeta o maior medo de Rony de forma desavergonhada, quase sensual. O sangue e a violência trazem a série para um nível de pressão que imaginamos explodir apenas em Julho de 2011 com a chegada do último filme e enfim resolução de toda a mágica criada por HarryPotter e Os Inúmeros Diretores que conseguiram uma façanha: criar a maior e mais lucrativa série do cinema em todos os tempos, e claro, satisfazer milhões de fãs com grande estilo.

Pausa Forçada

2010-11-10T09:51:00.000-08:00

Olá leitores,

só passando pra avisar que a partir do dia 22/11 as postagens voltam à programação normal. Isso porque no momento, estou finalizando meu TCC e por isso, estou impossibilitado de manter as postagens.

Em breve, o mesmo estará publicado aqui!

Abraços

Tropa de Elite 2 - José Padilha consagra o gênero dos filmes de máfia brasileiros

2010-10-21T14:43:00.000-07:00

Tropa de Elite 2 - José Padilha consagra o gênero dos filmes de máfia brasileiros

NOTA: 9 / 10

Brasil , 2010 - 116 min
Ação / Drama

Direção:
José Padilha

Roteiro:
José Padilha, Bráulio Mantovani

Elenco:
Wagner Moura, André Ramiro, Maria Ribeiro, Pedro Van Held, Irandhir Santos, Seu Jorge, Milhem Cortaz, Fernanda Machado, Tainá Müller

O Capitão Nascimento está mais velho, mais experiente e mais intolerante. Suas crises de ansiedade foram afogadas no mar de sangue da guerra do Bope com o tráfico e agora, ele pode fazer pelo Bope tudo aquilo que a organização proporcionou para ele. Mas assim como a experiência trouxe força e determinação para o Caveira, também acabou com qualquer surpresa e felicidade que uma vida comum poderia oferecer. O casamento destroçado, a distância do filho e de todos com quem se relacionava e o rosto cansado e marcado por suas lutas são parte dessa nova realidade como sub-secretário de segurança e líder da inteligência no governo do Rio de Janeiro. O Bope é uma máquina que funciona perfeitamente, equipada com a melhor tecnologia. O que Nascimento não sabe é que essa máquina pode estar trabalhando para as pessoas erradas e que o seu verdadeiro inimigo não está no tráfico de drogas.

Tropa de Elite 2 mostra os personagens do primeiro filme encarando agora as milícias policiais do Rio de Janeiro pós-tráfico de drogas.

José Padilha relembra Parada 174, seu documentário de estreia com as tomadas de helicóptero e as narrações que pontuam esse novo filme. Pode-se dizer que essa já é uma marca do diretor, que segue mostrando como o Capitão Nascimento vai do inferno à redenção em uma trama muito bem amarrada e conduzida de dar inveja à Francis Ford Coppola e o seu Poderoso Chefão. O que não fica implícito é a violência que como no filme de 74, abusa do sangue e no visual intenso e rápido captado pela câmera visceral de Lula Carvalho que repete em momentos tomadas do primeiro filme acentuando as tonalidades emocionais de determinadas cenas, como por exemplo, na casa mal iluminada e vazia do Capitão Nascimento. No primeiro filme, ela parecia desconexa com a presença de sua esposa e nesse segundo momento, parece confortável com a presença solitária do protagonista.

Wagner Moura consegue com Tropa de Elite 2 marcar sua posição como um dos melhores atores do cinema brasileiro atualmente. Não há papel que pareça desconfortável em sua pele. Seja como ator de comédia ou romance, seja nesse papel que o consagrou, ele sabe como carregar o tom dramático do filme. Sua expressão intacta durante quase todo o filme sucumbe nos momentos finais, perto de sua redenção. O elenco de apoio é competente em seus papéis, seja o monstruoso Rocha ou o malandro Fábio, ou mesmo o apresentador de programa de TV sensacionalista. Mesmo se ao humanista Fraga pareça faltar um pouco de força ao papel, aos poucos o personagem parece ganhar vida própria e tornar-se crível.

O roteiro desse segundo filme consegue aprofundar mais do que apenas na violência crua e, como chamam alguns, fascista de Tropa de Elite. Personagens e situações não existem apenas para para mostrar como funciona o Bope (que aliás, tem papel secundário nesse filme), mas criam relações e sub-tramas intrincadas, dignas de Hollywood. Os diálogos mais ricos colocam em questão a política e a polícia que se importam apenas com dinheiro e poder deixando de lado o povo, de forma cruel e usurpadora.

É essa realidade que perturba em Tropa de Elite. Ver Jason Bourne ou Jack Bauer torturando meio mundo em prol dos Estados Unidos pode parecer exagero ou seque chega a incomodar. Mas ver o Brasil que conhecemos, as instituições que nos são familiares destruindo a confiança do povo que depende e se aproveitando da displicência do poder Público é algo que em certo momento do filme torna-se insuportável. Mesmo porque, nem o próprio Nascimento é capaz de resolver no braço e rende-se aos tribunais em busca de vingança. E o final otimista é mais do que um privilégio da ficção, é um final necessário para que possamos pelo menos, imaginar um país que seja capaz de resolver suas próprias feridas através da justiça.

A Lenda dos Guardiões - Diretor de 300 e Watchmen aposta em animação adulta para renovar o gênero

2010-10-07T07:37:00.000-07:00

A Lenda dos Guardiões - Diretor de 300 e Watchmen aposta em animação adulta para renovar o gênero

NOTA: 8,5 / 10

Aventura/Fantasia/Animação
EUA/Austrália. 90 min.

Direção:
Zack Snyder

Roteiro:
John Orloff, Emil Stern, Kathryn Lanski

Elenco:
Jim Sturges, Ryan Kwanten, Helen Mirren, Emilie de Ravin, Hugo Weaving, Sam Neil

Adaptar um livro para o cinema pode estar entre as tarefas mais estressantes já criadas. Primeiro, você tem que condensar uma história lenta e longa os bastante para preencher um livro, preservando pontos principais, mas simplificando a narrativa para que o público espectador se identifique em 1h40 com os personagens que leitores degustaram por semanas. Mais do que isso, tem que agradar os fãs e cativar os novatos. A adaptação então consiste em não apenas transpor o livro para o cinema, mas sim, em criar uma nova história com os elementos conhecidos. E é por isso que tantos naufragam nessa tentativa. Aliar uma boa história também depende da capacidade do diretor em saber manter o pulso firme nos pontos mais relevantes. E nesse caso, A Lenda dos Guardiões sai na frente com bons personagens e a competência habitual do diretor Zack Snyder que transforma um livro aparentemente infantil em uma história para adultos e crianças.

Soren é uma coruja que desde cedo foi criada ouvindo as lendas dos Guardiões de Ga'Hoole. Quando acidentalmente ele e seu irmão caem do ninho onde vivem, se descobrem em um mundo onde as lendas são verdadeiras e o mal é maior do que se imaginou.

Novamente Zack Snyder dirige um trabalho que não escreveu, adaptado de uma série de livros de sucesso em 2005. A produção ganha em ousadia pois o diretor sabe como tornar uma história sombria o suficiente sem cruzar a tênue linha da violência explícita, visto que as batalhas entre corujas no livro tendem a ter inúmeras lacerações e sangue espirrado. Snyder sabe dominar também a tecnologia 3D que neste filme permite a visualização de cenários excepcionais, vôos com profundidade e o mais interessante de tudo, a marca do diretor: O Slow Motion. Como fã da técnica e do diretor, nunca canso das cenas com esse efeito e A Lenda dos Guardiões tem overdoses do estilo. Slow em tudo, até em algumas cenas banais, mas dane-se, o resultado é incrível. Snyder também consegue imprimir as diferenças plásticas e psicológicas entre os personagens ao representar cada um com suas diferentes representações na tela. O exército de St. Aeggis é sinistro como os 300 de Esparta, enquanto os guardiões, não menos estilosos, utilizam suas navalhas e capacetes de forma a usar a luz como arma.

No elenco, é difícil julgar visto que a cópia disponível era dublada. Nada que comprometa o filme, mas fica difícil levar a sério a cobra-cega, Mrs. P. Com uma voz infantil e uma modelagem bastante estranha, não consegui me acostumar com ela, apesar de sua importância na série de livros. No mais, a animação dos personagens, que já era excepcional em Happy Feet, filme anterior do estúdio, continua muito boa. Aliás, a textura dos personagens consegue ser ainda mais real que a do primeiro filme e sua movimentação é algo que poucos estúdios conseguem atualmente.

Como falei antes, realizar uma adaptação é sempre complicado. Acompanho a série há pouco mais de um mês. Nos primeiros minutos, pude notar que o filme toma um rumo diferente dos livros. É difícil entender essa mudança, mas aos poucos ela faz sentido. E não apenas isso, mas cria sua própria mitologia, coerente e que agrada por justamente surpreender todos os espectadores. Nos pontos onde o livro torna-se didático ou desinteressante, o filme passa de forma rápida e interessante. Lamenta-se, infelizmente, que alguns pontos fortes também foram esquecidos, como a tortura psicológica de St. Aeggis e alguns outros momentos fracos e clichês do gênero, repetidos.

Ainda assim, A Lenda dos Guardiões mantém um nível e cria um novo rumo para as animações. Tira do cenário infantil e começa a posicioná-la de forma a recuperar seu elemento de entretenimento para todos. Não se acovarda pelas cenas fortes. Mesmo quando entra o clichê que todos esperam a história toma outro rumo muito mais intenso e deixa um gancho inteligente no final do filme. Essa introdução de diretores conhecidos por filmes que em nada se assemelham com a cultura infantil transforma as animações em uma mistura bastante curiosa.

Se algo tira um pouco do encanto do filme é a trilha sonora, que além de suave demais para o teor da história, não parece se encaixar em nenhum momento. Fora isso, vale curtir o filme e ainda ganhar de brinde, a exibição de um curta do Coyote e Papa-Léguas, bem no estilo Warner Bros. de antigamente.

Oscar 2011: E a máfia vence novamente no Brasil

2010-09-28T12:23:00.000-07:00

Oscar 2011: E a máfia vence novamente no Brasil

Na quinta-feira (23/09) tivemos a notícia de que Lula: O filho do Brasil foi o escolhido pela academia de cinema brasileira para representar o país na briga por uma vaga no prêmio mais cobiçado do cinema: o Oscar. A reação foi quase unânime: Como assim? O elefante branco de 16 milhões de reais que não conseguiu sequer empatar o custo de produção e foi ignorado pela crítica por se tratar de um dramalhão a la Dois filhos de Francisco, mas sem o sucesso do anterior despertou a discussão sobre a política de escolha dos filmes ao oscar no Brasil. Os últimos 3 anos trouxeram ao Brasil não mais do que a qualidade de espectador, que ano passado, culminou na vitória da Argentina com o ótimo O Segredo de Seus Olhos. Em 2007, enviamos Última Parada 174, filme que de artístico não apresentava nada, exceto a direção do já nomeado ao Academy Award, Bruno Barreto. Aparentemente, para a academia, não foi o suficiente para sequer cogitar o filme na lista de indicados. No ano passado, Sérgio Rezende com o fraco Salve Geral fez feio tanto fora quanto no Brasil, e por algum motivo foi o classificado pela Academia Brasileira, que ignorou A Festa da Menina Morta e Se nada Mais der certo, dois filmes que ganharam repercussão mundialmente. E por fim, o chefe do clã Barreto produziu o filme que todos sabiam que iria para a premiação por mais anêmico que seja.

Pois bem, não é uma simples coincidência. Depois de ouvir o presidente da academia brasileira despejar a bobagem mor ("não enviaremos o melhor filme, mas o que tem mais chance de ganhar", como se ganhar não tivesse nada a ver com qualidade, como atestam os vencedores passados), temos o tráfico de influências corroendo não apenas nas câmaras políticas, mas também nos bastidores da Secretaria de Cultura. Em perfil publicado na revista Piauí, Luiz Carlos Barreto apresenta sua influência no cenário nacional, principalmente no que diz respeito às políticas de incentivo a produção. É clara a sua importância no cinema nacional, mas utilizá-la para tirar a chance de outros filmes esmerados de participarem de uma corrida de tanta importância é nilismo em excesso.

Não tiro os méritos políticos e cinematográficos de Lula o Filho do Brasil, mas acredito que uma escolha como essas deve ser repensada pela Academia Brasileira de cinema e dar mais atenção aos novos talentos que surgiram no Brasil. Esses podem não ser tão importantes ou famosos agora, mas mesmo um Barreto já foi um zé-ninguém qualquer que buscava oportunidades.

Terror em primeira pessoa: REC² e O último exorcismo

2010-09-28T07:18:00.000-07:00

Terror em primeira pessoa: REC² e O último exorcismo

Eu tinha 12 anos quando saí da sessão de Bruxa de Blair completamente aterrorizado com o que acabara de presenciar na tela. A forte campanha de marketing do filme havia me convencido de que se tratava de uma história real e a experiência imersiva nunca vista antes me nocauteou. Mesmo sabendo tratar-se de uma farsa, o filme foi um divisor de águas na minha vida. Hoje entendo que boa parte do que presenciei naquele dia foi devido a uma técnica que viria a me proporcionar as sensações mais aterradoras no cinema desde então. Cloverfield buscou mais o lado do extraordinário e da fantasia mas Rec trouxe de volta aquele sentimento que em quase 10 anos não pude presenciar. Se Atividade Paranormal não foi meu filme favorito, ao menos conseguiu ressuscitar o medo do escuro e do desconhecido. Neste ano, tive a oportunidade de encarar duas sessões do estilo com Rec 2 Possuídos e O Último Exorcismo. São dois filmes que bebem diretamente nas escolas que representam: Rec pelo fantástico vertiginoso de Cloverfield e O Último Exorcismo nas entrelinhas de A Bruxa de Blair. Ambos honram seus predecessores até o último minuto.

Rec 2 – Possuídos

NOTA: 8 / 10

[REC]²
Espanha , 2009 - 85 min.
Terror

Direção:
Jaume Balagueró, Paco Plaza

Roteiro:
Jaume Balagueró, Paco Plaza, Manu Díez

Elenco:
Jonathan Mellor, Oscar Sanchez Zafra, Leticia Dolera, Ariel Casas

“Não pare de gravar por tu puta madre”. A repórter desesperada assinala as palavras pouco antes da equipe da Swat, com as melhores armas e microcâmeras nos capacetes invadir o prédio que deu origem aos eventos vistos em Rec. Dessa vez, a histeria parece ser geral. A equipe não tem piedade e dispara fogo a torto e a direito, acompanhada de um “especialista” do Ministério da Saúde. A missão: Encontrar um antídoto. Mas como antes, não será apenas uma missão de rotina. O clima pesado do final do primeiro filme já entra de sopetão nesta continuação, que se não é tão boa quanto o original, ao menos sabe levar adiante o legado de Rec. O sangue vem aos borbotões aqui e começamos a nos deparar com revelações que podem levar a série para um outro rumo e, assim, garantir uma história ainda mais original e aterradora do que o esperado. A pressão psicológica eclode principalmente em duas cenas assustadoras, que por um acaso, não são culpas dos zumbis. Por fim, novamente temos os minutos de tensão potencializados, quando as revelações só podem ser observadas pelo infravermelho de uma câmera. Se o final não surpreende tanto, ao menos temos a chance de observar um pouco mais de Ângela e entender afinal o que aconteceu entre uma história e outra.

O Último Exorcismo

NOTA: 8,5 / 10

The Last Exorcism
EUA , 2010 - 87 min.
Terror

Direção:
Daniel Stamm

Roteiro:
Huck Botko, Andrew Gurland

Elenco:
Patrick Fabian, Ashley Bell, Iris Bahr, Louis Herthum, Caleb Landry Jones, Tony Bentley

O reverendo Cotton é um homem que não se importa de ser chamado de charlatão. Ele apenas tenta fazer o bem pelas pessoas que “exorciza” ao mostrar para elas que tudo não passa de um problema psicológico. Depois de 47 exorcismos, uma equipe resolve documentar esse último trabalho. Em uma fazenda, uma garota que vive com o pai e o irmão parece possuída por um espírito maligno e só Cotton poderá enfrentá-lo. Produzido por Eli Roth, o filme custou $1,8 milhões e arrecadou 20 em seu primeiro final de semana. Não é à toa, exorcismo não apenas é um tema popular no cinema, como também tem grandes adeptos no pentecostalismo americano (e brasileiro). Essa sensível linha entre o real e o imaginário é o ponto central da trama que irá questionar o espectador durante quase a totalidade do filme antes da virada final. E devo dizer que esse momento realmente me perturbou. Desde 1999 não sentia algo tão opressor em uma sessão de cinema quanto em o Último Exorcismo. Sem pressa o filme consegue tirar toda pretensão e entrar onde você menos pode esperar: no obscuro da sua alma.

Resident Evil 4: Recomeço - Menos Milla, mais 3D

2010-09-18T08:06:00.000-07:00

Resident Evil 4: Recomeço - Menos Milla, mais 3D

NOTA: 7,5 / 10

Resident Evil: Afterlife
EUA , 2010
Ação / Suspense

Direção:
Paul W.S. Anderson

Roteiro:
Paul W.S. Anderson

Elenco:
Milla Jovovich, Ali Larter, Kim Coates, Shawn Roberts, Sergio Peris-Mencheta, Spencer Locke, Boris Kodjoe, Wentworth Miller, Sienna Guillory, Kacey Barnfield, Norman Yeung, Fulvio Cecere, Ray Olubowale, Christopher Kano, Tatsuya Goke, Nobuya Shimamoto, Peter Kosaka, Denis Akiyama, Kenta Tomeoki, Shin Kawai, Mika Nakashima

A tomada inicial sobe lentamente pelas pernas de uma garota parada na chuva enquanto centenas de guarda-chuvas, brancos e vermelhos, passam por ela. Ao final, ela ataca sua primeira vítima e a infecção se espalha por todo o mundo. Isso acontece pouco depois de Alice ter sido capturada pela Umbrella Corporation, 4 anos antes de Resident Evil 4: Recomeço. Sem diálogos geniais, apostando no visual apurado, o filme conseguiu resgatar a identidade do videogame e se dedicar ao que mais interessa: tiros, zumbis e muitos efeitos especiais, potencializados por um 3D que, temo em dizer, mais interessante que o próprio Avatar.

Paul W. S. Anderson, diretor e roteirista do primeiro filme, voltou a série para contar o que aconteceu com Alice, após a humanidade tentar recomeçar sua vida. O que ela vai descobrir é que nem tudo que reluz é ouro.

Sou um partidarista completamente anti o diretor Paul W. S. Anderson. Se o primeiro filme de Residente Evil me surpreendeu bastante, devo dizer que fiquei decepcionado com Alien Vs Predador e Corrida Mortal além de outras porcarias que ele dirigiu. Minha surpresa é que ele se encaixa perfeitamente em Resident Evil. Não adianta ser ranzinza, o filme é sem dúvida um dos mais divertidos do ano e um dos poucos que me fez querer voltar ao cinema mais algumas vezes. Tudo isso deve-se a tecnologia 3D, finalmente honrada como James Cameron sempre desejou. Ao invés de apelar para a conversão como muitos diretores pensaram ser uma boa ideia (e não é!), Anderson abraçou a tecnologia 3D e utilizou as mesmas câmeras de Avatar. O resultado é surpreendente. Nunca algo voou tão perto de você ou grudou nos seu óculos de maneira tão realista quanto o sangue neste filme. As cenas com paisagens, as lutas, a profundidade e até a claustrofobia causada pelas cenas produzidas tornam a experiência de Resident Evil 4 angustiante como o filme deve ser.

Enquanto isso, do lado do elenco, nada de novo no front. Milla Jovovich está como sempre: muito dedicada e bonita. Mas sua atuação deixa a desejar. E no único momento em que talvez ela pudesse aparecer seminua, o diretor corta o barato. Pena. O primeiro soube jogar muito bem com a nudez da atriz e pode ter certeza que isso enriqueceu muito mais o filme. Fora ela, os personagens clássicos do apocalipse estão lá: o líder justo, o traidor repulsivo, o assassino misterioso e as carnes para abate coadjuvantes.

O roteiro também não é lá essas coisas e serve apenas de justificativa para o banho de sangue e os objetos atirados na plateia. Anderson disse que visualizou todo ele em 3D, mas acredito que ele esqueceu de ler de novo no final. É bobinho, mas dane-se, ninguém dá bola pra ele mesmo.

A direção tem falhas gravíssimas. Destaque para a cena final onde a foto de dois personagens aparecem nos arquivos de uma câmera criogênica meio minuto depois deles serem presos (você vai entender quando assistir). O filme é sim indispensável para ser assistido no cinema e em 3D. Não adianta perder tempo com as cópias em 2D seu mão-de-vaca, não foi para isso que o filme foi feito. Aliás, tem uma cena pós-créditos feita para os rapazes da sessão.

Vale dizer que conferi o filme na nova sala 3D do Cinesystem Shopping Total, que foi devidamente reformada e está demais!

Aproveite!

Daybreakers - Uma ode aos malditos vampiros chupadores de sangue

2010-09-09T09:25:00.000-07:00

Daybreakers - Uma ode aos malditos vampiros chupadores de sangue

NOTA: 8,5 / 10

Daybreakers
Australia/EUA, 2009 - 98 min.
Terror / Ficção Científica

Direção:
Spierig Brothers

Roteiro:
Spierig Brothers

Elenco:
Ethan Hawke, Willem Dafoe, Sam Neill

Crepúsculo criou uma legião de fãs que aceitam vampiros politicamente corretos e amor imortal. De uns anos pra cá, assim como o cinema foi invadido por obras que lembram a obra-prima de Stephenie Meyer também criou obras que resolveram recuperar a honra dos chupadores de sangue sem poupar no sangue ou na estilização das criaturas da noite. Sem dúvida o maior nome dessa classe é o excelente filme sueco Deixa Ela Entrar, perturbador e que resgata com classe os ícones da lenda. Daybreakers ou, no Brasil, 2019: o ano da extinção (péssimo nome para variar), não chega a ser um clássico, mas tem qualidades que não devem ser abandonadas ou ignoradas pelos amantes de histórias de vampiros.

A história se passa em 2019, dez anos depois que a praga dos vampiros se instalou na terra. O mundo é dominado pelos chupadores de sangue, que cultivam humanos para abastecer a população com sangue. Mas a raça humana está quase extinta e os vampiros buscam uma solução para que a falta de alimento no mundo não crie uma raça insandecida de criaturas da noite.

A direção dos Spierig Brothers, à frente de um filme de grande orçamento é insegura. Se no começo o filme parece oferecer todos os elementos para tornar-se um Sci-fi cult ao estilo de Gattaca ou a atmosfera de um Blade Runner, aos poucos, debanda para o trash e queda para o lado gore da força. A fotografia pálida e escura do começo do filme utiliza de princípios que já estamos careca, constrastando o azul frio com o vermelho do sangue, presente em portas, roupas da garçonete e mesmo no café dos vampiros. Quando a sombra se apodera do local, são os olhos vermelhos que ressaltam a natureza desse povo aparentemente normal que estamos acompanhando. Ao passar da história, conforme o personagem de Ethan Hawke evolui, os ambientes vão ficando mais claros e quentes até o final road movie. É tudo muito didático e previsível, mas nesse caso, funciona e muito bem. Fora isso, os efeitos são competentes para o baixo orçamento e o enredo, querendo ou não, prende você até o final.

O elenco é um caso a parte. Conseguir juntar três atores como Ethan Hawke, Willem Dafoe e Sam Neill com menos de 20 milhões é uma proeza. Se o protagonista, imortal e frágil, mortal e kick-ass de Hawke tenta dar um pouco de drama e peso para a história, o personagem de Dafoe é o alívio trash. O ator tem uma capacidade de mesclar atuações soberbas em filmes como Anticristo e se prestar para ser o mentor caricaturado e trash de um filme de baixo orçamento. Em determinado momento recita uma impagável linha que demonstra a seriedade de seu personagem: Fuck it, let's have a barbecue!

(Pausa para reflexão)

Depois dessa frase nem sei se devo continuar a falar das atuações, porque Dafoe é o melhor personagem de histórias de vampiro em anos e leva o filme nas costas. É dele a última e óbvia cena totalmente non-sense de Daybreakers, mas essa deixo para que você se delicie imaginando qual deve ser.

O roteiro é inteligente por tentar realmente mostrar todos os aspectos da vida dos vampiros como sociedade basicamente noturna, mas adaptada ao sol maligno (?). Os diretores sabem que o filme poderá não ter uma sequência e tentam saciar a dúvida dos possíveis seguidores que Daybreakers irá formar. É importante essa construção da história pois potencial para se tornar um cult de ficção científica o filme tem. Outro detalhe importante é mostrar a transformação que os vampiros sofrem quando não consomem sangue humano e voltam a ser mais próximos de seu parente Nosferatu. Se os humanos estão perto da extinção, os vampiros estão ainda mais perto do canibalismo e da loucura como pode ser constatado.

Quando o Daybreakers decide ser gore, consegue e muito bem. São cabeças que explodem, vômito e um balé em câmera lenta da carnificina dos soldados uns contra os outros. A execução de nosferatus é brilhante, mas nada supera Sam Neill amarrado em uma cadeira e pagando por seus pecados. A cena entra para o hall das mutilações mais animalescas do cinema, junto com obras como Dia dos Mortos, realizada por Tom Savini. O que destaca essa produção também é a utilização de maquiagem real e não apenas efeitos especiais nessas cenas.

Por isso, Daybreakers é um filme que não merecia o tratamento dado a ele no Brasil, com um título vergonhoso e direto em dvd. Não é um exemplo de bom cinema, mas uma boa pista do que o cinema sci-fi e trash representa e que, principalmente, traz de volta o bom e velho asco aos malditos vampiros chupadores de sangue.

Karate Kid - Xiao Dre é o Daniel San do século 21

2010-09-01T11:00:00.000-07:00

Karate Kid - Xiao Dre é o Daniel San do século 21

NOTA : 7,5 / 10

Karate Kid
EUA , 2010 - 140 min.
Ação / Drama

Direção:
Harald Zwart

Roteiro:
Christopher Murphey

Elenco:
Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson, Han Wenwen, Rongguang Yu, Zhensu Wu, Zhiheng Wang, Zhenwei Wang, Jared Minns, Shijia Lü, Yi Zhao, Bo Zhang, Luke Carberry, Cameron Hillman, Ghye Samuel Brown, Rocky Shi, Wang Ji, Harry Van Gorkum, Tess Liu, Xinhua Guo, Jijun Zhai, Shun Li, Tao Ji, Chen Jing, Wentai Liu, Geliang Liang, Xu Ming

Tire a jaqueta. Pendure a jaqueta. Jogue no chão. Pegue a jaqueta. Coloque a jaqueta. Tire a jaqueta. Como isso vai ensinar alguém a lutar kung fu? Ensina tanto quanto pintar uma cerca ou encerar um carro. São pequenos elementos que funcionaram no primeiro Karate Kid e que repetem-se no remake que funcionam melhor ou tão bem quanto no original. O remake ainda assim consegue ir além e realmente trazer dramaticidade, atualidade sem nunca perder o foco ou desdenhar o original. Tendo na produção um astro competente como Will Smith, não poderíamos esperar outra coisa.

A história mostra o garoto Dre e sua mãe que viajam para a China. Lá, ele terá que se adaptar aos novos costumes e enfrentar os garotos do dojo local, tudo com a ajuda de um misterioso zelador.

A direção de Harald Zwart, de filmes pouco relevantes, ao menos não compromete. É didática, ou seja, faz questão de reforçar de 5 em 5 minutos que essa China apesar de moderna, ainda é a China socialista e tradicional que tem a estrela da União Soviética como sombra. Basta ver nas tomadas mis en scene que insistem em enquadrar a dita estrela nas cenas do colégio. Também sai o kimono preto dos adversários para a entrada do vermelho, que claro, será destroçado pelo branco de Bruce Lee: o chinês mais ocidental de todos os tempos. Apesar disso, a direção mantém o bom nível de tensão do filme e ótimas cenas de ação e luta que empolgam.

A pancadaria quando começa não para. E dá-lhe Jaden Smith tomando porrada até não querer mais, caindo e se retorcendo. As tomadas não convencionais do oriente também encantam. A muralha da China aparece pouco, em comparação com o lindo templo no alto da montanha.

O elenco também responde à altura da lenda. O filho de Smith está ali não por conta do pai, mas pelo talento que conquista. É engraçado e dramático quando necessário, mas principalmente, dedicado ao papel. Está longe de ser ótimo, mas segura o filme. Jackie Chan tem aqui uma das poucas atuações sutis de sua carreira o que é um alívio e um destaque a parte. Assim como o sr. Myiagi, Han tem seus próprios demônio para exorcizar.

O roteiro foi honradamente adaptado. Pontos chaves são mantidos, diálogos também. Mais do que isso, o remake vai além e reforça os pontos fracos do primeiro filme, tirando detalhes inconsistentes e, principalmente, modernizando os conflitos e problemas que surgem com a globalização, sem cair na armadilha de traduzir todos os diálogos. É bom sentir o estranhamento de não entender nada do que os atores falam em alguns momentos.

Karate Kid é uma deliciosa surpresa. Divertido, com bons personagens bem recauchutados, cenas memoráveis. Tem tudo para manter acesa a chama da lenda original e espalhar para os mais jovens alguns conceitos como respeito e equilíbrio. Até o final bruto do filme não se preocupa em explicar demais e encerra a história em um clímax que depois de tanto provocar o espectador e o fazer vibrar com cada golpe, dá a perfeita sensação de missão cumprida.

Se algo derruba o filme é a música tema do garoto Bieber. Mas nesse momento, você já está saindo do cinema.

Indicações do Blog Day:

2010-08-31T13:12:00.000-07:00

Indicações do Blog Day:

Não dá pra fugir desse universo que é a blogosfera e nem deixar de citar companheiros de viagem. São eles

www.accirs.com.br - Não é um blog mas paga a conta do cinema. É graças a Associação que tantas críticas podem ser postadas por aqui. Textos e artigos bem legais no site.

www.lematine.wordpress.com - Colega recente que tem um pensamento bem parecido com relação ao cinema. Boas críticas, ótimas listas e sempre comenta por aqui. Vale a pena!

Abraços!

Os Mercenários - Fantasia homoerótica digna dos anos 80!

2010-08-31T07:16:00.000-07:00

Os Mercenários - Fantasia homoerótica digna dos anos 80!

NOTA: 3 / 10

The Expendables
EUA , 2010 - 103 min.
Ação

Direção:
Sylvester Stallone

Roteiro:
Dave Callaham, Sylvester Stallone

Elenco:
Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Eric Roberts, Randy Couture, Steve Austin, David Zayas, Giselle Itié, Gary Daniels, Terry Crews, Mickey Rourke

Mercenários é o filme gay do ano. Um monte de astros do cinema de ação malhados ao máximo, nenhuma mulher seminua e muitas cenas comprometedoras detonam qualquer estereótipo desses rapazes que no fundo são sensíveis e apreciam a companhia de seus amigos. Audácia do diretor Sylvester Stallone que soube criar em um filme aparentemente troglodita um marco na história do subliminar. Basta ler nas entrelinhas...

A história mostra um grupo de ex-soldados super treinados que aceita uma missão: assassinar um general que comanda uma ilha na América Central. Claro que eles vão descobrir que existe muito mais por trás dessa missão.

Vou deixar bem claro: entrei para a sessão de cinema esperando um filme de ação tão competente quanto os realizados nos anos 80 e saí satisfeito, neste aspecto. Stallone sabe o que seu público quer e isso se reflete em muitas cenas de ação descabidas, recheadas de explosões e chuvas de balas. Não precisa nem justificar, muito menos quando uma metralhadora explode uma casamata. Mas se o objetivo era emular esse cinema que não se assiste mais recentemente, não tente dar profundidade. É com momentos desnecessário e fora de ordem cronológica que o filme derrapa feio. Fora isso, erros de continuidade toscos, má edição e o típico cinema do diretor, sem pé nem cabeça conseguem tirar do filme o pouco de qualidade que ele poderia ter. Sem contar que nem mesmo a utilização de maquiagem para as cenas de mutiliação é respeitada: temos que nos contentar com efeitos de computador toscos que depreciam ainda mais o filme.

Stallone também é um péssimo ator, quando não interpreta Rocky. É de longe o pior do filme, visto que ao final da sessão é o que menos lembramos. Jason Statham praticamente tem que levar nas costas como co-protagonista, com uma historinha infame sobre sua sensibilidade, plot que apenas serve para mostrar porque ele é o maior ator de ação atualmente. Jet Li e o resto do elenco tão alardeado nas propagandas mal aparecem no filme e quando isso acontecem, apenas repetem as falas já ditas anteriormente. Dolph Lundgreen e Mickey Rourke são destaques por personagens, no mínimo, mais interessantes.

O roteiro não deveria ao menos ser comentado, mas vamos lá: a história é aquela tão tradicional, cheia de clichês e piadas desnecessárias e frases de efeito tão ruins quanto às que seu amigo coloca no MSN. Beira a estupidez em alguns momentos e óbvio, só arranca risadas.

O mais notável de Os Mercenários é uma falsa hipocrisia de que é um filme de machos. Ao contrário, é um filme que como Top Gun, tem tudo para se tornar um marco do cinema gay. Se Tom Cruise ao menos tinha cena de sexo com sua namorada, aqui, Statham compra champagne Rosé e um anel de Rubi que "brilhava mais na loja onde comprei". Rourke não encontra a mulher perfeita e só se sente feliz na companhia dos amigos. Stallone tem a sua frente Gisele Itié, perfeita, exótica, implorando por um beijo, mas dá um abraço fraternal, entra no avião e Statham, o sensível e assexuado namorado da garota, com um sorrisinho sem-vergonha declara: "Eu sabia. Ela não faz seu tipo".

E tenho dito.

O Último Mestre do Ar - Ou "O Avatar que não deu certo"

2010-08-27T12:11:00.000-07:00

O Último Mestre do Ar - Ou "O Avatar que não deu certo"

NOTA: 3 / 10

The Last Airbender
EUA , 2010 - 103 minutos
Ação / Fantasia

Direção:
M. Night Shyamalan

Roteiro:
M. Night Shyamalan

Elenco:
Noah Ringer, Dev Patel, Nicola Peltz, Jackson Rathbone, Shaun Toub, Aasif Mandvi, Cliff Curtis

Uma pergunta me assola há pouco mais de dois anos: o que houve com M. Night Shyamalan? Depois de filmes de imenso sucesso comercial e da crítica, nas últimas produções, ele parece ter perdido algo em seus filmes. Se em Fim dos Tempos somos apresentados para uma estúpida desculpa ambientalista em O Último Mestre do Ar temos que lidar com más atuações e um roteiro apressado. Foi-se o tempo em que o diretor conseguia nos manter presos por quase 2 horas e no final, virar completamente o rumo da história com uma revelação surpreendente. Mas, ainda há esperança para o diretor de Sexto Sentido, como seu último filme tenta de todas as formas possíveis mostrar.

Baseado na série de desenhos Avatar (nada a ver com o Avatar de James Cameron), o filme mostra um mundo dividido em quatro reinos: da água, do fogo, do ar e da terra. Quando o reino do fogo decidi conquistar os outros reinos, resta ao avatar, um herói que domina todos os elementos, trazer novamente paz ao reino.

A direção de Shyamalan encontra aqui uma história que não foi desenvolvida pelo próprio diretor, mas teve o roteiro escrito por ele. Ou seja, o fracasso total do filme pode ser jogado em suas costas. O que podemos dizer das técnicas utilizadas por Shyamalan são boas saídas para um filme convencional de aventura. As lutas deixam de ser picotadas para aumentar a velocidade e apostam em tomadas mais longas que privilegiam os movimentos coreografados dos atores. Por mais que os movimentos soem idiotas nas telas de cinema, pelo menos 4 cenas do filme merecem destaque: a luta com dominadores de Terra, a fuga da fortaleza de fogo, a luta no reino do Norte e a dominação do mar, feita por Ang.

A pergunta é: qual a utilidade do 3D no filme? Absolutamente nenhuma. As cenas ficam mais escurecidas e cansam os olhos na maior parte das vezes e em nenhum momento dão profundidade ao filme ou beneficiam de alguma forma. Junto com Fúria de Titãs o filme mostra que a conversão para 3D definitivamente é uma escolha errada.

O elenco é fraco, não há dúvida. Noah Ringer soa patético em suas cenas com falas e talvez, no último frame do filme consiga realmente esboçar uma emoção. Dev Patel só repete o rosto amargurado, longe do garoto de Quem Quer ser um Milhonário, bem como o resto do elenco que entra e sai de cena sem qualquer índice de dramaticidade em suas atuações.

O grande problema de O Último Mestre do Ar é seu roteiro. Fiel ao desenho, tenta condensar mais de 6 horas de história em menos de duas, o que acaba por não sustentar seus personagens e muito menos causar comoção nos momentos dramáticos do filme. Diálogos vazios e soluções fáceis derrubam a história que já pecava em outros aspectos.

De tudo mais, O Último Mestre do Ar é inovador em alguns aspectos, poucos momentos de brilhantismo de Shyamalan. Esses aspectos positivos ficam apagados pela falha monumental do resto da produção. Porque Ang é aqui um avatar amargurado, ciente do peso de sua tarefa mas com medo de assumi-la. Passa longe do rapaz ingênuo e divertido que cativou o público. A tomada de dominação do mar, aliás, parece jogar sobre seus ombros toda a responsabilidade que carrega como escolhido. E por isso a cena final seja a mais representativa de todo o filme, se você conseguir ficar acordado até ela.

Aprendiz de Feitceiro - Um filme para ser esquecido por toda eternidade

2010-08-17T04:34:00.000-07:00

O Aprendiz de Feitceiro - Um filme para ser esquecido por toda eternidade

NOTA: 2 / 10

The Sorcerer's Apprentice
EUA , 2010 - 111 min.
Ação / Fantasia

Direção:
Jon Turteltaub

Roteiro:
Larry Konner, Mark Rosenthal

Elenco:
Nicolas Cage, Jay Baruchel, Alfred Molina, Teresa Palmer, Toby Kebbell, Omar Benson Miller, Monica Bellucci,

É difícil dizer uma única coisa que deu errado em O Aprendiz de Feiticeiro, nova tentativa da Disney de criar uma franquia lucrativa com a equipe de A Lenda do Tesouro Perdido. A ideia inicial era interessante e mesmo as primeiras imagens empolgaram quando surgiram no começo do ano. 5 minutos de filme são necessários para arrancar os primeiros bocejos.

A história livremente inspirada na passagem de Mickey pelo filme Fantasia, de 1940, mostra um feiticeiro que busca durante séculos o sucessor de Merlin para que ele possa destruir Morgana, o mal encarnado.

Jon Turteltaub já demonstrou em A Lenda do Tesouro Perdido uma competência extraordinária no que diz respeito a reutilizar tudo aquilo que já foi feito/visto/esquecido de ruim em clichês de filmes de aventura. Apesar da gorda bilheteria destes filmes, os roteiros simplistas e cheios de furos não animavam e pior, conseguiam criar tédio apesar de tantas cenas de ação. Em Aprendiz de Feiticeiro as mesmas fórmulas são usadas e reutilizadas. Piadas a todo o momento, cenas de romance mal colocadas, falta de timming e uma impressionante fraca direção de atores mostram que para o diretor, o vácuo sem vida é pouco. Dificilmente fiquei tão entediado em um filme de aventura mágica.

O elenco tem nomes competentes mas que conseguem extrair o pior de si mesmos para seus papéis. Cage é um estereótipo mal-feito ambulante, meio gângster, meio mestre, meio babaca. Jay Baruchel é péssimo e não convence como escolhido, herói ou qualquer outra coisa que não seja de nerd traumatizado e Alfred Molina é vergonhoso. Monica Bellucci está feia! Conseguiram transformar a mulher mais sexy do mundo, que só de caminhar leva homens à loucura a um estado de insipidez total! ISSO É IMPERDOÁVEL seu Jon!

Não bastasse isso o filme tem diálogos forçados, soluções que vão deixar você tendo ataques epiléticos do cinema. Aprendiz de Feiticeiro menospreza a inteligência do espectador em todos os níveis possíveis e imagináveis. A cena onde o aprendiz descobre ser o escolhido é banal, previsível e mal-feita a tal ponto que todos descobrimos desde o começo do filme como irá acontecer. Nada salva este filme. Mesmo os efeitos epeciais falham miseravelmente em boa parte do tempo. Detalhe para a cena em que o filme "homenageia" o clássico da Disney, mas, mais uma vez consegue apenas ofender a memória impecável do original.

Aprendiz de Feiticeiro é mais um enlatado com data de validade vencida. E que desapareça no limbo junto com seu diretor e mestre.

4 filmes pra curtir no cinema: À Prova de Morte, Meu Malvado Favorito, Salt e Almas à Venda

2010-08-05T04:54:00.000-07:00

4 filmes pra curtir no cinema: À Prova de Morte, Meu Malvado Favorito, Salt e Almas à Venda

À Prova de Morte (Grindhouse: Death Proof). Dir.: Quentin Tarantino. Elenco: Rose McGowan, Rosario Dawson, Kurt Russel.

NOTA: 8,5 / 10

"Cheers, Butterfly. The woods are lovely, dark, and deep. And I have promises to keep. Miles to go before I sleep. Did you hear me butterfly? Miles to go before you sleep...". São poucos, pouquíssimos diretores que tem a capacidade de criar algo tão imponente quanto este simples versinho de Death Proof. O prêmio que Stuntman Mike ganha com isso é uma das cenas mais sensuais do cinema até hoje. Vanessa Ferlito, uma atriz praticamente desconhecida que teve suas pernas e pé salientados pela câmera vouyer de Tarantino agora brinda os espectadores de todo o mundo (menos dos EUA onde a cena foi cortada) com uma lap dance de tirar o fôlego. Essa sequência resume em ótimos diálogos, interpretações caricaturadas e uma reviravolta inesperada (menos de 5 minutos depois vemos a cara de Arlete ser arrancada por um pneu de carro) aquilo que o diretor mais estiloso da última década construiu baseado nas suas experiências de Grindhouse e imprimiu em seu próprio estilo. À Prova de Morte é mais filme que seu vizinho Planeta Terror justamente por não se prender só ao tom jocoso e excessivamente gore do primeiro, mas por ter o dedo do seu criador e homenagear com estilo o cinema trash dos anos 70, principalmente quando se trata do uso de dublês e efeitos especiais Old School. Aqui não há espaço para a computação gráfica. É verdade que no segundo ato o filme perde força, mas ainda assim, mantém um grande nível, digno dos filmes do diretor.

Meu Malvado Favorito (Despicable Me). Dir.: Pierre Coffin. Elenco: Steve Carrel, Jason Segel, Julie Andrews.

Nota: 8 / 10

A Universal Pictures entrou tarde no mercado de animações mas teve um bom começo. Meu Malvado Favorito não é de longe um filme marcante, mas tem boas tiradas, um roteiro interessante e um ótimo elenco. Desde que você pegue o filme legendado. Mais uma vez, o Brasil nos brinda com as vozes de humoristas sem talento para a dublagem o que estraga a experiência de assistir a essa boa obra. Sou um grande defensor das animações dubladas por profissionais. Até prefiro uma sessão de cinema de um filme animado dublada, pois o trabalho no país tem ótimos resultados, melhor até que a dublagem americana. Mas com famosos não tem jeito: fica sempre horrível e esse filme não é exceção. A história mostra o outro lado da moeda: um vilão que quer roubar a lua e para isso, precisa da ajuda de 3 crianças órfãs para enganar seu arqui-rival. Personagens cativantes, um 3D divertido e excepcional e uma história mediana que deve agradar, mas de maneira nenhuma será um marco para alguém além da Universal Pictures.

Salt (Salt). Dir.: Phillip Noyce. Elenco: Angelina Jolie, Liev Schreiber e o alemão da cantina nos Bastardos Inglórios

NOTA: 5 / 10

Angelina Jolie desistiu dos filmes de arte e embarcou no pipocão de cabeça. Existem exceções como A Troca e O preço da coragem, mas seus maiores sucessos são sempre os mesmos: O papel de femme fatale literalmente fatal. Depois de Sr. e Sra. Smith e Procurado, filmes de gordas bilheterias e orçamentos, chegou a hora da senhora Pitt deixar as crianças de lado e encarar seu lado Bourne de ser. E é só isso que o filme é. Como na série do agente com amnésia, a história aqui vai para o mesmo lado. Passado misterioso, conspiração da Guerra Fria (AHn???) e o personagem incriminado tentando provar sua inocência. A era Bourne não permite sutilezas. Só o imprvável. A história mostra uma agente da CIA resgatada a poucos anos da Coréia do Norte, que é acusada por um espião russo de armar a morte do vice-presidente da Rússia. É claro que ela irá enfrentar exércitos de agente super treinados, explosões, traições e traumas e sair com apenas um arranhãozinho em uma parte não vital. Assim como as reviravoltas do filme são previsíveis e quase infantis. Mas é Angelina Jolie em um filme onde você pode no mínimo, parar de pensar por uma hora e meia, o que já é grande coisa.

Almas à Venda (Cold Souls). Dir.: Sophie Barthes. Elenco: Paul Giamatti.

NOTA: 8,5 / 10

A grande sacada de Almas à Venda é parecer com filmes do gênero como Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças e outros filmes de Spike Jonze e Charlie Kauffman, mas ser absolutamente original em seu desenvolvimento. O plot é bizarro. Uma empresa promete remover a almas das pessoas que a sentem como um peso terrível e querem viver uma vida mais plena. Paul Giamatti interpretando a si mesmo precisa disso antes que tenha um colapso. Longe das experimentações dos filmes citados acima, a história aqui depende muito mais da interpretação sutil do ótimo Giamatti que nunca caricaturiza as almas utilizadas por seu personagem. O filme tem momentos de humor, mas em sua maioria é como suas cores. Frio, melancólico e terrivelmente verdadeiro. O único momento onde o filme apresenta um pouco de calor é quando enfim o personagem entende que não podemos fugir de nós mesmos e nas relações é que encontramos a vida que parece nos abandonar. Um momento muito bonito que é de emocionar e mais de tudo nos faz questionar a importância de aprendermos a conviver com quem somos. Parece muito auto-ajuda lendo neste texto, mas a conotação do filme é brilhantemente discreta para que você possa mastigar antes de engolir. E saber que mesmo um grão-de-bico pode ser uma bela alma.

A Origem - O sonho fantástico de Cristopher Nolan

2010-08-04T10:02:00.000-07:00

A Origem - O sonho fantástico de Cristopher Nolan

NOTA: 9,5 / 10

Inception
EUA / Inglaterra , 2010 - 150 minutos
Ficção Científica /Ação

Direção:
Cristopher Nolan
Roteiro:
Cristopher Nolan
Elenco:
Leonardo Di Caprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Tom Hardy

Se há algo em comum nos filmes de Cristopher Nolan como Amnésia, O Grande Truque e A Origem, é a forma na qual todos os aspectos da história começam como peças de um quebra-cabeça sem sentido e apenas no último instante compreendemos afinal o que tudo significava. Por alguns momentos, a impressão é que o filme não fará sentido, mas somos seduzidos pela técnica visual de do diretor e os mistérios construídos pelo roteiro junto com seu irmão Jonathan Nolan. Não é a toa que boa parte das 2h30 de A Origem se limitem a explicar todos os pormenores das extrações e até construir a personalidade de cada um dos elementos da história. Os outros momentos são de pura audácia tecnológica com um parco uso de computação gráfica e muita, muita trucagem com a câmera. A Origem é um marco do cinema como poucas vezes tivemos a oportunidade de sonhar.

A história mostra o melhor extrator de sonhos do mundo com uma missão praticamente impossível: montar uma equipe e plantar uma ideia na mente de um homem poderoso.

Depois de O Grande Truque e o imbatível Cavaleiro das Trevas, Cristopher Nolan tornou-se sinônimo não apenas de ótimos filmes mas de bilheterias voluptuosas para a Warner Bros. Assim, recebeu carta branca e um orçamento inflado para realizar A Origem, um sonho desenvolvido durante anos. A fotografia tem pedaços de cada uma de suas criações e a ação ensaiada e o pouco uso de efeitos computadorizados são ainda mais evidentes como marcas do diretor. Cada plano do filme tanto nos sonhos, quanto na realidade (?) são cuidadosamente compostos e trabalhados. O uso do slow em diversos momentos é levado ao extremo. Mas nada, nada no mundo pode ser comparável à cena indescritível onde Joseph Gordon-Levit tem que se virar em um corredor de hotel em gravidade zero. É algo que saiu de dentro da mente de todos nós, mas poucas vezes pode ser vista com tamanha capacidade no cinema. Outro momento de puro êxtase é Ellen Page, uma atriz que não gosto muito, mas consegue aqui uma das melhores cenas do filme, arquitetando seu primeiro sonho. Não seria nem um pouco estranho se Nolan levasse o prêmio de melhor direção.

O elenco é competente em seu trabalho. Leonardo di Caprio é um dos atores mais maduros e competentes da atualidade e merece todo reconhecimento que tem, mesmo que aqui sua atuação, bem como a de todos os outros, é ofuscada pelo brilhantismo da história e do filme. É como em Senhor dos Anéis, um filme de qualidades visuais incríveis mas que suprime as atuações, limitando-as muito. Todos aqui vão muito bem, mas vale destacar Cillian Murphy em um dos poucos papéis onde podemos vê-lo sem excentricidades. Ele é apenas um milhonário qualquer.

Se A Origem tem problemas, eles podem ser encontrados em sua segunda parte, no mundo dos sonhos. Depois de toda a preparação da equipe e do filme para essa etapa e o desenvolvimento cuidadoso dos dois primeiros níveis do sonho, as duas últimas partes parecem carecer de profundidade. Enquanto em um nível, a fortaleza de neve parece apenas uma desculpa para correrias e tiroteios descabidos, a parte final não parece tão bem amarrada à história como deveria. Talvez o desenvolvimento de Mal não tenha sido preparado o suficiente para esse desfecho ou não seja ameaçador o suficiente. E é aqui que A Origem perde parte do seu impacto inicial. Mas esse é apenas um deslize perto de tudo que ele oferece ao espectador.

E assim como uma ideia plantada pode se transformar em uma obsessão, a pergunta final que o filme deixa é capaz de perturbar a maioria das pessoas também.

Predadores - Uma volta digna aos anos 80, no melhor estilo Schwarzenneger de matar alienígenas

2010-07-26T18:21:00.000-07:00

Predadores - Uma volta digna aos anos 80, no melhor estilo Schwarzenneger de matar alienígenas

NOTA: 8,9 / 10

Predators
EUA , 2010 - 107 minutos
Ação

Direção:
Nimród Antal

Roteiro:
Alex Litvak, Michael Finch, Jim Thomas, John Thomas

Elenco:
Adrien Brody, Alice Braga, Topher Grace, Oleg Taktarov, Walton Goggins, Louis Ozawa Changchien, Laurence Fishburne, Danny Trejo, Mahershalalhashbaz Ali

Adrien Brody coberto de lama e frente a frente com seu opressor. Pode muito bem ser uma cena de O Pianista, filme pelo qual o ator levou o Oscar onde interpretava um pianista judeu que em certo ponto do domínio nazista, magro, esquálido e sujo, sobrevivia esquálido em meio à ruínas. A diferença é que agora, o mesmo Brody parece um tronco de músculos e tem um ar assassino assustador. Predadores, filme que continua a saga iniciada em 1987 e resenhada neste blog pouco tempo atrás, é o terceiro da série original, mas está mais para uma continuação digna do primeiro do que propriamente o fechamento de uma trilogia. A verdade é que depois de Predador, a série passou por diferentes visões que acabaram por gerar filmes de qualidade duvidosa. Sai o herói de exército porradão para entrar um policial de meia-idade fora de forma. Em Predadores o que se vê é uma visão mais cruel desse universo, onde só o pior pode sobreviver.

A história mostra um grupo de condenados e mercenários que é jogado em meio ao planeta natal do caçador mais terrível do universo. É claro que eles serão a caça.

A direção de Nimród Antal é nova para muitos, já que seu trabalho mais significativo até o momento foi o suspense Temos Vagas, que saiu direto em dvd no Brasil. Pelo jeito o bom desempenho do filme nas bilheterias e as críticas ao suspense conquistaram Robert Rodriguez (Planeta Terror), que abriu mão da direção de Predadores em favor do novo pupilo. Não poderia ser uma decisão mais acertada. Nimród consegue dar um peso de suspense para a narrativa e ainda balancear o gore e a ação de forma competente. O equilíbrio entre produção e direção é claro aqui. Quando horas pesa a mão de Rodriguez, em seguida vemos o psicológico do diretor inverter a balança.

O elenco foi mais do que bem escolhido. Brody foi muito contestado para ser uma estrela de ação, mas diabos, o cara está perfeito no papel! Olhar sádico, temperamento calculado e preciso, velocidade e força fazem dele o próprio inferno para o predador. Consegue ser mais incrível do que o personagem original de Arnold que quase não conseguiu abater o monstro da primeira vez. Ajudado por Alice Braga que tem muito mais talento e fama do que Rodrigo Santoro, mostra que pode se tornar uma nova face para heróis de filmes do gênero. Já Laurence Fishburne encarna o melhor ezquizofrênico dos últimos anos no cinema em um papel assustador e Topher Grace mostra mais uma vez, seu lado menino mau de ser. O resto do elenco é só carne para mutilação.

Falar do elenco e não falar das novas criaturas é um pecado. Os novos predadores são tão visualmente incríveis em seus detalhes quanto a primeira criatura que surgiu. Com arremedos tribais, eles são mais cruéis e tem tamanhos e crânios diferenciados que prometem dar bom sustos em desavisados. Os equipamentos novos assim como os companheiros de caça que eles utilizam dão pano pra manga para continuações.

O roteiro pra variar, torna o filme bastante visual. Sem muitas conversas, a primeira hora serve para montar o cenário. Já sabemos boa parte do que é apresentado, mas muitos espectadores podem estar conhecendo o universo pela primeira vez. A partir do momento em que Fishburne entra na história, ela parece sofrer uma virada que culmina em um clímax digno dos filmes de ação dos anos 80. Deus, eles inclusive se utilizam de metáforas sobre os humanos serem os predadores, repetindo a crítica social de Predador e seu, Quem diabos é você. Mas, aqui, o que você vai mesmo apreciar é o sangue, a luta, e aquela machadinha que fez com que Adrian Brody fosse mais casca grossa que o próprio Schwarzenegger.

E é por isso, que você DEVE assistir Predadores, sem nem pensar duas vezes.

A Saga Crepúsculo: Eclipse - Irritante, pedante e entediante

2010-07-07T05:03:00.000-07:00

A Saga Crepúsculo: Eclipse - Irritante, pedante e entediante

NOTA: 4,5 / 10

The Twilight Saga: Eclipse
EUA , 2010 - 124 min.
Aventura / Fantasia / Romance

Direção:
David Slade

Roteiro:
Melissa Rosenberg

Elenco:
Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Billy Burke, Ashley Greene, Dakota Fanning

Tenho sentimentos controversos em relação à Saga Crepúsculo. De um lado, minha parte cinéfila fica enjoada e entediada só em considerar a hipótese de ter que aguentar mais um capítulo com conversa fiada, romance mesquinho e pouca ação. Minha parte de crítico sadomasoquista, por outro lado, adora a expectativa de encarar uma sessão dos filmes, só para poder acabar com o sonho de menininhas por aí. E por isso que posso soar tão violento nessa crítica. O final da sessão é uma mistura de frustração com sono e, por mais que chamem os melhores diretores da década, não será suficiente para tornar Crepúsculo um marco para toda uma geração.

Eclipse mostra novamente a indecisão de Bella quanto a seu amor por Edward ou sua amizade por Jacob. Mas, dessa vez, com um exército de vampiros para atrapalhar.

A direção de David Slade é competente e torna Eclipse o melhor filme da série até agora. Mesmo que isso não signifique nada. A fotografia perde os contornos calorentos de Lua Nova e torna-se fria, quase prateada, diferente até do tom azulado do primeiro filme. São belas tomadas e até consegue enganar nos primeiros minutos, antes que batamos de cara com a realidade da história. A direção também é firme nas poucas cenas de ação de Eclipse que ao menos são convincentes e poderiam ser mais exploradas. David Slade já trabalhou com vampiros em 30 dias de noite, mas lá, teve um desempenho mais marcante, com a ajuda do roteiro sombrio.

O elenco, bom, continua uma boa safra de bananas. Kristen Stewart é uma atriz metódica. Metódicamente chata, sem sal e desgraçadamente entediante. Seu rosto mantém a mesma expressão congelada dos cartazes pelas intermináveis 2h de filme. Taylor Lautner era ao menos um pouco melhor em Lua Nova, mas aqui parece mais um pirralho mesquinho com tendências emo, que parece ser tão burro quanto uma porta para cair toda santa vez no joguinho de megera da protagonista. Já Robert Pattinson tem sua primeira identificação com o espectador que não é fã, no terceiro capítulo da série quando olha pra Jacob e diz: "Esse cara não tem uma camisa?". Graças a Deus, não somos os únicos agredidos. No mais, faz bem o papel de corno manso e homossexual reprimido.

O roteiro é sim capenga. Não adiante dizer que não...em uma situação real ninguém suportaria a indecisão de uma garota mimada que faz joguinhos com seu futuro marido e o melhor amigo. Todos os diálogos dos últimos dois filmes se repetem incessantemente. A longa duração do filme não ajuda. Bela fica correndo de um lado para o outro da tela, só para poder se abraçar o máximo possível de Jacob, enquanto Edward fica se reprimindo em outro canto da sala. Pior do que isso é ver o garoto-lobisomem sem camisa durante uma tempestade de -17ºC. Já é pedir de mais para minha caixola. Outro grande descoberta é que vampiros são inflamáveis. Altamente inflamáveis já que Edward precisa somente jogar um isqueiro em cima do corpo de Victoria para que ela vire uma pira olímpica.

Juro que tentei gostar do filme. O começo me deu esperanças, mas os clichês e a enrolação me deixaram entediado demais. Ainda não entendo o que essa saga tem de tão influente. Talvez por mexer com a menina dentro de cada mulher... Mesmo assim, Bela é a pior cafajeste do cinema nos últimos anos. Desde Jude Law em Closer não existiu um personagem tão sem escrúpulos e dignidade.

No trailer de Harry Potter e As Relíquias da Morte uma frase mostra a sutil diferença entre as duas sagas: "Um marco para uma geração". Definitivamente, o único marco que Crepúsculo irá deixar nos cinemas é a felicidade por deixar de existir.

Plano B - O filme que fez o tempo parar

2010-07-02T04:18:00.000-07:00

PLANO B -O filme que fez o tempo parar

NOTA: 0,1 / 10

The Back-up Plan
EUA , 2010 - 106 min.
Comédia / Romance

Direção:
Alan Poul

Roteiro:
Kate Angelo

Elenco:
Jennifer Lopez, Alex O'Loughlin, Eric Christian Olsen, Anthony Anderson, Linda Lavin, Michaela Watkins, Noureen DeWulf

Eu imagino que nenhum diretor, que estuda por quase 3 anos, espera ter sua carreira focada para uma comédia romântica com Jennifer Lopez. É quase triste tentar entender como os filmes dela ainda movimentam público, visto que ela nunca teve um trabalho de qualidade no gênero. É claro, são pessoas que buscam histórias curiosas, fáceis, cheias de melodrama barato e piadas bobas e de mal gosto. Mas ainda assim, cair num poço de vergonha alheia como Plano B, parece ser algo que não faz sentido. Ano passado, postei aqui a crítica de uma das maiores perdas de tempo que já assisti no cinema em minha vida. Uma lição de Amor, recebeu nota 0,5. Alien Vs. Predador, recebeu 0,3, mas tendo em conta que é mais pela decepção do filme do que realmente pela qualidade (eu assistiria 5 vezes AVP, antes de assistir Plano B novamente). Pois bem, a marca foi superada. Obrigado Jennifer Lopez, seu filme tem o poder de esticar o tempo, transformando 1h40 de filme em absurdas 5 horas de tortura. Muito Obrigado.

Mulher que está ficando para titia desiste de tentar encontrar o amor de sua vida, faz inseminação artificial e conhece o amor de sua vida.

Não sei nem mesmo como começar essa crítica. A minha primeira risada nesse "filme de comédia" chegou lá pela 3ª hora...quer dizer, depois de uns 40 minutos de filme. Mesmo nas piores comédias que assisti tive momentos mais engraçados antes dos 10 minutos. Alan Paul até tenta construir um clima de novidade com algumas escapadas da fórmula pronta, mas até a abertura soa recalchutada. Fora isso, piadas de mal gosto afloram a todo momento: piadas com esperma, cocô, mulheres grávidas porcas, cocô. É sério, só de falar disso é constrangedor. Assistir em um filme consegue ser ainda mais vergonhoso. Eu quero acreditar que seja uma vingança do diretor ao estúdio que o empurrou para essa roubada.

Jennifer Lopez é um desastre a parte. Artificial e completamente sem graça, ela passa 104 minutos fazendo caretas para a câmera. Não adianta dona Lopez, desista. Se você espera ao menos ver a atriz seminua ou coisa do tipo, esqueça. O máximo que você vai conseguir é uma tomada das pernas dela de fora. E só. Em compensação, o protagonista sem camisa não falta. Fora isso, o único destaque do elenco é Cesar Milan, O Encantador de Cães, que faz uma ponta de 2 minutos. O melhor ator em cena.

Aliás, isso é interessante. O filme tenta construir umas 3 análises do comportamento da personagem Zoe. Em uma, é sua relação com a avó. Tudo gira em torno de Zoe ficar sozinha sem ninguém, por isso a gravidez. Na outra, a metáfora da moeda de um centavo virada, que parece ser o ponto norteador do filme. Ledo engano, também há uma metáfora sobre a aplicação das regras do Encantador de Cães na história. Ou seja, uma confusão de pensamentos, regados a más interpretações, piadas sem graça e nojentas, diálogos estúpidos e tudo o mais que uma comédia romântica de baixa qualidade possa oferecer.

Citando uma crítica de Plano B: "O filme é tão ruim que chamá-lo de 'filme de fórmula' é ofender os 'filmes de fórmula' que estão no mercado".

Predador: A saga completa - O melhor e pior do maior caçador do universo

2010-06-28T04:18:00.000-07:00

Predador: A saga completa - O melhor e pior do maior caçador do universo

Faltando pouco mais de um mês (isso se a santa distribuição brasileira não mostrar suas garras) para a reestreia de uma das franquias mais cultuadas de ficção científica dos anos 90, é hora de relembrar o que de melhor e de pior já foi feito com o caçador alienígena Predador. Com lançamento marcado para julho o terceiro capítulo oficial da série, Predadores, tem direção de Nimròd Antal (Temos Vagas) e produção de ninguém menos que Robert Rodriguez (Drink no Inferno, Planeta Terror).
Por isso, prepare muita lama, armas de fogo e, claro, muita coragem para encarar o mundo do Predador.

Predador (Predator) - Dir.: John McTierman. Ano: 1987

NOTA: 8,5 / 10

Arnold Schwarzenneger já era uma figura incontestável dos filmes de ação, na década de 80. Revelado em Conan, foi catapultado pelo primeir Exterminador do Futuro e consolidado em Comando Para Matar. Predador não foge dessa regra. Filme de ação e ficção científica bem realizado, com ótimos efeitos especiais e sangue. Muito sangue. A história mostra um pelotão de elite do exército que entra na selva sul-americana para resgatar seus companheiros. O que eles não sabem é que estão sendo caçados por uma criatura muito mais perigosa do que eles poderiam imaginar. O filme não é um poço de genialidade. Pelo contrário, repete fórmulas em seus personagens, todos devidamente estereotipados, em sua estrutura de filme de monstros (ele vai aparecendo aos pouquinhos e ninguém acredita que seja realmente um alienígena) e o confronto mocinho e vilão, em uma das cenas mais geniais do cinema dos anos 80. Nesse caso, a fórmula funciona, e muito bem. Um filme divertido e descompromissado que apresenta uma criatura maravilhosamente desenhada pelo gênio da maquiagem, o falecido Stan Winston, no auge de sua forma. Arnold está fortão e não tem medo de mostrar isso. Predador tem até espaço para a crítica social: na cena final, Dutch pergunta ao monstro "Que diabos é você?", ao que o predador responde "Que diabos é VOCÊ?". Em meio às cinzas, Dutch, todo arrebentado, parece se perguntar a mesma coisa. Que diabos somos nós? A meditação dura aproximadamente 2.3 segundos e logo é cortada pela empolgante trilha sonora e o helicóptero que nos lembra para não nos levarmos tão a sério assim.

Predador 2 - A Caçada Continua (Predator 2) - Dir.: Stephen Hopkins. Ano: 1990

NOTA: 5 / 10

Sim, Danny Glover foi a escolha para substituir Arnold na continuação do sucesso de 1987. Não, não faz sentido. Tá certo que o ator vinha do bem-sucedido Máquina Mortífera, mas e daí? Ele não tem físico, é caricatural demais e teria morrido nos primeiros 5 minutos em um confronto real com o alienígena. Mas, de acordo com a produção do filme, ele era o nome certo. Não só por isso, mas pelo apanhado geral da obra, Predador 2 é datado e tosco. Beira produções de baixo orçamento e diálogos que tem como objetivo, reunir o maior número de "Damns!" e "Fucks" possíveis. Dessa vez, o caçador ataca em meio à Los Angeles, de 1997, dominada por gangues vodus. É. Gangues vodus. Mais sangue do que o primeiro, mas também, momentos de vergonha alheia que dão dó. Tão ruim que o filme é o pior lançamento da franquia, fazendo míseros 30 milhões de dólares nos EUA. Pelo menos Predador 2 tem elementos que devem ser levados a sério. Entendemos melhor a criatura. Conhecemos mais armas, entendemos um pouco mais suas motivações, há quanto tempo estão na Terra e até suas noções de honra. Um prato cheio para os próximos filmes. Pena que o resultado será vergonhoso.

Alien Vs. Predador (Alien Vs. Predator) - Dir.: Paul W. S. Anderson. Ano: 2004

NOTA: 0,3 / 10

17 anos depois do lançamento da série, Predador é cultuado pela sua contribuição ao mundo da ficção científica e a maravilhosa criatura de Stan Winston. Junto com Alien, é considerado fundamental na escala de ameaças alienígenas e rendeu diversos confrontos em HQ's e games. Tudo porque no final do segundo filme, a estante de troféis do predador expõe um crânio de Alien. Pergunta: o que acontece se você juntar essas duas maravilhosas franquias em apenas um filme? A FOX decidiu realizar o encontro e trouxe Paul W. S. Anderson, diretor de Resident Evil para a tarefa. UAU, não pode dar errado!!!
De alguma forma misteriosa ganhamos o pior filme da década. Um grupo de exploradores é contratado para encontrar uma pirâmide perdida Pólo Sul, que abriga um local de passagem para a vida adulta dos predadores. Lá, uma colônia de Aliens é ativada, dando início a um confronto onde humanos são a raça mais fraca e não sairão vivos.
Basta dizer que em Alien Vs. Predador, quase não há predadores. Dos três que iniciam a luta, apenas um sobrevive, sendo que o confronto entre ambos acontece só lá pelos 50 minutos de projeção. O começo é apenas um monte de justificativas entediantes para o confronto. Por um milagre, o predador é amigo da protagonista. Eles são quase Tango e Cash, pulando de explosões, trocando experiências, chorando pela morte do amigo. É ridículo, pedante, clichê e, infelizmente, vergonhoso.
O que há de bom: descobrimos que Bishop, da série Alien, era o dono da Companhia imortalizado em seus andróides. Isso.

Aliens Vs. Predador (Aliens Vs. Predator - Requiem) - Dir.: Colin e Greg Strause. Ano: 2007

NOTA: 2 / 10

Dirigido pelos autodenominados irmãos Strause, uma continuação de AVP foi entregue ao mundo. Por algum motivo, a série cultuada em seu primeiro filme parece sofrer uma queda crescente de qualidade. Cada novo capítulo é mais um motivo de vergonha alheia. Dutch revira-se no gabinete de governador da Califórnia. Apesar disso, AVP 2 consegue ser ligeiramente mais interessante do que seu predecessor.
Partindo da premissa deixada no final do primeiro filme (o predador protagonista é contaminado por um alien, nascendo assim o PredAlien), AVP 2 tenta voltar às origens da história. A nave dos predadores cai em uma pequena cidade. No planeta da raça alienígena (sim, temos um pequeno e prazeroso vislumbre do planeta), um caçador recebe o alarme e decide investigar. Novamente, os humanos é que vão sofrer as consequências.
No pior estilo slasher movie vemos a cidade ser dizimada rapidamente, tanto pela contaminação do alien/predador quanto do caçador que pouco se importa com os humanos (bem diferente do protagonista do filme anterior). A violência do filme foi criticada por muitos. Os strause não poupam ninguém. Diferente da maioria dos filmes de terror, aqui, crianças tem o peito aberto por um alien, grávidas dão à luz bebês aliens, tudo com o melhor mau gosto possível. Até é divertido. Ao final, o confronto entre alien e predador é despido de armas e artifícios. Mano-a-Mano.
Divertido, mas sem ser levado a sério, AVP 2 não é tão ruim quanto parece. Mas, continua sendo uma droga.

Anjos ou demônios? - Quando seres celestiais são meninos muito, muito levados

2010-06-25T04:23:00.000-07:00

Anjos ou demônios? - Quando seres celestiais são meninos muito, muito levados

Religião é parte da vida da maioria das pessoas. Contar uma história no cinema com elementos religiosos é pedir pra levantar polêmica. Alguns filmes resolveram apostar nos anjos, não como crianças barrigudinhas seminus ou homens altos, loiros, de cabelos encaracolados e cobertos com um lençol, mas como seres ciumentos, vingativos e de saco cheio de Deus. Claro, que por ser um assunto muito delicado, a maioria desses projetos acaba sofrendo com o baixo custo de produção. Os investidores sabem o perigo de uma empreitada dessas...Por isso, nada melhor que separar 3 filmes que retratam a guerra dos primeiros filhos contra os "macacos falantes" que infestam a terra!

Anjos Rebeldes (The Prophecy / God's Army) - Dir.: Gregory Widen
Ano: 1995

Nota: 9 / 10

Produção de orçamento modesto, dirigida e escrita pelo roteirista da série Highlander e pioneira em mostrar o lado sombrio das forças angelicais, Anjos Rebeldes é um clássico inegável que beira a tosquice em boa parte do filme. A história surpreendentemente original, mostra um detetive que não conseguiu se sagrar padre investigando uma série de mortes estranhas. Ele descobre que o céu está em guerra há quase um milênio, pois Gabriel (Cristopher Walken) se rebelou contra Deus por sua preferência pelos seres humanos. Agora, o detetive deve proteger uma garota que serve de receptáculo para a alma de um cruel general e que irá acabar com a guerra, criando um segundo inferno nos céus. Em sua estreia na direção, Widen não poupa a mão no clima sombrio e pecaminoso do filme. Os anjos arrancam corações, violam túmulos, beijam homens e crianças (na boca!), torturam, empalam e tem uma fixação por postar-se como corvos em cima de túmulos. Nos céus, a moda parece ser o sobretudo de couro e coturnos. Ainda assim, o filme continua assustador e talvez até mais profano do que dez anos atrás. Não há redenção para Gabriel, apenas Lúcifer (Viggo Mortensen, excelente) comendo seu coração e gemendo de prazer. Aliás, as interpretações de Walken e Mortensen são o prato principal do filme, junto com as cenas estilosas (Gabriel incinerando o colega no necrotério é uma cena estilosa!) e efeitos bem feitinhos. Anjos Rebeldes vale pelo pequeno desafio que proporciona, sem se perder demais no melodrama.

Legião (Legion) - Dir.: Scott Charles Stewart
Ano: 2010

Nota: 3 / 10

Quinze anos depois, um orçamento consideravelmente melhor, basicamente a mesma história e efeitos especiais de ponta, não conseguem fazer de Legião um filme melhor. Ele até utiliza dois bons atores, assim como Anjos Rebeldes: Paul Bethany é Miguel, o anjo que não concorda com o fato de Deus ter ficado de saco cheio da humanidade e de sua decisão de aniquilar a raça humana, e Dennis Quaid, um homem que perdeu a fé (não diga...) assim que sua mulher morreu. Para evitar a extinção da humanidade, eles se refugiam em uma lanchonete no meio do deserto (com o nome de Paradise Falls, ótima sacada), com um estoque de armas de dar inveja à Matrix, esperando pelas hordas de anjos que pretendem matá-los. Pra variar, Gabriel é o babaca que acha que todo mundo tem que morrer mesmo, enquanto Miguel vai tentar convencer Deus de que ele está errado.
Você pode pensar "Uau, ótima ideia!". E realmente funciona. Até os 30 primeiros minutos do filme. Depois de apostar em um pouco de Gore e uma cena sensacional quando um carrinho de sorvetes se aproxima da lanchonete, o filme vira uma breguice melodramática e totalmente B. São cenas com fotografia iluminada por velas, soluções fracas (a horda de humanos zumbis), enrolação em todas as histórias secundárias e um final tosco de fazer dormir. Nem por Paul Bethany vale assistir. Ou seja, entre esse e Anjos Rebeldes, fique com o antigo.

Dogma - Dir.: Kevin Smith
Ano: 1999

Nota: 7,5 / 10

Kevin Smith vinha de uma carreira de obras de baixo orçamento, prestigiada pela crítica por seus ótimos diálogos e o mergulho na cultura pop que faltava nos anos 90. Essa foi a década de ouro do diretor que teve nos anos 2000 uma queda radical de qualidade. Dogma, infelizmente, parece prenunciar isso. A trama, novamente, é interessante: Dois anjos caídos descobrem a promoção de uma igreja que promete perdoar qualquer pecado e decidem viajar até lá para para voltarem ao paraíso. O problema é que se fizerem isso, o universo será destruído. Um grupo de desajustados (entre eles Jay e Silent Bob) tem a missão de impedi-los a qualquer custo. A dupla de protagonistas é de botar inveja em qualquer diretor: Matt Damon e Ben Affleck, ambos vencedores do oscar de melhor roteiro por Gênio Indomável no papel dos anjos que decidem fazer uma limpa no mundo, assassinando inclusive uma megacorporação que planeja construir o parque do bezerro de ouro.
O problema é que o filme promete muito e cumpre pouco. Como Kevin Smith é um católico assumido, não tem coragem de ir mais fundo justamente nos dogmas e parece raso. Assim, tudo que acontece é revertido quando ao final, tudo acaba da melhor maneira possível e todos ficam bem.
Ainda assim, Kevin Smith é Kevin Smith e o filme vale pelas ótimas referências e até pelo elenco que não deve em nada para filmes de grande orçamento. Mesmo quando faz um filme menor, Kevin Smith ainda é um dos maiores roteiristas e diretores do cinema mundial.

O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus - O último expressionista do cinema

2010-06-22T04:24:00.000-07:00

O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus - O último expressionista do cinema

Nota: 10 / 10

The Imaginarium of Doctor Parnassus
France | Canada | UK , 2009 - 122
Drama / Fantasia

Direção:
Terry Gilliam

Roteiro:
Terry Gilliam e Charles McKeown

Elenco:
Heath Ledger, Johnny Depp, Colin Farrell, Jude Law, Christopher Plummer, Lily Cole, Tom Waits, Verne Troyer, Andrew Garfield

A loucura é sempre um tema recorrente nos trabalhos do cineasta norte-americano Terry Gilliam. Desde sua participação no grupo britânico Monty Python, com animações surrealistas e tresloucadas, o diretor utiliza basicamente o non-sense nos seus roteiros e privilegia uma estética expressionista que pode fazer dele um dos últimos verdadeiros utilizadores desta técnica no cinema atual. Brazil - O Filme é o seu auge em popularidade, em uma obra que mostra uma sociedade autoritária que reprime qualquer liberdade e incentiva valores falsos, como a estética e o dinheiro (...). De lá pra cá, o diretor viveu uma espiral descendente terrível. A falta de incentivo a seu trabalho chegou ao cúmulo de fazer com que o diretor fosse mendigar patrocínios nas ruas de Hollywood como forma de protesto. Convenhamos, os filmes de Gilliam são intragáveis para o público leigo, apesar de serem peças de arte irretocáveis. Seu Medo e Delírio em Las Vegas só aconteceu por influência de Johnny Depp e Irmãos Grimm, seu último grande filme com orçamento inchado, falhou miseravelmente nas bilheterias mundiais, apesar de ser apreciado como análise de cinema. Graças a imensa amizade com os atores que trabalha, Terry Gilliam sempre consegue auxílio de artistas que normalmente cobrariam um cachê abusivo em suas empreitadas. Depois de Contraponto, que contou com participação de Jeff Bridges, Gilliam produzia mais um filme que aparentemente não teria grande repercussão na mídia, junto com seu amigo de Irmãos Grimm, Heath Ledger, ator que estava para se tornar um dos mais importantes do ano de 2008, no papel do Coringa, em Batman - Cavaleiro das Trevas. Durante as filmagens de O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus, Heath Ledger morreu.

A história mostra um monge que adora apostar com o diabo. Quando perde a sua filha, faz uma nova aposta e contará com a ajuda de um estranho desmemoriado para salvá-la.

Terry Gilliam retoma a linha de fantasia utilizada em Irmãos Grimm e faz um filme bem menos intrincado e denso do que Contraponto. Graças a Deus, acredite. Apesar das inúmeras qualidades do filme anterior, a viagem é pesada demais para ser suportada por espectadores despreparados e o clima leve e aventuresco que Parnassus estabelece é ideal para sua história. Estão lá as características expressinonistas do trabalho de Gilliam, mas ficam mais acentuadas apenas do outro lado do espelho, onde são aceitas por sua forma cartunesca. O importante aqui é ressaltar esse clima aparentemente leve que o filme cria. Os efeitos especiais (graças ao razoável investimento no "último trabalho de Ledger") são competentes e mostram o dedo do diretor em cada design de produção.

O elenco é irretocável. Heath Ledger está tão bem em sua última atuação que não se destaca do quadro geral, mas consegue se amalgamar de tal forma à história e o resto do elenco, que preenche a história ao invés de ser mais do que ela. Essa é uma grande tarefa para um ator que precisa de filmes gigantescos para não se destacar da história e mesmo assim, é marcante. Quero dizer que em Batman sua performance é tão forte que nenhum ator consegue superá-lo e, por mais que não pareça, a história do filme perde com isso. Por isso, em Parnassus ele consegue algo tão díficil: acomodar seu talento e deixar a história ser contada.

Dito isso, seus sósias chamados para completar o filme...
(Ps: como o ator morreu durante as filmagens, 3 amigos seus assumiram a tarefa de substituí-lo quando o personagem entra no mundo imaginário)
estão à altura da tarefa. Johnny Depp, sem trejeitos desnecessários mostra que nas mãos do diretor certo, consegue voltar às raízes de sua atuação sutilmente bizarra. Jude Law também chama a atenção bem como Colin Farrell, que completam a história e não deixam nada a dever para o ator. Já Cristopher Plummer, apesar de uma atuação bastante abafada por esses outros nomes é um ótimo Parnassus, que nos dá vontade de conhecer mais de seu mundo imaginário. O outros membros do elenco cumprem bem suas funções.

O grande mote do filme é justamente imaginar. Não só imaginar, como saber fazer suas escolhas, quando todos estamos inclinados a pender para o mal. Mais fundo ainda, analisa a natureza de cada um e mostra que mesmo os desejos mais sombrios podem ser transformados em uma forma de felicidade se bem utilizados. Essa gama enorme de sentidos faz da história um filme para ser revisitado várias vezes. Um visual belíssimo, tanto nas cenas cinzas e feias de Londres, contrastando com o mundo colorido e sombrio da imaginação. Destaque para o tango do diabo, cena onde uma dança é refletida por diversos pedaços de espelho quebrado pela sala, enquanto o capeta tenta impedir um sacrifício de uma alma "pura". Roteiro com ótimas reviravoltas, personagens ricos, tudo que um filme precisa para entrar na memória do cinema.

Em sua última cena, aparece: "Um Filme de Heath Ledger e seus Amigos". Uma homenagem póstuma em um filme que não teria chances sem ele.

Filmografia completa de Monty Python's Flying Circus

2010-06-18T04:37:00.000-07:00

40 anos de Monty Python, 10 resenhas do grupo para você

Chegou a hora. Depois de completar a filmografia em DVD é hora de criar coragem e falar do grupo que é com certeza o mais influente da comédia mundial e da minha vida (sem exageros), o Monty Python.
Foi lançado neste mês de junho, o último lançamento em comemoração aos 40 anos da trupe inglesa, Not The Messiah, o musical sobre o longa-metragem A Vida de Brian. Criado por Eric Idle, o músico do grupo, ele transporta para os palcos do Royal Albert Hall toda irreverência dos Pythons, mas antes, vamos analisar todo o trabalho do grupo, temporada por temporada até ele.
Afinal, Anything goes in, anything goes out!

Monty Python's Flying Circus: a 1ª Temporada Completa (1969)

Nota: 10/10

"It's...", diz um mendigo esfarrapado para a câmera antes da entrada de uma animação com pitadas de surrealismo e doideira. De forma violenta e bem-humorada, entrava nas televisões britânicas naquele 5 de outubro de 1969 o Monty Python's Flying Circus, um programa que inicialmente escandalizou o público com sketchs sem pé nem cabeça e um humor ácido, mas logo tornou-se febre entre todo o Reino Unido. Os ingleses John Cleese, Graham Chapman, Eric Idle, Michael Palin e Terry Jones, e o norte-americano Terry Gilliam eram a trupe mais estranha da TV e não se preocupavam em zoar a própria BBC, produtora do seriado, que teimava em tentar censurar suas sketchs. O primeiro episódio começa com o sensacional quadro "It's Wolfgang Amadeus Mozart", onde o músico lista as mortes mais famosas da história. O episódio ainda contém uma das mais famosas sketches do grupo, A Piada mais engraçada do mundo, que você confere aqui. Nessa temporada, destaque para os quadros "A man with two noses", a misteriosa "A scotsman on a horse", a simplicidade "The Larch", a depravada "Marriage Guidance Counselour", a bitolada "Confuse a cat", "Dead Parrot", "Lumberjack Song" e uma de minhas preferidas, a entrevista com o filho do famoso compositor alemão, Johann Gambolputty de von Ausfern- schplenden- schlitter- crasscrenbon- fried- digger- dingle- dangle- dongle- dungle- burstein- von- knacker- thrasher- apple- banger- horowitz- ticolensic- grander- knotty- spelltinkle- grandlich- grumblemeyer- spelterwasser- kurstlich- himbleeisen- bahnwagen- gutenabend- bitte- ein- nürnburger- bratwustle- gerspurten- mitz- weimache- luber- hundsfut- gumberaber- shönedanker- kalbsfleisch- mittler- aucher von Hautkopft of Ulm.

Monty Python's Flying Circus: a 2ª Temporada Completa (1970)

Nota: 9,5 /10

Quem esperava o velho mendigo com seu "It's", tem uma surpresa com John Cleese sentado em uma mesa, com um terno impecável e disparando aquela que seria a frase mais marcante dos Python's: And now, for something completely different...Assim começa a segunda temporada, que mantém um tom ainda mais subversivo, apoiado pela massa inglesa que já amava a série. Entre os pontos altos dessa temporada, destaque para Ministry of Silly Walk com John Cleese em plena forma, realizando um de seus passos mais famosos, que inspiraram as passeatas Silly Walk pelo mundo. Vale lembrar a você que nobody expects "The Spanish Inquisition"! Ou quem não lembra da ótima aparição dos Gumbys? A paródia de seriados de espionagem em "The Bishop" e dos programas de TV de prêmios em "Blackmail". É nessa temporada que "SPAM" inspira anos depois a adaptação do nome para emails indesejáveis. Apesar de muitos quadros marcantes, a segunda temporada parece perder o foco em alguns momentos. Por mais que me joguem no fogo depois dessa declaração, alguns momentos são entediantes. Mas, pra variar, o resultado final sempre nos faz lembrar os melhores momentos, que são bem mais abundantes do que os maus.

Monty Python's Flying Circus: a 3ª Temporada Completa (1972)

Nota: 9,5 / 10

Essa é a menos conhecida temporada do grupo. John Cleese já queria ter encerrado o grupo na segunda temporada e após o primeiro longa-metragem, And Now For Something Completely Different (uma repaginação de quadros das primeiras temporadas), não pretendia continuar. Os conflitos do grupo aumentam, principalmente na rivalidade entre Cleese e Terry Jones, que divergem demais sobre o estilo de humor a ser utilizado. Apesar disso, a 3ª temporada tem quadros marcantes, mas não tão familiarizados para os fãs. Entre elas, a "Fish-Slapping Dance", "Argument Clinic", "Gumby Brain Specialist", "Cheese Shop", "Dennis Moore". Ótimos momentos, o ápice da equipe.

Monty Python's Flying Circus: a 4ª Temporada Completa (1973)

Nota: 9 / 10

Sem John Cleese que abandonou o grupo por pensar que estavam se repetindo demais, resta aos Pythons restantes protagonizar Seis episódios para uma quarta temporada da série. A mais enlouquecida de todas as temporadas, os Pythons parecem perder um pouco da classe sem a presença poderosa de Cleese. Restam bons momentos, mas nem tantos assim. Destaque para "Different endings", a música "When does a Dream Begin" e a última sketch, "BBC NEWS(Handover)". Marca também a música que titula este blog, Anything goes in, anything goes out!

Fawcett (clearing his throat and going into an extraordinary tuneless and very loud song)
Anything goes in.
Anything goes out!
Fish, bananas, old pyjamas,
Mutton! Beef! and Trout!
Anything goes in...

Longa-metragens: Monty Python e o Cálice Sagrado (Monty Python and the Holy Grail) (1975)

Nota: 10 / 10

Dirigido por Terry Gilliam e Terry Jones que (surpresa!) brigaram durante a produção do filme, O Cálice Sagrado foi cercado de problemas e falta de orçamento, para ser considerado hoje por muitos, o melhor filme de comédia de todos os tempos. Também, pudera, depois de encerrar a série, os Pythons pareciam afiados, avacalhando com a mitologia inglesa como podiam. A lenda do Rei Artur é destroçada nos primeiros frames do filme quando o rei aparece com seu escudeiro, mas sem cavalo. Por conta do orçamento do filme, eles tem que bater cocos para simular o trote do cavalo...esse simples arremedo constitui uma das melhores gags do cinema e por 1h30, a trupe nos brinda com quadros inesquecíveis. As atuações estão ótimas, com Chapman como o inocente rei Artur, Cleese como o bravo Lancelot, Eric Idle como o medroso sir Robin, Michael Palin como Galahad, o puro e Terry Jones, o genial sir Bedevere (se ela tem o mesmo peso de um pato, ela flutua na água, portanto é feita de madeira e então... A WITCH!). Terry Gilliam aparece como escudeiro do rei Artur e nas animações do filme. Sem dúvida, o reinício dos Pythons com chave de ouro.

A Vida de Brian (Life of Brian) (1979)

Nota: 10 / 10

O segundo filme do grupo é ainda mais polêmico do que o primeiro. Tudo porque em uma entrevista logo após a estreia do primeiro filme eles afirmaram preparar uma história sobre a vida de ninguém menos que Jesus. Para não pegar tão pesado, criaram Brian, um erro desde o início de sua vida, onde é confundido com o messias, em Jerusalém. A história não tem nada a ver com Jesus Cristo, mas é uma crítica feroz à religião que cria um povo acéfalo e cego para outras verdades. Critica também as escaramuças políticas entre partidos para ao final, dizer aos especatdores para aproveitarem a vida, sempre olhando o lado bom. A cena final nas cruzes assoviando e entoando a clássica "Always look on the bright side of life" faz você acompanhar a letra por horas. No funeral de Graham Chapman em 1987, é arrepiante o momento onde todos cantam a música juntos...

Monty Python ao vivo no Hollywood Bowl (Monty Python Live at the Hollywood Bowl) (1982)

Nota 9,5 / 10

Monty Python é uma febre mundial. Suas apresentações ao vivo lotam estádios e a consagração é no Hollywood Bowl, one em pouco mais de 1h20 o grupo reapresenta quadros clássicos com pequenas modificações e principalmente quadros especialmente desenvolvidos para apresentações ao vivo. Mais do que isso, dá mais espaço para os Pythons reservas, Carol Cleveland e o músico Neil Innes, em momentos musicais como a música, How Sweet, to be an idiot. Excelente espetáculo, um dos melhores DVDs do grupo. Mas, a curta duração e a inexistência de extras derrubam a nota em meio ponto.

Monty Python e o Sentido da Vida (Monty Python's Meaning Of Life) (1984)

Nota 10 / 10

Última associação do grupo, o filme fecha grandiosamente a história de Monty Python. No estilo de esquetes, a trupe tenta entender qual afinal é o sentido da vida desde o milagre do nascimento. TODAS as esquetes são memoráveis, desde o parto, a canção Every Sperm is Sacred, aplaudida de pé em Cannes, o debate protestante em plano-sequência, a escola, educação sexual, igreja, exército, até o fim da vida, em um momento marcante do encontro com a morte, por conta de um musse de salmão estragado. Ao final, lady Palin conclui que o sentido da vida é ser feliz comer vegetais e fazer exercícios, afinal, quem se importa quando pode-se ter nudez gratuita???

Demais obras:

Monty Python - Almost the truth (The Lawyers Cut) (2009)

Nota 9 / 10

Documentário em homenagem aos 40 anos do grupo, The Lawyers Cut vai fundo na história do Monty Python, investigando o cenário político da época e entrevistando os membros vivos e gravações de Graham Chapman. É interessante especialmente para fãs. Mostra as característica de cada um dos componentes, sua preferências em termos de comédia, seus conflitos, suas lembranças. Pena que o documentário não explore o presente ou as relações entre o grupo, tocando apenas superficialmente nesses assuntos.

Not The Messiah - Ao vivo em Londres (2009)

Nota 8,5 / 10

Ópera baseado na Vida de Brian, adaptada por Eric Idle para os 40 anos do grupo, é sem dúvida o material definitivo para fãs. Quem não conhece o grupo deve evitar assistir este dvd antes de entender Monty Python. Apesar de alguns números musicais sensacionais, participações especiais (destaque para a tremenda contribuição de Terry Gilliam) e de inúmeras piadas escondidas e homenagens aos fãs, alguns momentos são bem entediantes. São músicas longas demais que irritam um pouco, mas nada que estrague a experiência. O melhor de tudo? O dvd possui a opção sing along...Não perca!

Poucas linhas para exprimir o quanto amo a história de Monty Python, mas posso dizer ao final, Missão Cumprida!

Toy Story 3 - Tienes un amigo en mi!

2010-06-17T04:13:00.000-07:00

Toy Story 3 - Tienes un amigo en mi!

Nota: 10 / 10

Toy Story 3
EUA, 2010 - 103 min.
Animação/Aventura

Direção:
Lee Unkrich

Roteiro:
Michael Arndt, John Lasseter, Andrew Stanton, Lee Unkrich

Elenco:
Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Michael Keaton

Curta antes do filme: Day e Night

Uma mistura de animação 2D e 3D, Dia e Noite é um curta de técnica experimental que remonta à década de 50 na construção de seus personagens e em seu estilo. Tem uma mensagem forte sobre aceitar aqueles que são diferentes de nós, porque afinal, ninguém é melhor do que ninguém.

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Foi mais ou menos na época em que Os Incríveis saiu em VHS para locação. Aluguei o filme sentei no sofá e duas horas depois, estava chocado. Tudo, absolutamente tudo no filme parecia ter explodido minha mente. A história original, o visual absurdamente lindo, os efeitos sonoros realistas e, principalmente, a sinceridade e humanidade dos personagens que não pareciam projeções de computador, mas pessoas de carne e osso. Naquele momento tomei a decisão de assistir os próximos filmes da Pixar no cinema. Excetuando Carros, segui a risca essa promessa que inclui os novos filmes dos estúdios Disney como A Princesa e o Sapo e Bolt. Veio o ótimo Ratattouille, seguido de Wall-E e Up. Não há como falar sobre esses filmes sem rasgar a seda. Todos, filmes que revolucionaram o modo de ver a animação moderna e colocaram a Pixar em um patamar que poucas animações do mundo podem alcançar. Ainda assim, apesar de fã da série Toy Story, não sabia o que esperar. Ao final da sessão, não tive dúvidas. A Pixar conseguiu. De novo.

No último (?) capítulo da série, Woody, Buzz e os outros brinquedos não sabem seu futuro já que Andy vai para a faculdade. Durante a mudança, acabam indo para doação, em uma creche que aparentemente é o paraíso para brinquedos, mas em breve, verão que é na verdade uma prisão cruel...

Toy Story consegue se superar mais uma vez. Sem perder tempo com apresentações desse mundo, o diretor mergulha direto na aventura. A sequência inicial do filme é de deixar qualquer diretor de filmes de ação e aventura de boca aberta. As piadas tem um tom irreverente e arrancam risadas mesmo do adulto mais sisudo. E não falta a ele emoção. A amizade fiel, o abandono e a nova chance, está tudo lá, bem distribuído entre as quase duas horas de filme.

O nível técnico da Pixar é um elogio à parte. Novamente aqui, o 3D não se importa em ficar dentro da tela. O importante é a profundidade que ele consegue e as sensações que transmite perfeitamente. Destaque para a cena do incinerador, assustadoramente real e dramática, um dos momentos mais marcantes de todos os filmes da produtora.

Assim como um ótimo elenco completa um filme, em Toy Story 3, os brinquedos não deixam a desejar. Quem nunca sonhou em ver Buzz Lightyear dançando e cantando em espanhol? (eu! Por isso fiquei tão impressionado...). Mesmo os personagens secundários têm personalidades tão marcantes quanto Woody e Buzz, que aqui dão mais espaço ao drama de seus colegas também. O grupo de vilões também conquista espaço com o metrossexual Ken e o misterioso Lotso, um ursinho de pelúcia com intenções desconhecidas.

Desde o começo de Toy Story 3, predomina o sentimento de nostalgia. Saudade de um tempo onde era tudo mais simples. Onde brincar era a prioridade, onde passávamos a maior parte do tempo nesse mundo de fantasia. E Toy Story não deixa esse clima estragar a aventura, mas nos momentos finais, nos faz encarar a realidade da qual não há escapatória. É preciso crescer, mas nem por isso, deixar de ter essa criança dentro de nós. Mas, mais do que isso, é saber reconhecer que nossos amigos dividem o melhor da nossa vida e sempre vão estar lá para nós. Woody enfim compreende sobre quem a música tema da história trata. Afinal, essa sempre foi a mensagem de Toy Story.

Amigo, estou aqui.

Futebol no Cinema: 2 filmes ótimos e 1 vergonhoso

2010-06-14T05:41:00.000-07:00

Futebol no Cinema: 2 filmes ótimos e 1 vergonhoso

Tempos de Copa do Mundo, lembram é claro, filmes sobre futebol. Definitivamente, não é meu gênero preferido. Agrega os clichês de qualquer filme de esportes com a diferença de atingir o público viciado pelo soccer. Por isso, destaquei dois filmes que tem uma qualidade única e um que merece o completo ostracismo, apesar da popularidade.
Vamos a eles:

Deve ver:

Kung Fu Futebol Clube (Shaolin Soccer)

Nota 10/10

Primeiro filme de sucesso dirigido por Stephen Chow (do ótimo Kungfusão) e
sucesso de bilheterias, Kung Fu Futebol Clube mostra uma equipe de mestres de kung fu que resolve aplicar seus conhecimentos da arte marcial no futebol. Protagonizado pelo próprio diretor, que na história tem um chute poderosíssimo, o filme se utiliza de forma divertida dos efeitos visuais cartoonizados para fazer movimentos impossíveis em qualquer time de futebol. Não apenas visualmente, mas em seus diálogos e estrutura do roteiro o filme é engraçado demais! Os arqui-rivais da equipe são denominados Team Evil, literalmente, time do mal. Brincar com os clichês do gênero é a regra em Shaolin Soccer e se você não assistiu, não perca essa oportunidade.

Todos os Corações do Mundo

Nota 8/10

Documentário oficial da FIFA sobre a Copa de 94 (minha favorita por ser minha
primeira), mostra jogo a jogo a trajetória do Brasil e de outros países até a final. Mais do que isso, bota o pé na estrada e acompanha torcedores do mundo e principalmente dos EUA, já que por lá, o Soccer não era muito apreciado. As jogadas em ultra-slow, os depoimentos e a boa narração e edição só podem ser descritas como emocionantes. Impossível não marejar os olhos ou sentir aquele aperto na garganta com a derrota de seleções que acompanhamos em pouco mais de uma hora e meia. No final, a alegria do Brasil é a chave de ouro para fechar o documentário, essencial para quem gosta do esporte.

O que você deveria evitar...

GOL! - O Sonho Impossível (GOAL)

Nota 1/10

Filmezinho cretino esse, hein? Um roteiro mais furado que calça de punk britânico, atuações lamentáveis e efeitos especiais cretinos, Gol! consegue tornar a experiência de um filme esportivo deplorável. A história mostra um rapaz hispânico que tem a chance de jogar no Newcastle United, na Inglaterra, após ser encontrado por um olheiro em jogo entre amigos. A história da gata borralheira é até aceitável nos primeiros momentos. Quando o garoto chega à Inglaterra, o filme dá uma guinada vergonhosa e fica entediante pouco depois. O protagonista sabe que tem apenas uma chance e sabe disso. Mesmo assim, o roteiro teima em repetir isso indefinidamente. Ele vai mal no primeiro treino. Vem o técnico e dá mais uma chance. Ele vai mal no segundo, novamente outra chance. Na vigésima vez, ah, raios, dá mais uma chance pro garoto...Se Bruno (o protagonista) fosse real, já teria virado lavador de pratos na primeira. O futebol não te dá segundas chances. Ok, adiante. Ele vai pra festas, perde a garota que ama ele e o amigo que o levou para as festas vem com lição de moral para cima dele agora??? Fora as aparições descessarimanete vergonhosas de Zidane e Beckham. Pode ficar pior? Pode. As cenas das partidas de futebol são muito mal feitas. Os atores correm artificialmente e a história termina de maneira convencional e esperada.
Um filme definitivamente desnecessário para o mundo que pretendia explorar um filão do mercado pouco visitado. Teve uma continuação mas parou por aí. Ainda bem.

Especial dia dos namorados: Os casais mais incríveis dos filmes, nos últimos 20 anos!

2010-06-07T19:25:00.000-07:00

Especial dia dos namorados: Os casais mais incríveis dos filmes, nos últimos 20 anos!

Listas, listas e listas. Quem não adora uma boa lista?(EU!!!) Mesmo assim, decidi dar uma chance e abrir uma exceção.
Talvez seja o clima de amor no ar (não), talvez seja o fato de ter visto um filme realmente incrível (Yep, Amor em Pedaços) que me fez preparar uma lista com os casais mais incríveis/fofos/bonitos/estranhos/bizarros dos últimos 20 anos (até porque faltou muita gente ainda...). Sem mais delongas, vamos lá!

Carl e Ellie (Up - Altas Aventuras) - Eles se conhecem quando pequenos. Ela fica apenas 10 minutos no filme, mas quando sai, leva você a incontroláveis lágrimas. Difícil dizer o que Up representa na escala do amor... Esse é um casal que você gostaria de conhecer, ser amigo, ou que fossem seus avós. Mais do que isso: Nós queríamos ser como este casal. Todos somos Carls procurando nossas Ellies. Aquela que vai envelhecer conosco e aguentar nossa rabugice. Essas qualidades colocam o casal de Up no topo dessa lista.

Jesse e Celine (Antes do Amanhecer / 1995 - Pôr-do-sol / 2004) - Essa é a utópica história de amor. Duas pessoas, completamente desconhecidas, decidem se conhecer durante um dia, caminhando pelas belíssimas ruas de Viena. Ali, eles discutem seus planos para o futuro, sabendo que nunca mais se verão, após aquela noite. Ótimas atuações e diálogos repletos de sinceridade, fazem com que aqueles dois na tela sejam a personificação daquilo que sempre sonhamos. A segunda parte do filme, feita 9 anos depois, mostra o reencontro deles, agora adultos, maduros e com suas próprias vidas. Mais que isso, derrete ambos luxuriosamente para o espectador, sem qualquer dó. Nesse momento eles revelam o quanto uma noite significou na vida de cada um. Tudo expresso na bela canção "Waltz for a night". É sério, esse filme só fará sentido se você estiver com a pessoa certa, portanto, cuidado.

Clarence e Alabama / Pumpkin e Hooney Bunny (True Romance - Pulp Fiction) - Para Tarantino o amor só leva à loucura. O casal de protagonistas (Clarence e Alabama), no primeiro roteiro do diretor (True Romance) mata o chefe de uma boca de fumo, foge com uma pasta de cocaína, apanha de tudo quanto é forma, promove uma carnificina em Hollywood e faz sexo selvagem em uma cabine telefônica. Alabama é a mulher que pode transformar o mais pacato dos homens em um perfeito lunático capaz de tudo por ela. Já Pumpkin e Hooney Bunny são um pouco mais sensatos: apenas assaltam lanchonetes pela emoção de trabalharem como casal em um ramo que você só pode contar com seus comparsas. Eles pouco aparecem em Pulp Fiction, mas tem os melhores diálogos e uma das melhores cenas do filme inteiro. Tudo, da mente doentia de uma única pessoa...

Ennis e Jack Twist (O segredo de Brokeback Mountain) - Ang Lee chocou ao contar a história de Romeu e Julieta, trocando Julieta por outro Romeu. A verdade é que a competência do diretor é tanta que ele tornou o amor proibido de Ennis e Jack Twist em uma marca a ser lembrada pelo cinema por uma eternidade. Os dois cowboys gays de Brokeback Mountain não parecem se entender durante todo o filme e Ennis só descobre tarde demais que o amor é uma força verdadeiramente libertadora. Inquietante e ao mesmo tempo tocante, esse é um casal que merece figurar em qualquer lista de filmes de romance, não importa o gênero, idade ou tempo.

Jack e Rose (Titanic) - Tão fácil como dizer João e Maria, Jack, Rose e Titanic fizeram seu estrago em 1997 quando apresentaram às menininhas de todo o mundo o menino Leonardo di Caprio. A verdade é que Kate Winslet é muita areia para o caminhãozinho de Jack, mas ninguém dá bola pra isso. O romance dos dois em um navio é um sonho para qualquer mulher se lavar em lágrimas de tristeza. Não há muito o que dizer, fora que o filme pode ser resumido na bela cena de ambos se beijando na proa do navio, frente a um sol que desaparece no horizonte, levando todo o calor e representando o crepúsculo do belo casal.

Joel e Clementine (Brilho eterno de uma mente sem lembranças) - Eles eram o casal que tinha tudo para dar errado. Ele, tímido e conformado, ela, espontânea e extrovertida. Realmente, deu tudo errado. Frustrada com o relacionamento, Clementine procurou a Lacuna Inc., uma empresa que prometia retirar as desilusões amorosas (e Joel) da sua vida. Quando ele descobre, decide realizar o mesmo procedimento. Acontece que, conforme o relacionamento caminha de traz para frente nas memórias de Joel, ele começa a se arrepender de tentar esquecê-la e vai fazer de tudo para preservar pelo menos uma memória. Uma das histórias mais bizarras de amor, vinda de um dos roteiristas mais criativos de Hollywood nos últimos anos, Charlie Kauffman. Joel e Clementine têm tudo para dar errado. Mesmo assim, decidem dar outra chance a eles, sem se importar com o que pode acontecer.

Harold Crick e Anna Pascal (Mais estranho que a ficção) - Harold Crick era um fiscal da receita, que levava uma vida monótona até o dia que ouviu uma voz narrando sua vida. Aos poucos, ela começa a confrontá-lo com a bela Ana Pascal, uma padeira que deve ao governo e quando Harold Crick começa a se apaixonar por Ana, descobre que irá morrer em breve. Na luta por tentar descobrir quem escreve o livro da sua vida, Crick vai aprender que mais do que simplesmente ter uma vida é preciso viver ela. A história lembra um pouco Brilho Eterno e Will Ferrel mostra talento, com Maggie Gyllenhaal, em um papel sério que vai fazer você rever a sua vida.

Amélie Poulain e Nino (O Fabuloso Destino de Amélie Poulain) - A endiabrada garota que decide consertar a vida de todos, esquece de arrumar a própria vida. Ela encontra o álbum de um estranho, mas não consegue de forma alguma encará-lo. Parece condenada a viver eternamente solitária. A cena final(não há spoilers) resume todo o filme:

Mr. Darcy e Elizabeth (Orgulho e Preconceito) - Clássico da literatura inglesa de Jane Austen, Orgulho e Preconceito foi adaptado para o cinema por Joe Wright e logo tornou-se um fenômeno. O filme tem um clima único e repete uma das histórias de amor mais conhecidas do século. Elizabeth vive em uma família onde só nasceram garotas. Ela, é a mais inteligente e não acredita no amor. Quando um jovem rico vem morar na cidade, ela conhece Mr. Darcy, melhor amigo do jovem e um homem tão ranzinza quanto ela, que parece querer estragar o namoro de sua irmã. O acaso e o destino jogam o casal de um lado para o outro, lutando contra antigos dogmas da sociedade e mesmo da natureza dos dois até que enfim, nos últimos segundos do filme, o beijo faz todos na sala se renderem ao amor verdadeiro. Não há filme melhor para o dia dos namorados...

Chris e Annie (Amor Além da Vida) - Um casal se conhece, casa e tem filhos. O amor de Chris e Annie nunca pareceu encontrar barreiras, os dois sentiam como se estivessem destinados a ficar juntos para sempre. Mas um acidente que mata os dois filhos abala profundamente a relação. Annie se afoga na depressão e Chris, no trabalho. Chega o dia de uma dura decisão: o dia do D duplo. Ou eles realizam o divórcio ou decidem tentar novamente na vida. Eles ficam juntos. E Chris morre. No céu, descobre ter uma ligação especial com Annie por ambos serem almas gêmeas e presencia o suicídio da sua esposa. Resta agora a ele, desistir do paraíso e buscar o amor de sua vida nos abismos do inferno, podendo perder-se por lá para todo o sempre. É uma história visualmente belíssima e uma história de amor que derruba qualquer certeza sobre céu e inferno, vida e morte. Provavelmente o casal mais corajoso de toda essa lista.

Lola e Manni (Corra Lola Corra) - Lola não via sentido na vida, até conhecer Manni. Agora, ela tem 20 minutos para entregar 100 mil marcos ao chefe de uma quadrilha para que ele não mate seu namorado. E se não conseguir na primeira vez, é só começar tudo de novo. Filme alemão excêntrico e genial, com um casal que lembra até personagens de Tarantino. Uma garota desesperada para salvar o amor de sua vida que não se importa de ser baleada, atropelada ou até rejeitada pelo pai. Desde que não pare de correr por sequer um minuto...

Barry e Lena (Embriagado de amor) - Quem olha Adam Sandler, não o vê protagonizando uma das comédias mais densas da década. Talvez por isso o público não tenha entendido o ótimo Embriagado de Amor. Sandler é um homem cheio de tiques nervosos, oprimido por sete irmãs, que começa a ser perseguido por um dono de tele-sexo, enquanto junta milhas de avião comprando pudins e conhece o estranho amor de sua vida. Lena é misteriosa mas parece dividir o estranho masoquismo de Barry. O estranho amor dos dois dá uma guinada quando em um ataque de capangas, Lena é ferida e Barry usa um pé-de-cabra e anos de fúria contida para abater 3 caipiras em uma das melhores cenas do filme. A declaração de amor dos dois é única e incontestável...
Barry diz: Você é tão linda. Eu te amo tanto que quero destruir seu rosto com uma marreta.
E ela responde: Amo você tanto que quero arrancar seus globos oculares, chupá-los e depois dar um soco nas suas bolas.
Simplesmente lindo.

Adam e Kate (Amor aos pedaços) - Díficil achar um casal com tanta química em cena quanto Jon Favreau e Famke Janssen em Amor aos pedaços. Eles simplesmente funcionam muito bem. Os diálogos são naturais, os problemas são de verdade, eles são engraçados e dramáticos. O filme tem erros de direção, acaba de maneira confusa e até é previsível, mas e daí? Ajuda ainda o fato de o espectador desenvolver de tal maneira uma identificação com o personagem que é impossível não torcer loucamente pelos dois. Começa pelo fato de Favreau não ser um galã. Nenhum homem que assistir o filme vai se sentir intimidado por barriga de tanquinho ou qualquer outra coisa do gênero. Ele é gordinho! Mesmo Famke não é o estilo de mulher normalmente protagonista de comédias do tipo. Ela é alta demais e magra demais. Nem por isso deixa de ser desastradamente sensual com seu pé 41. Os diálogos inspirados e as situações que o casal passa fazem parte do cotidiano e econtrá-los é quase como assistir a si mesmo. O filme pode ser resumido em uma conversa que Adam e Kate tem, onde comentam que quando as pessoas ficam velhas, dizer "eu te amo" é como dizer "sanduíche de queijo". Adam então olha para Kate e pouco antes de beijá-la, declara: "Eu te sanduíche de queijo".

Príncipe da Pérsia: As areias do tempo -Aventura amalucada tem cara de Sessão da Tarde

2010-06-04T05:52:00.000-07:00

Príncipe da Pérsia: As areias do tempo -Aventura amalucada tem cara de Sessão da Tarde

Nota: 6 / 10

Prince of Persia: The Sands of Time
EUA , 2010 - 116 min
Aventura

Direção:
Mike Newell

Roteiro:
Boaz Yakin, Doug Miro, Carlo Bernard

Elenco:
Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley, Alfred Molina, Steve Toussaint, Toby Kebbell, Richard Coyle, Ronald Pickup, Reece Ritchie

Depois de uma sequência alucinante de aventura, onde Dastan sobrevive a um templo em ruínas, falta pouco para que seu inimigo destrua o mundo inteiro. Mas, por algum motivo, ainda há tempo para parar e dar aquele beijo/declaração para a princesa... não faz sentido. Certo, este é um filme de aventura, da Disney e que deve substituir a franquia de Piratas do Caribe. É baseado em um videogame. Não adianta, não cola. Entre cenas de ação e lutas com slow motion de série de tv, encontramos bons efeitos e aí fica a pergunta: por que não foram usados antes? Mas a verdadeira pergunta é: o que deu errado?

Baseado no game de mesmo nome, Príncipe da Pérsia - As areias do tempo mostra Dastan, um jovem acusado de matar seu pai o rei. Agora, ele deve proteger a adaga do tempo (um artefato que seria o DeLorean antes de Cristo) para que não caia em mãos erradas e provar que não é o assassino.

Não gosto de Mike Newell, pronto. Não é pessoal, mas o estilo desse diretor deixa muito a desejar. Ele fez o pior filme da saga Harry Potter (o meu livro preferido), O Cálice de Fogo e a entediante adaptação do romance de Gabriel García Marquéz, Amor nos tempos de cólera. Em PoP as cenas parecem não se encaixar bem, sua escolha de efeitos é duvidosa e ele não sabe que tom dar ao filme. Será aventura? Ou será suspense? Quem sabe, um romance...? Quer coisa mais brega do que uma frase romântica aparecendo na tela enquanto o sol nasce? Se algo funciona no filme são as viagens no tempo de Dastan que realmente emulam a realidade do jogo de forma magnífica. Ainda assim falta ligação com o jogo. Tem os malabarismos, mas faltam as armadilhas que acompanham cada passo do game. PoP acaba passando por um filme de aventura genérico, como qualquer outro. Nem mesmo as lutas são bem coreografadas como em Piratas do Caribe, mas sim, cheia de cortes e muito rápidas para que se possa entender alguma coisa.

Jake Gyllenhaal (de O Segredo de Brokeback Mountain) é esforçado e até mesmo parecido com o personagem, mas falta um pouco de maldade e violência em sua interpretação. Mesmo a princesa (Gemma Artenton) parece mais corajosa do que ele em certos momentos. O resto do elenco passa despercebido. Ben Kingsley está péssimo como vilão cafona e os irmão de Dastan parecem tão caricatos como poderia ser.

Mas é claro que o roteiro leva as glórias da maioria das bobagens. São cenas desnecessárias e erros mitológicos! Só pra constar, não existe a palavra armagedon no vocabulário Persa antes de Cristo, visto que faz parte da mitologia judaica e não árabe. Bastava uma simples pesquisa no Google para descobrir isso. São diálogos sem peso e uma estrutura que define o filme em um pega-pega entre a princesa e Dastan, que irrita depois que ele é enganado pela 4ª vez pela jovem.

Depois de todos esses pontos negativos, Príncipe da Pérsia ainda é um bom filme para ser assistido no cinema. É divertido, tem muita aventura e bons efeitos. Não tem profundidade, obviamente, mas soluções interessantes e, no fim, diverte. Pelo menos, não faz você bocejar como Alice teimava em fazer...

Análise Box Office: 4 fenômenos de bilheterias em menos de 1 ano!

2010-06-04T04:11:00.000-07:00

Análise Box Office: 4 fenômenos de bilheterias em menos de 1 ano!

Menos de um ano e mesmo assim, 4 filmes tiveram trajetórias incríveis nas bilheterias mundiais. Depois de Batman se isolar mundialmente na faixa de 1 bilhão de dólares em 2008 e ser o primeiro filme a fazer isso em 4 anos(o último havia sido SdA: O retorno do Rei), parecia uma missão bem complicada conseguir superar essa marca. Em 2009, Mesmo com a entrada dos filmes em 3D estereoscópio, a diferença nas bilheterias era mínima e durante boa parte do ano, foram os filmes em formato convencional que dominaram o topo dos rankings internacionais.

É interessante notar que a arrecadação parecia seguir um curso natural com os blockbusters arrecadando as maiores fatias de público, com seus orçamentos exorbitantes e filas gigantescas. Em meados de outubro do ano passado, Atividade Paranormal, um filme independente e despretensioso, entrou em cartaz 2 anos após sua finalização. Sucesso em festivais do mundo inteiro e com uma premissa assustadora (que você pode conferir aqui), o filme custou míseros $15 mill dólares e não estreou mal. Apesar de serem apenas 160 salas de cinema, o filme arrecadou surpreendentes 7 milhões de dólares e conseguiu ficar entre os 5 primeiros em arrecadação, atrás de grandes produções, como Onde Vivem os Monstros, de Spike Jonze. Seu caráter fenomenal ficou ainda mais forte quando nas próximas semanas, Atividade Paranormal foi galgando posições e aumentando sua praça de exibição até arrancar o primeiro lugar em sua quinta semana! Nesse momento, já totalizava $ 84 milhões de dólares somente nos EUA. Depois de quase dois meses em cartaz, Atividade Paranormal fechou seu box office com 107 milhões de dólares nos Estados Unidos e mais $ 85 milhões mundialmente.
Essa quantia fez com que o filme fosse o mais lucrativo da história do cinema (o anterior era Bruxa de Blair, de 1997) e provou que o boca-a-boca ainda é uma poderosa forma de divulgação, batendo mesmo campanhas de marketing gigantescas e mostrando que uma boa premissa e um baixo orçamento ainda podem ser a saída para a megalomania hollywoodiana. No Oscar 2010, Guerra ao Terror veio reiterar essa ideia.

Depois de Atividade Paranormal, dezembro era esperado com muita ansiedade pelos cinéfilos de plantão. James Cameron prometia revolucionar o mundo com seu misterioso Avatar, um filme que diziam as más línguas, não empataria seu custo de produção, orçado em $500 milhões de dólares. A verdade é que todos temíamos pela empreitada de 10 anos de Cameron. Apesar de otimistas em relação ao resultado da produção, ninguém queria ver um dos diretores mais ousados e capazes do cinema atual, naufragar e dar razão aos estúdios que preferem impregnar cada filme com suas ideias e astros. Basta uma pequena pesquisa e você irá notar que todas as primeiras críticas em relação a Avatar eram otimistas e incentivavam o espectador a abraçar Pandora totalmente em 3D. Apesar do roteiro obviamente reutilizado, os outros detalhes desse mundo fascinaram a todos de tal modo, que apesar do início não muito empolgante, Avatar manteve uma arrecadação tão alta que tornou-se em pouco tempo, o filme mais assistido de todos os tempos. É claro que a segunda leva de críticas, quando ele já gozava de imenso sucesso, foi mais pessimista em relação ao resultado final, tratando Avatar com desdém e iniciando uma onda anti-Avatar que culminou em apenas 3 Oscar em março. Não que isso seja um problema, o filme fez o que estava proposto: estourar as bilheterias e, sua contirbuição mais importante, mostrar o 3D como futuro indiscutível do cinema.

A tarefa foi cumprida. Depois de Avatar, estúdios reprogramaram seus principais lançamentos para poder convertê-los ao formato, mesmo que isso não fosse a ideia inicial de Cameron, que pretendia que os filmes fossem gravados em 3D. Com o atraso dessas estreias, sobrou para Alice abocanhar a fatia de público sedenta por uma viagem cinematográfica com os famigerados óculos. Desde as primeiras notícias, Alice no País das Maravilhas, de Tim Burton chamou muito a atenção dos fãs do diretor e de Johnny Depp. Os primeiros trailers empolgaram: um 3D aparentemente fascinante, um visual sombrio e personagens malucos. A empolgação era tanta que muitos diziam que este filme seria ainda maior que Avatar, menos de 4 meses depois de sua estreia. Mas, diferente dele, Alice não conquistou a simpatia da crítica que não poupa o filme por apresentar somente um visual estilizado. O público não se importa e abre o filme com impactantes R$ 116 milhões de dólares, só nos EUA. A quantia foi assustadora, mesmo para a Disney que não esperava um sucesso tão grande na primeira semana. É claro, que após um início tão forte a segunda semana não manteria um nível tão alto e o filme despencou quase 50%, ficando com $ 62 milhões, e em sua 4ª semana, já perdia a liderança, arrecadando $17 milhões de dólares. O filme foi maravilhosamente bem nas bilheterias, quebrando a marca de 1 bilhão de dólares mundialmente em quase 3 meses, menos de meio ano após a estreia de Avatar, algo nunca presenciado pela indústria do cinema em todos os tempos. Mesmo assim, a queda semanal de Alice mostrou que o cinema de 3D pode arrecadar muito dinheiro, mas não deixa de carecer de um pouco mais de cuidado na elaboração de seus roteiros e mesmo cuidado na conversão, já que muitas pessoas reclamaram de tonturas e dores de cabeça durante o filme.

Do outro lado da moeda, um filme que ninguém esperava muito, surpreendeu de forma espetacular a indústria do cinema. Como treinar o seu dragão da Dreamworks teve um começo modesto nas bilheterias. Os $ 43 milhões de dólares do fim-de-semana de abertura foram bem abaixo do esperado para um filme com custo de $ 165 milhões. Apesar da qualidade do filme, muito superior a outros lançados pela produtora, parecia que CTOSD conseguiria no máximo, empatar seu custo. Na segunda semana, o filme caiu para terceiro lugar, com $ 29 milhões de dólares e manteve-se assim, por mais duas semanas, até recuperar o 1º lugar em sua quinta semana de exibição! A partir daí, CTOSD mostrou que tinha ainda muito fôlego. Conseguiu se pagar e ainda rendeu mais de 60 milhões em lucro para a produtora, fora licenciamentos. Nos EUA, foram mais de $ 213 milhões de dólares e mundialmente, mais de $ 460 milhões ao todo. O filme foi a primeira animação, desde Procurando Nemo, a conseguir multiplicar tanto sua renda após a sua estreia e o primeiro filme desde Toy Story a ficar tanto tempo entre os 5 filmes mais vistos nos EUA, no fim-de-semana (foram 2 meses). Diferente dos outros filmes da Dreamworks, CTOSD não era uma aposta certa, visto que não parodiava outros filmes, não tinha referências pop e tratava-se de uma história original. Mesmo assim, com uma ótima campanha boca-a-boca, respaldo da crítica e outros meios que elogiavam o filme, a vida de CTOSD foi repleta de surpresas e recordes quebrados no cinema, além de garantir uma continuação (e, é claro, renovar nossa fé no cinema em 3D).

Sex and the City 2

2010-05-31T05:51:00.000-07:00

Sex and the City 2

Esse post é só para relatar que não será publicado sequer uma linha sobre este filme.

Blog parceiro: Cinemax

2010-05-27T09:23:00.001-07:00

Blog parceiro: Cinemax

A partir de hoje, o blog inicia uma parceria com outro blog que fala sobre cinema: o Cinemax.

Conheci o Max durante a Intercom Sul e o cara segue uma linha de crítica de cinema parecida com a minha, mas com suas peculiaridades própria(e se vocês me acham chato, vão ver que ele pega pesado também...).
Temos ideias para as novas sessões no futuro. Só esperar.

Acessem lá então!

www.blogcinemax.blogspot.com

Um epitáfio para Lost

2010-05-27T09:04:00.000-07:00

Um epitáfio para Lost

Seis anos. Seis anos onde aprendemos a amar cada aspecto da vida desses personagens que, por um acaso do destino, foram parar em uma ilha no meio do nada e aprender com os próprios erros. E no final, nos damos conta que não estávamos nem aí para que diabo é a ilha.

No fundo, nós só queríamos que todos eles tivessem paz.

3 em 1: Robin Hood, A Proposta e Um Homem Sério

2010-05-25T04:55:00.000-07:00

3 em 1: Robin Hood, A Proposta e Um Homem Sério

Robin Hood

Nota: 6,5 / 10

Dir.: Ridley Scott. Elenco: Russell Crowe, Cate Blanchet, William Hurt. Antes do Oscar por Gladiador, Ridley Scott foi um diretor perfeccionista que criou alguns dos maiores clássicos do cinema na década de 80 e início dos anos 90. Consumindo cifras absurdas para dar ao filme a sua real visão, conquistou público e crítica com Alien - O oitavo passageiro, e apesar do fracasso comercial de Blade Runner, este tornou-se o maior clássico da ficção científica menos de 10 anos depois. Na década de 90, apesar de trabalhar em filmes menores, criou o memorável Thelma e Louise, que entre outras coisas, revelou o jovem ator Brad Pitt. Em Gladiador, reviveu os grandes épicos do passado, dando origem a tantos novos filmes do gênero. Tentou novamente em Cruzadas, mas, novamente um filme não muito bem aceito pelo público. Suas produções voltaram a trabalhar temas atuais, mas sem sucesso e com apatia da crítica. Robin Hood é a tentativa de novamente embarcar na sua fase de épicos, mas provavelmente, deve encerrar ela. $200 milhões de dólares para criar um filme que não empolga, se perde em discursos mirabolantes e falhas de roteiro tão graves quanto a teimosia do Rei João. Russell Crowe está no piloto automático e não se vê nenhuma atuação realmente importante (vale Mark Strong, ótimo vilão). Tem boas cenas de batalha é verdade, e créditos belíssimos. Mas, desliza em um argumento mal utilizado, que ao menos, encerra o filme honrando a lenda do príncipe dos ladrões.

A proposta (The Proposal)

Nota 7,5 / 10

Dir.: Anne Fletcher. Elenco: Sandra Bullock, Ryan Reynolds. Comédia com a musa das comédias românticas dos anos 90 não parecia algo muito agradável. Mas, era o ano de Sandra Bullock. Com um bom roteiro que ao menos tenta fugir do óbvio, A Proposta se firma nas boas atuações dos protagonistas que tem forte apelo para a comédia. A história mostra uma editora-chefe, odiada por todos, que está prestes a ser deportada para o Canadá. Ela então propõe a seu assistente que ambos se casem para que ela possa ficar no país. Mas antes, terá que passar um fim-de-semana com a família dele no Alaska. Destaque para a cena onde Bullock aparece nua pela primeira vez em sua carreira. Quase 50, mas ainda inteirona...

Um Homem Sério (A Serious Man)

Nota: 8,8 / 10

Dir.: Joel e Ethan Coen. Elenco: Michael Sthulbarg, Richard Kind. O novo dos irmãos Coen é a história da vida besta de um homem sério. Em uma maré de azar, Larry vê sua vida desmoronar ao seu redor enquanto ele apenas aceita tudo, revoltado mas inativo. É revoltante a forma como os Coen mostram esse homem de classe média ter sua vida completamente destruída e em sua apatia, não tenta sequer se impor. A traição da mulher, o irmão escorado, os filhos desinteressados, o emprego medíocre, nada parece fazer com que Larry tente mudar a sua vida. Mesmo quando o universo o força, ele apenas espera que tudo passe. E aí, ele recebe o troco. Bela fotografia e ótimas atuações, em um filme que foi ignorado nos cinemas brasileiros mas merece uma segunda visita. Não é simples e nem didático, e acaba de maneira muito brusca, podendo desconcertar os Larrys que existem por aí...

Fúria de Titãs - Remake digitaliza clássico do stop-motion... e só.

2010-05-19T12:00:00.000-07:00

Fúria de Titãs - Remake digitaliza clássico do stop-motion... e só.

Nota: 5 / 10

Clash Of Titans
EUA, Aventura.
118 min.

Direção:
Louis Leterrier

Roteiro:
Travis Beacham, Phil Hay, Matt Manfredi, Beverley Cross

Elenco:
Sam Worthington, Ralph Fiennes, Liam Nesson

Até o final do ano passado, Sam Worthington não era uma cara recorrente em Hollywood. Apesar da presença em Terminator 4, ele veio a ser reconhecido como o Jake Sully de Avatar. Logo, outros projetos com seu nome começaram a tornar-se foco dos grandes veículos de comunicação. O primeiro foi Fúria de Titãs, refilmagem do clássico de efeitos stop-motion de 1981. A direção seria do irregular diretor francês, Louis Leterrier(Carga Explosiva 1 e 2, O Incrível Hulk), que sabe como conduzir uma boa ação, mas não sabe dirigir um bom filme. Os trailers empolgaram o público que ao sinal de primeiras críticas negativas, não reagiu bem à imprensa especializada. Apesar do sucesso de bilheterias, o filme provou que de boas intenções não se faz cinema.

A história acompanha o semideus Perseu, em vingança contra o Olimpo, principalmente o deus do mundo inferior Hades. Ele tem dez dias para descobrir como destruir a arma secreta dos deuses, o Kraken, antes que a princesa Andrômeda de Argos, seja sacrificada.

A grande polêmica do filme foi sua apressada conversão em 3D e como ela havia deformado as cenas. A verdade é que isso é quase impossível de se distinguir. A diferença para outros filmes no formato quase não existe. Mesmo assim, ele não foi preparado para esse tipo de cinema e o que acontece é que as cenas são tão cortadas ou tão rápidas que o efeito 3D falha em muitos momentos. Em compensação, na batalha com o Kraken, é possível sentir o bafo do monstrengo na sua cara...

O grande defeito da direção é justamente perder o ritmo entre uma cena de ação e outra. Muita conversa, diálogos cheios de efeito e grandiosos, arremedados por draminhas pessoais que não colam, desviam o filme do seu potencial de ação. E mesmo quando as cenas de luta acontecem, os efeitos parecem terem sido feitos na pressa e mal acabados.

O elenco é reforçado de estrelas: só pra apontar os mais famosos, estão lá Liam Nesson(o Aslam de Crônicas de Nárnia) e Ralph Fiennes(Voldemort, de Harry Potter), impecáveis como os irmãos Zeus e Hades. Outras pontas ficam em aberto, como Poseidon, que tem apenas uma fala no filme, e mesmo assim, uma das mais importantes. Worthington mostra que é o herói do ano e o rosto dos blockbusters, mas sem muito brilho. Por fim, as mulheres do filme que pouco fazem, mas são lindas.

O problema de Fúria de Titãs é ser politicamente correto em uma época em que God Of War, o sangrento jogo para Playstation, tem uma visão muito mais sádica e blasfema da mitologia grega. Perseu e Kratos buscam por vingança. Mas Kratos não tem limites. Seu crime é imperdoável(ele foi iludido por Ares e matou sua mulher e filha), sua vingança não tem fim. Nesse contexto, a sanguinária aventura joga tripas, sangue e vai atrás dos deuses até que não sobre pedra sobre pedra no Olimpo. Já Perseu, tem sua família assassinada por Hades, mas não nos faz sequer sentir raiva do deus. O que parece é que há uma associação entre o Deus cristão e Zeus e com isso em mente, a produção decidiu poupar também o Olimpo. Falta ousadia a Fúria de Titãs. Falta a busca de uma produção mais adulta. Mas, acima de tudo, falta um roteiro que tenha a capacidade de honrar um clássico da década de 80, que continua superior ao remake digitalizado.

Sem Destino - O coração da América

2010-05-14T05:33:00.000-07:00

Sem Destino - O coração da América

Nota: 10 / 10

Easy Rider EUA , 1969 - 95 min.
Aventura

Direção:

Dennis Hopper

Roteiro:

Peter Fonda, Dennis Hopper, Terry Southern

Elenco:

Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson

A abertura, quase silenciosa, mostra dois sujeitos bastante estranhos comprando cocaína no México e revendendo no EUA. Eles escondem a bolada no tanque de uma Harley-Davidson e pegam a estrada. Quando começam a desaparecer no horizonte a câmera corta. Lado a lado, eles pegam a auto-estrada ao som de "Born to Be Wild". É impossível ser mais enlouquecedor do que essa cena. Desde 69, é impossível distinguir essa música da sensação de liberdade de andar em uma moto rumo ao nada. Hino de grupos de motoqueiros e tão poderoso como ela é Sem Destino, primeiro filme de Dennis Hopper como diretor. Mais do que apenas criar essa mitologia, o filme desafia os próprios conceitos da sociedade americana e, discordando da maioria, permanece tão atual quanto há 41 anos atrás.

Dois amigos, Wyatt e Billy, saem em duas motos para conhecer a América que tanto amam. Vão descobrir que ela é muito diferente do que eles imaginam.

Premiado no Festival de Cannes, indicado ao Oscar de melhor roteiro, Sem Destino tem qualidade surpreendente para a época e para seu orçamento. A fotografia do deserto é belíssima, principalmente quando capta o pôr-do-sol. A direção consegue manter um ritmo de rock, alternando as cenas com cortes intercalados, algo diferente mesmo em filmes atuais. Outro momento interessante é a captura da viagem alucinógena dos personagens feito com uma lente grande angular, que parece dar um tom ainda mais enlouquecido à cena. Dennis Hopper sabe utilizar bem seu espaço em tela, preenchendo com os protagonistas e coadjuvantes, de maneira que o ambiente pareça ser menor do que eles.

As atuações também auxiliam nessa ideia. Com diálogos bem contruídos, vemos um Peter Fonda de início empolgado e aos poucos, sem dizer muitas palavras, vendo seu país jogado em uma redoma de medo e preconceito. Dennis Hopper cria o papel, ao qual repetirá em Apocalipse Now, do hippie desbocado. Temos mesmo a aparição de um jovem ator da época que, após o filme, tornou-se um dos mais importantes da sua geração. Jack Nicholson é aqui um personagem que, provavelmente, é um dos mais normais de sua carreira.

O grande trunfo de Easy Rider é manter um discuro que ninguém poderia imaginar que seria tão relevante quase 40 anos depois. A América prega sua liberdade de ser aquilo que você quiser, mas erroneamente julga aqueles que se livram dessas convenções sociais devido aos inúmeros preconceitos pré-estabelecidos culturamente em sua sociedade. A própria existência de um indivíduo livre parece lembrar a essas pessoas o quanto elas são presas e por isso mesmo, é mais fácil odiá-lo do que ser como ele. Esse medo da mudança só tende a gerar a violência que é parte chocante e imprevisível do filme.

Sem Destino é mais do que apenas um filme: é uma profecia sobre o fim do sonho de uma geração.

Tudo pode dar certo - Pessimisticamente otimista

2010-05-11T08:47:00.000-07:00

Tudo pode dar certo - Pessimisticamente otimista

Nota: 9,5 /10

Whatever Works
EUA , 2009 - 93 min.
Comédia / Romance

Direção:
Woody Allen

Roteiro:
Woody Allen

Elenco:
Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Ed Begley, Conleth Hill, Michael McKean, Henry Cavill, Jessica Hecht, John Gallagher, Carolyn McCormick, Christopher Evan Welch

Woody Allen é um dos poucos diretores que continua sendo absolutamente autoral. Suas produções não estabelecem paradigmas estéticos, nem revolucionam a narrativa cinemática. Seus personagens e diálogos, no entanto, são profundamente marcantes e originais. É na simplicidade, em histórias interessantes e curiosas que ele mostra porque é um mestre da 7ª arte. Sempre com bom humor, seus personagens normalmente pessimistas discorrem sobre a futilidade da vida, do mundo e do amor. Quem poderia interpretar alguém tão chato quanto o escritor do filme? Somente o próprio. Por isso, em seus primeiros 20 anos, Woody Allen representou ele mesmo em boa parte de seus filmes. Dessa vez, só mesmo outo pessimista para assumir a carga do nova iorquino ranzinza: ninguém melhor que Larry David, co-criador de Seinfeld: a personificação do homem de meia idade irritantemente provocador.

Tudo pode dar certo é uma história otimista: Boris Yellnikoff é um velho rabugento, indicado ao Nobel de física, que deixa uma garota dormir em sua casa por uma noite. Ela continua morando com Boris por algum tempo, até revelar que está apaixonada por ele.

O filme começa com Boris dissertando sobre o mal que a religião representa sobre a sociedade moderna. É um assunto que voltará mais vezes em debate ao filme, mas já demonstra o tom que o personagem irá assumir como, principalmente quando menospreza todas as outras pessoas com quem convive. A direção é sempre minimalista. Se Woody Allen poupa em efeitos de transição ou ferramentas visuais, aplica todo o caráter cartunesco na direção de seus atores. É um desfile de personalidades tão marcantes quanto a anterior.

O elenco é respeitável. Quando podemos pensar que David irá obscurecer seus companheiros, vemos atuações brilhantes, principalmente da linda Evan Rachel Wood. Ela é ao mesmo tempo inocente e diabolicamente sensual. Tanto que é ela que reinicia o protagonista sexualmente. Já os pais da moça, são os estereótipos divertidos de religiosos norte-americanos(e devo dizer, não muito diferentes da geração brasileira de pentecostais). É claro que Larry David é a grande pedida do filme e não poupa um minuto sequer os personagens que ama.

Na sua definição de vida, não interessa a conjunção de gostos ou sua completa alienação. O amor é apenas aquilo que funcionar. Não importa se de um lado existe um existencialista supremo e do outro um racionalista fundamental, ou se mesmo duas pessoas que poderiam coexistir no mesmo espaço e tempo. O que importa para ele é que em todas essas conjunturas a pessoa seja feliz. Tudo pode dar certo!

A Hora do Pesadelo - 1,2 Freddy vai te pegar, 3,4 quem mandou fazer um filme tão chato

2010-05-11T05:12:00.000-07:00

A Hora do Pesadelo - 1,2 Freddy vai te pegar, 3,4 quem mandou fazer um filme tão chato

Nota: 4 / 10

A Nightmare on Elm Street
EUA , 2010 - 98 min.
Terror

Direção:
Samuel Bayer

Roteiro:
Wesley Strick, Eric Heisserer

Elenco:
Jackie Earle Haley, Kyle Gallner, Rooney Mara, Katie Cassidy, Thomas Dekker, Kellan Lutz, Clancy Brown, Connie Britton

Wes Craven provavelmente é o Stephen King dos cinemas. Seus filmes criaram mitologias do terror como poucos diretores foram capazes até hoje. É dele o brutal Quadrilha de Sádicos e a trilogia Pânico, que rapidamente se tornou um clássico do terror nos anos 90. Mas o seu ápice é o início dos anos 80, quando ele lança aquele que tirou o sono de toda uma geração, Freddy Kruger. O maníaco queimado que ataca nos sonhos teve inúmeras continuações nas próximas décadas e até enfrentou seu rival nas bilheterias, Jason Vorhees, mas nada que conseguisse aterrorizar tanto quanto seus primeiros filmes. O pior de Kruger era atacar quando as crianças mais tem medo: A hora de dormir. Claro, esse não é um filme para esse público. Mas quem nunca ficou acordado até mais tarde e assistiu escondido dos pais essa pérola do terro que é A Hora do Pesadelo??? Depois, bate o arrependimento quando passamos a noite em claro. Vale a pena cada segundo de medo quando acordamos intactos no outro dia.

Como todo bom remake, o novo A Hora do Pesadelo parte da mesma premissa para tomar seu próprio rumo. Um bando de adolescentes, interpretados por jovens de 25 anos, sonham com um estranho homem queimado que tenta assassiná-los. A solução é simples: não dormir.

A tentativa do diretor Samuel Bayer é tornar Kruger plausível, mas pra quê? A graça desse personagem é justamente sua irrealidade. A forma como os sonhos são manipulados sadicamente e utilizados contra o bando descerebrados de adolescente é a graça desse filme. De certa forma, o diretor até brinca com isso. Mistura a realidade e os sonhos, consegue criar clima para os sustos... mas falta instigar o medo. Você sai da sala ileso, e em poucos minutos esquece o filme.

Parte porque boa parte da 1h40 de filme, Freddy aparece talvez em pouco mais de 40 minutos, o que é pouco, visto que o filme é muito mais dele do que dos outros personagens. O lado bom é que pelo menos o gore não foi poupado aqui. É sangue que não para de jorrar e as mortes são bem chocantes visualmente. Outro ponto positivo é que Jackie Earl Harley é um substituto a altura de Robert Englund, apesar de não ser tão assustador quanto o Kruger original. O tom de voz de Jackie e sua tendência a papéis pesados ajudam a criar o estereótipo do matador de sonhos, mas falta um pouco mais do humor sem vergonha de Robert.

No fim, A Hora do Pesadelo tem seus momentos, mas perde no quadro maior. É, por vezes, entediante e didático demais. Vale como curiosidade e só.

Homem-de-ferro 2 - Menos conversa, mais pirotecnia

2010-05-03T07:55:00.000-07:00

Homem-de-ferro 2 - Menos conversa, mais pirotecnia

Nota: 9,0 / 10

Iron Man 2
EUA , 2010 - 124 min.
Ação

Direção:
Jon Favreau

Roteiro:
Justin Theroux

Elenco:
Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Mickey Rourke, Samuel L. Jackson, Clark Gregg, John Slattery, Garry Shandling, Paul Bettany, Leslie Bibb

Era sem dúvida meu filme mais esperado do ano. Desde aquela cena pós-créditos fenomenal do primeiro Homem-de-ferro, a curiosidade sobre o futuro do Universo Marvel estava nas mãos da continuação de sua franquia carro-chefe. O Incrível Hulk passou longe do gosto dos fãs, talvez devido às complicações causadas pelo filme de Ang Lee. Vai partir deste segundo filme o sucesso ou não das próximas histórias(Thor e Capitão América estreiam no ano que vem e Vingadores em 2012). Os trailers deixaram claro o que esperar do novo filme. Desde os primeiros segundos de projeção, começa uma busca frenética pelas referências marvelianas, enquanto acompanhamos as desventuras de Tony Stark. Mas, sua grandiosidade reflete de maneira negativa no novo roteiro, que serve apenas de desfile para cenas de ação pirotécnicas, armaduras novas e o ego dos atores.

Em Homem-de-ferro 2, vemos que a revelação de que Tony Stark era o herói tiveram repercussões em todo o mundo. Assim, é hora de encarar o governo, rivais armamentistas e vinganças pessoais, com a ajuda da Shield e do Máquina de Combate.

Jon Favreau apareceu para o mundo após o primeiro filme e tinha que tornar a experiência dessa continuação tão surpreendente e incrível como a primeira. Para isso, construiu um início tão eufórico e explosivo quanto pôde. A cena da briga entre Whiplash e Stark em Mônaco é sem dúvida, a melhor parte de todo o filme. A nova armadura, o desafio, tudo é superior. Seja em Slow Motion ou mesmo acompanhando o herói pelos céus, Favreau superou suas próprias realizações. O que parece faltar à direção é um pouco de pulso com os atores. São nomes estelares: Robert Downey Jr. é o ator mais pop do momento, Sam Rockwell é especialista em papéis excêntricos, junte ainda Samuel L. Jackson, Mickey Rourke e Don Cheadle, atores conhecidos por sua força em atuar.

Nesse ponto, Downey ainda é o melhor em campo. Mas fica difícil acompanhar seu talento, com tão pouco espaço em cena. Nessa tentativa de equilibrar o tempo de cada um, Favreau deixa os espectadores confusos com tantas personalidades fortes que atuam de maneira excessivamente caricata. O destaque é para Cheadle e Rourke que são os mais controlados e convencem em seus papéis. O grande problema nesse quesito é Samuel L. Jackson. Depois de sua breve aparição em Homem-de-ferro, aqui ele ganha um papel maior como Nick Fury. Só que simplesmente não é Nick Fury que vemos, mas Samuel L. Jackson. O ator parece sofrer do mesmo problema de The Spirit, quando atuou de forma descontrolada deixando a desejar e mesmo prejudicando o filme. Parece que os diretores tem medo de contrariá-lo. Seus papéis são sempre cheio de gírias e sotaque. O personagem no qual ele é baseado tem muito mais seriedade apesar do humor negro que aplica. Nesse ponto é uma grande perda para a série, quando não temos alguém que é fundamental para a credibilidade do universo em que está inserido.

Falha também o roteiro quando Stark sofre um processo edipiano em relação ao pai aos 40 anos. Desnecessário bem como um romance esperado, mas também fora de tom.

A cena de ação ao final falha quando, diferente de seu predecessor, mostra muito pouco. Vemos apenas flashes pelo céu. Não existe o confronto psicológico imposto por Jeff Bridges. É notável a pressa com que o filme parece ter sido feito, com efeitos meio capengas em algumas cenas e sem o acabamento do primeiro filme nos créditos. São apenas voos e voos culminando em um embate. Nesse ponto, vale destacar Scarllet Johanson, linda e convincente como Viúva Negra. Sua cena de batalha é sem dúvida, melhor que a própria luta final.

Homem-de-ferro 2 não precisa de uma análise profunda. É um ótimo filme de ação descabida, se você não quer se ater aos detalhes. O positivo é que ele mantém em um alto nível o que foi realizado no primeiro filme e peca em pequenos aspectos. Vale a ida no cinema, ainda mais pela cena pós-créditos, mas nem por isso deve ter atenção: Vingadores não pode sofrer dos mesmos males. Os fãs merecem um pouco mais.

A estrada -Pai e filho em um road movie pós-apocalíptico

2010-04-30T05:07:00.000-07:00

A estrada -Pai e filho em um road movie pós-apocalíptico

Nota: 9,4 / 10

The Road
EUA , 2009 - 111
Suspense / Drama

Direção:
John Hillcoat

Roteiro:
Joe Penhall, Cormac McCarthy (livro)

Elenco:
Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall

O gênero de filmes sobre o fim do mundo renova-se quando acha um novo ponto de vista para a narrativa. É claro que maior parte do público ainda se contenta com os filmes-catástrofe padrão, mas quando alguém foge do estilo e desenvolve um enredo de terror frente ao ruir da civilização o destaque é apenas consequência dessa nova direção. Guerra dos Mundos, de Spielberg soube utilizar muito bem o recorte familiar com cenas fortes que mostram o veradeiro perigo da natureza humana. A Estrada é baseada no livro de mesmo nome de Cormac Mccarthy, autor do livro que deu origem a Onde os fracos não têm vez e sabe utilizar muito bem a impotência humana frente ao caos. Com um baixo orçamento, o diretor John Hillcoat contrói um suspense dramático e denso que consegue chocar e mexer com seu espectador.

Na história, um pai e um filho peregrinam por um mundo pós-apocalíptico em busca de comida, abrigo e um lugar seguro para sobreviver.

Sobreviver. Não existe nesse mundo (que parece ter sofrido um grande terremoto e agora passa por constantes tremores) indícios de felicidade, esperança ou mesmo salvação. Cada barulho é o prenúncio de um novo perigo. Ninguém é confiável. Apenas pai e filho contra tudo. Desde os primeiros frames, o ar de desespero e caos predominam. A mão do diretor conduz um roteiro fiel ao livro e impõe uma fotografia fria e cinzenta. Não há suavidade. Cortes secos, sujeira, e mesmo um arco-íris parece desbotado. John não poupa na riqueza de detalhes e cria momentos de suspense sufocante e perseguições que deixam o espectador grudado na cadeira.

Nesse mundo, a falta de comida e de animais é tão violenta, que a única fonte real de alimentação é a carne humana. Grupos de pessoas caçam seus compatriotas para aplacar a fome e não poupam crueldade. Em determinada cena, os protagonistas apenas assistem incólumes uma mulher e seu filho serem perseguidos e assassinados por canibais.

Viggo Mortensen(Senhor dos Anéis, Senhores do Crime) é um personagem machucado e sombrio. Desde a morte da mulher, sua única obsessão é ajudar o filho a sobreviver. Para isso, condena qualquer tipo de laço com andarilhos que possam ser criados e não poupa hostilidades com aqueles que cruzam seu caminho. Seu revólver na cintura tem apenas duas balas. Ele se pergunta se terá coragem de utilizá-la no filho quando forem capturados. Mortensen é brilhante ao revelar as fraqueza e a moral destruída que esse homem carrega. Volta e meia, relembra com nostalgia o passado pré-crise, momento em que seu filho sequer chegou a conhecer.

O garoto, como toda criança, ainda carrega uma chama de esperança em uma humanidade que não existe mais. Acredita que ainda existem pessoas boas e tenta acreditar que tudo pode acabar bem. O homem mantém apenas fé na criança. Seus laços são tão fortes que não consegue enxergar além, cego para o próprio conceito de homens bons que tanto prega.

Essa viagem densa ao centro da condição humana torna A Estrada um dos melhores filmes de ficção pós-apocalíptica já construídos. É exemplar a forma como nos sentimos destruídos ao final da projeção. Estamos condenados por nossa própria natureza.

Resultado da promoção Alice em 3D!

2010-04-26T14:02:00.000-07:00

Resultado da promoção Alice em 3D!

Manuela Porcher levou o par de ingressos para o filme, com a frase:

Eu daria uma passagem para meu avô.
Após um assalto agressivo, o medo de sair de casa o impede de viver a vida novamente. A ida até o país maravilhoso o faria sentir que ainda existem lugares encantados e que o vilão no final é sim punido.
Esta viagem o faria tão bem, que deixaria de ver as pessoas com olhar desconfiado e aprenderia que os melhores lugares do mundo, são aqueles em que vivemos em harmonia com o ambiente e com quem nos quer bem.

Parabéns Manu e a todos que participaram. Foram muitas mensagens e foi difícil escolher a melhor.

No final, duas se sobressaíram, uma de humor e a vencedora. Mas, todos estão de parabéns!

Aguardem novas promoções, em breve!

2 em 1: Coração Louco e Os Homens que encaravam cabras

2010-04-20T09:08:00.001-07:00

2 em 1: Coração Louco e Os Homens que encaravam cabras

Coração Louco. Dir.: Scott Cooper. Elenco: Jeff Bridges, Maggie Gylenhaal e Colin Farrel. Nota: 7,5 / 10
Se você já viu O Lutador, filme lançado no ano passado do diretor Darren Aronofsky, vai notar semelhanças com Coração Louco, filme que deu o oscar de melhor ator para Jeff Bridges. A história do cantor de country fracassado que tenta dar a volta por cima, é uma versão um pouco menos trágica do lutador de Mickey Rourke, é praticamente um musical country. Os personagens passam pelos mesmo problemas de saúde, família abandonada e a chance de recuperar o tempo perdido(ou não). Se a premissa não chama tanto a atenção, a atuação de Jeff Bridges é forte o bastante para levar o filme nas costas. O ator coleciona papéis lendários e 4 indicações ao prêmio da academia, o que tornou essa vitória uma homenagem a esses outros personagens. A direção apenas deixa o filme acontecer, com tomadas exageradas em gruas e com boas canções. Coração Louco é apenas um palco para o talento de Bridges.

Os Homens que encaravam cabras. Dir.: Grant Heslov. Elenco: George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges e Kevin Spacey. Nota: 7,5 / 10

Um elenco de primeira, com um diretor de primeira viagem. Mistura arriscada, mas com um roteiro cheio de humor negro é difícil dar errado. O filme, baseado em um livro, parte da ideia de que após a Guerra do Vietnã, os Estados Unidos apostaram em um novo tipo de arma: a mente. Assim, soldados eram treinados por um comandante hippie para desenvolver suas habilidades psíquicas ao máximo. Alguns, conseguiam mesmo matar cabras com um olhar. Assim, nasce mais um filme de sátira, dessa vez sobre a guerra do Iraque. Temos piadas com Ewan McGregor desconhecendo o que é um jedi(ele foi o Obi-Wan Kenobi de Star Wars), George Clooney crente em seu poder de persuasão e o insano Jeff Bridges anarquizando o exército.

Promoção: Alice no País das Maravilhas em 3D

2010-04-14T13:32:00.000-07:00

Prazo Prorrogado: Resultado sai na Segunda-feira 26/04

Promoção: Alice no País das Maravilhas em 3D

Quer ganhar dois ingressos para assistir Alice no país das Maravilhas em 3D?

A promoção, uma parceria do blog com o Cinesystem Cinemas é fácil! Só responder a pergunta: "Para quem você daria uma passagem só de ida ao País das Maravilhas? Por que?".

A resposta deve ser enviada para misalima@gmail.com. A mais criativa leva o prêmio. E tenho dito.

Aliás, por favor, sejam criativos...nada de políticos brasileiros e outros clichês do gênero, ok?

O resultado sai na quarta-feira que vem e vale para todo o Brasil! Boa sorte!

Alice no País das Maravilhas 3D - Prepare-se para sair tonto do cinema

2010-04-14T11:15:00.000-07:00

Alice no País das Maravilhas 3D - Prepare-se para sair tonto do cinema

Nota: 6,5 / 10

Alice in Wonderland

EUA, 2010, 108 min

Aventura / Fantasia

Direção:

Tim Burton

Roteiro

Linda Wolverton, Lewis Carrol

Elenco:

Johnny Depp, Mia Wasikowska, Helena Bonham Carter

É difícil pensar em alguém melhor do que Tim Burton para emular a bizarrice contida em Alice no País das Maravilhas. A história por si só tem um tom sombrio e delirante que fazem dela um conto único do escritor Lewis Carrol. Depois de tantos papéis excêntricos, ninguém parece melhor do que Johnny Depp para o papel do Chapeleiro Maluco e desde as primeiras fotos, não havia dúvidas da certeza dessa escolha. A dupla já conseguira com sucesso transportar a Fantástica Fábrica de Chocolate para os dias atuais, sempre com o toque de Burton(mesmo assim, ainda prefiro muito mais a versão original). Pena que o ditado popular se confirma nesse caso: a mistura é tão boa, mas tão boa, que não tinha como o bolo dar errado. E mesmo assim, ele deu.

O filme mostra 10 anos depois da história original. Prestes a ser pedida em casamento, ela segue o coelho branco e vai parar novamente no país das maravilhas, do qual ela nem se lembra. Ali, ela descobre que a rainha de copas dominou tudo e ela é a única que pode a derrotar.

Desde o ano passado, Alice tornou-se um dos lançamentos mais esperados de 2010. Nas bilheterias americanas fez ótimos 310 milhões de dólares e mais de 700 milhões mundialmente. A campanha de marketing maciça, o trailer de 3D surpreendente, tudo parecia saído de um sonho. Tim Burton foi esperto. Liberou poucas fotos, poucos trailers. Tudo para surpreender o público. O problema é que temos um filme visualmente burtoniano, mas em seu âmago, fraco e pouco ousado. Temos batalhas, sangue e cabeças decepadas, mas falta a Alice algo mais. Os diálogos são rasos, não existem frases marcantes, nem bom humor. Os personagens, excetuando o Chapeleiro que tem a atenção bem maior do que a dedicada nos livros, são puramente caricaturais. Que drama que pode subsistir em personagens que nem conseguem nosso carisma?

Não bastasse isso, repetem-se os velhos chavões do seja-você-mesmo e outas auto-ajudas baratas que chegam a dar vergonha. Falta agilidade ao roteiro. Falta ação. Falta aventura!

Apesar dessas ressalvas, Alice ainda consegue agradar. Pode faltar conteúdo, mas o visual que Tim Burton criou para o País das Maravilhas(ou País Subterrâneo, de acordo com a história) é retirado direto dos sonhos. A atmosfera é sombria e delirante. casando o melhor da história com o melhor do diretor. Os efeitos 3D são sim espetaculares, mas são tão fortes e o cenário é tão escuro(taí uma mistura que não combina) que você provavelmente vai sair tonto do cinema.

Burton é um diretor que, apesar de algumas sacadas geniais, como o excelente Os Fantasmas se Divertem, passa pouco acima do mediano. Ele definitivamente não é convencional e possui um visual muito próprio, mas mesmo assim, seus filmes não são de forma alguma espetaculares. São, algumas vezes, enfadonhos e demasiadamente didáticos. É mais nome do que qualidade. Não é à toa que seus maiores fãs são os pseudo-intelectuais e posers em geral(Deus, como é bom desabafar).

Que fique bem claro: Alice vale ser visto no cinema. Mas, contente-se em encher os olhos, e deixe o coração e a mente para outra sessão.

Como Treinar o seu Dragão - A DreamWorks reaprendendo a andar

2010-03-30T06:56:00.000-07:00

Como Treinar o seu Dragão - A DreamWorks reaprendendo a andar

Nota: 9 / 10

How to Train Your Dragon
EUA , 2010 - 98
Animação / Aventura / Fantasia

Direção:
Dean DeBlois, Chris Sanders

Roteiro:
Dean DeBlois

Elenco:
Jay Baruchel, Gerard Butler, America Ferrera, Craig Ferguson

O tema da minha monografia é como a Pixar revolucionou o cinema de animação. Depois do momento de crise pelo qual a Disney passou em seu setor de animações, foi o ar renovador da Pixar que levantou o moral da empresa e conquistou o respeito em uma nova era de ouro nas produções de ambas. Correndo por fora, o advindo da computação gráfica fez pipocar dezenas de empresas de animação, mais preocupadas com o visual propriamente dito do que pela história e roteiro. A Dreamworks começou com esse problema mas conseguiu virar o jogo com Shrek, um filme revolucionário ao integrar adultos e crianças em uma história debochada e diferente. Levou o primeiro e único Oscar da empresa. Parece que depois desse sucesso, a Dreamworks de Spielberg decai de qualidade, com produções sem vergonha e fracas. Enquanto isso, a Pixar emplacou. Foram 5 prêmios da academia, indicações a roteiro original, trilhas sonoras e até Melhor filme com UP, que abriu o Festival de Cannes. A última produção que quase alcançou seu nível foi Kung Fu Panda, vencedora do Annie Awards, o Oscar da animação. Veio então Madagascar 2 e o infeliz Monstros Vs. Alienígenas, dois filmes esquecíveis com história de soluções rápidas e insossas, que teimavam em reutilizar todos os clichês possíveis em uma hora e meia de projeção. Graças a Deus, Como Treinar o seu dragão é o completo oposto de tudo isso.

A história mostra o garoto viking soluço que tem um problema incomum em sua vila: dragões. Todos os habitantes são matadores de dragão, mas Soluço é fraco demais para a tarefa. Em um golpe de sorte, ele consegue capturar um dos dragões mais perigosos do mundo e descobre que tudo o que eles sabem sobre os animais, estava errado.

Na direção do filme, Chris Sanders e Dean DeBlois, os diretores de Lilo e Stich da Disney. Desde o começo podemos dizer que o timming do filme não é o humor, mas uma carga dramática forte. Estão lá alguns elementos básicos como a disputa com o pai, a sempre presente característica do "seja-você-mesmo" e até os conflitos amorosos. Mas, tudo isso se releva quando Soluço finalmente encontra Banguela um dragão que ele sem querer consegue derrubar. A partir desse momento, são visuais inesquecíveis e cenas poéticas. Ouso dizer que a Dreamworks recriou (à sua maneira) a dança de Eve e Wall-E, quando dragão e menino desenham seu "rostos" na areia. Uma cena linda assim como tantas outras que o filme vai mostrar no decorrer da história.

Nesse ponto não há como deixar de lado a técnica exímia que a empresa emprega em seus filmes. Os voos, os ataques e o clímax do filme mostram que os caras não brincam em serviço. As falhas ficam por conta do execesso de escuridão nas cenas de conversa entre o pai e o filho e em alguns momentos onde Banguela quase não se distingue do cenário(o óculos 3d parece deixar a tela mais escura do que o normal), mas nada que atrapalhe o desenvolvimento do filme.

Entre todas as característica a serem ressaltadas, o roteiro é a maior vitória. Tudo bem que seja baseado em um livro, mas não são todos que tem a coragem de mostrar deficiências em seus heróis ou fugir do lugar comum, já que nesse espaço de conforto as bilheterias são garantidas. É quando uma empresa aprende a fugir desse lugar que podemos ver o seu crescimento, vê-la adulta.

E eu espero voltar a falar tão bem da Dreamworks, como me orgulho de falar muito bem da Pixar.

O Segredo dos seus olhos - Como Campanella superou A fita branca

2010-03-11T06:45:00.000-08:00

O Segredo dos seus olhos - Como Campanella superou A fita branca

Nota: 9,5 / 10

El Secreto de Sus Ojos
Argentina / Espanha , 2009 - 129 min
Policial / Drama
Direção:

Juan José Campanella
Roteiro:

Juan José Campanella
Elenco:

Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella

A fita Branca entrou como grande favorito na disputa do Oscar de melhor filme estrangeiro. Entre os indicados, novamente Juan José Campanella concorria pela Argentina depois do excelente O Filho da Noiva, com O segredo dos seus olhos. Na hora do anúncio, a surpresa: A academia premiou o filme argentino contradizendo as maiores apostas. A mais agradável contrariedade da noite, fica visível claramente quando assistimos os dois filmes. Apesar da densidade de Michael Haneke, o filme de Campanella é muito mais cinema que seu rival.

A história mostra um homem que no final de sua vida decide escrever um romance sobre um caso de justiça ocorrido na época da ditadura argentina: um estupro seguido de morte ao qual o acusado nunca foi preso.

Diferente da maior parte dos filmes do diretor, O segredo dos seus olhos é um filme mais tenso do que os demais. Apesar do humor refinado sempre presente em suas películas, a carga dramática e o suspense se desenvolvem tão naturalmente quanto às risadas. Outra característica marcante é a direção ousada que ele impõe, com tomadas corajosas e enquadramentos especiais que mantém o clima construído durante toda a projeção.

A fotografia do filme é de um primor pouco visto no cinema sul-americano. Uma das cenas merece comentários a parte: Um plano-sequência sobre o estádio do time de futebol Racing, que dura quase dez minutos e culmina em uma das perseguições mais incriveis dos últimos tempos. Só esta cena é capaz de sintetizar a ousadia de Campanella que teve um orçamento de apenas 2 milhões de euros(não é metade do que custou Lula, o filho do Brasil) e fez milagre com bom argumento e ótimos personagens.

São eles outro destaque do filme. Ricardo Darín é velho conhecido dos fãs, um dos maiores atores argentinos dessa geração. Nesse filme, apesar de sua importância e competência, são os coadjuvantes que roubam a cena, como o bêbado inveterado Sandoval(o comediante Guillermo Francella) que traz humor mas também emociona com muita competência. Juntam-se a ele Pablo Rago como o marido da vítima Morales e Javier Godino, o lunático assassino Goméz. Personagens que são mais do que apenas falas no roteiro, mas são parte fundamental da trama por trás do título.

Já dizia Pierre Weil, em O corpo Fala, que 90% de nossa comunicação é física, sendo 10% reservadas à fala. A todo o momento, o diretor nos joga diálogos que em compensação revelam muito menos que os olhos dos personagens. A todo momento, um close tenta nos revelar qual o segredo está escondido em cada um. Seja no relacionamento nunca estabelecido entre dois amantes frustrados, seja em um interrogatório, seja em uma conversa de amigos ou mesmo entre uma vítima e o investigador. Por trás de cada olhar, um segredo capaz de mudar uma vida. Mas, em qual desses pares de olhos se esconde o maior segredo?

De todas as metáforas que J.J. Campanella poderia se utilizar é na visão que cada um de seus personagens se atém, a sua paixão que ele se concentra. Quando o personagem de Darín finalmente abandona sua visão presa ao passado é que consegue olha para aquilo que estava tão a frente de seus olhos.

É com esse tipo de armadilha criativa que O segredo de seus olhos bateu A fita branca. Ele é menos tratado sociológico e mais filme. Sem desmerecer qualquer um dos dois, mas o argentino é mais humano e consegue conquistar sua audiência. Se tem algum pecado, é seu didatismo em certos momentos. Mas, até isso você perdoa e sai do cinema com a sensação que todo filme deveria passar: a sensação de estar completo.

Maratona Crítica: Os filmes do Oscar

2010-02-25T10:38:00.000-08:00

Maratona Crítica: Os filmes do Oscar

Tantos filmes colocados na lista ao lado, tão poucos comentados. Pois é hora de mudar! Na linha do 3 em 1, começa hoje a maratona dos primeiros filmes do ano, em críticas curtas e diretas, com os candidatos ao Oscar. Vamos lá!

O fantástico Sr. Raposo - Dir. Wes Anderson - Elenco: George Clooney, Merryl Streep, Bill Murray.

Nota: 9,5 / 10
Wes Anderson marcou o cinema com Os excêntricos Tenenbaums, uma comédia dramática e estilizada de forma única que acompanhou os posteriores trabalhos do diretor. Slow Motion, enquadramentos centralizados e trilha sonora alternativa. Trouxe mais dois trabalhos de boa qualidade em A Vida Marinha de Steve Zissou e Viagem a Darjeeling, mas foi em O Fantástico Sr. Raposo que chegou a altura de sua obra-prima. Uma animação em stop-motion baseada no livro de mesmo nome, do autor de A Fantástica Fábrica de Chocolate: Mais Wes Anderson do que isso, só as repetições estilosas que são sua marca. Diálogos rápidos e humor inteligente, mesclado com uma fotografia e técnica fantástica, fazem do filme uma animação fora do comum, que recebe com louvor a indicação ao Oscar. Filme indispensável para os fãs do estilo e quem preza uma boa animação. Triste saber que no Brasil, o filme não passou de duas semanas no cinema.

Nine - Dir. Rob Marshall - Elenco: Daniel Day-Lewis e um monte de atrizes que ganharam o oscar.
Nota: 5 / 10

O diretor do musical ganhador do Oscar de melhor filme por Chicago, não repete o sucesso em seu novo filme. Musical sem tutano, decepciona quem gosta do estilo, apesar de alguns momentos interessantes, como o número de Kate Hudson e de Fergie. Fora isso(e os belos pares de pernas), Nine é apenas uma perda de tempo grã-fina.

Guerra ao Terror - Dir. Kathryn Bigelow - Elenco: Ralph Fiennes, Evangeline Lily(a Kate do Lost) e um monte de desconhecidos.
Nota: 9,5 / 10

Alardeado como o melhor filme de 2009, relegado ao DVD no Brasil, Guerra ao Terror surpreendeu o mercado de cinema norte-americano ao figurar nas maiores premiações da temporada. A ex-esposa de Cameron conseguiu dar uma atmosfera de tensão frenética aos filmes de guerra, acompanhando a vida do esquadrão anti-bombas do exército americano no Iraque. Mostra também as sequelas dos viciados em adrenalina que arriscam as vidas, sem se preocupar com os riscos. Merece com honras o prêmio da academia.

Um olhar do paraíso - Dir. Peter Jackson - Elenco: Mark Wahlberg, Susan Sarandon e Stanley Tucci.
Nota: 6 / 10
Depois do sucesso de Senhor dos Anéis e o fracasso de King Kong, Peter Jackson deu um tempo ao cinema. voltou em um projeto muito menos ambicioso e criou uma experiência visual quase surrealista ao mostrar o espaço entre o céu e a terra onde as almas habitam. Pena que o filme fica só nisso e falha na execução da história que acaba um pouco repetitiva e pedante. Destaque para o vilão Stanley Tucci, assustador e de um dos momentos mais tensos do cinema, uma prova de que Peter Jackson(cria de filmes de terror) ainda sabe dar sustos.

O Mensageiro - Dir. Oren Moverman - Elenco: Ben Foster, Woody Harrelson e Samantha Morton.

Nota: 9 / 10

"Cada geração tem sua guerra" um rapaz fala no meio do filme. É essa guerra que define a sua geração. E cada guerra tem sua leva de filmes, grandes, pequenos e medíocres. O Mensageiro é um pequeno filme com um grande desempenho. Longe de mostrar o front e as vísceras esvoaçantes, ele retrata a vida dos soldados que devem contar para as famílias sobre os entes perdidos. Nem por isso ele deixa de ser um filme violento. É mais angustiante encarar o desespero dos familiares do que um tiroteio em meio às ruas de Bagdá. Além do roteiro original, o filme ganha força com o talento de Woody Harrelson, Ben Foster e Samantha Morton, mas também dos coadjuvantes como o versátil Steve Buscemi. Mais um filme ignorado no Brasil, mas pelo menos, lembrado no Oscar.

Percy Jackson e o Ladrão de Raios - ou Rick Riordan o ladrão de clichês

2010-02-12T06:40:00.000-08:00

Percy Jackson e o Ladrão de Raios - ou Rick Riordan o ladrão de clichês

Nota: 5 / 10

Percy Jackson & The Olympians: The Lightning Thief
EUA, 2010 - 119 min
Aventura / Fantasia
Direção:

Chris Columbus
Roteiro:

Craig Titley, Rick Riordan (livro)
Elenco:

Logan Lerman, Sean Bean, Kevin McKidd, Steve Coogan, Catherine Keener, Pierce Brosnan, Uma Thurman, Rosario Dawson, Brandon T. Jackson, Alexandra Daddario

Em Percy Jackson e o Ladrão de raios, livro, a primeira reação que podemos ter é a incrível semelhança com qualquer outra série infanto-juvenil já escrita. Está lá o garoto "escolhido" que viveu até a puberdade(humm...) sem conhecer sua verdadeira história. Passou dificuldades no colégio, criou rivais e tem parentes que o odeiam, sempre descritos por suas características físicas exageradas. Repete a ideia de trio de protagonistas(melhor amigo e garota) e até rouba elementos de outras séries. Mas, por mais incrível que pareça, ainda mantém focos de originalidade. É só na tentativa de encher linguiça que o autor se perde e comete gafes. O que Chris Columbus fez com sua adaptação do best-seller, foi remover toda e qualquer semelhança com outros livros conhecidos e manter a história em rédeas curtas e naquilo que ela é original. Ele bem que tentou...pena que não deu tão certo assim.

Logan Lerman é Percy Jackson, um garoto que é filho do deus Poseidon com uma mortal. Quando o raio de Zeus é roubado, ele é o acusado e deve partir em uma jornada para ser inocentado e salvar sua mãe.

Columbus é o diretor que conseguiu a maior bilheteria da série Harry Potter, dirigindo os dois primeiros filmes. É ele que tenta adaptar Percy Jackson para aqueles que estão saturados desse tipo de história. A narrativa não é ruim. O início do filme recupera um pouco do ritmo que demorar para acontecer no livro. Mas é só chegar no tal do acampamento meio-sangue que começam a aparecer o excesso de informação esquecido nos minutos iniciais. Entre momentos de bom cinema o filme acaba por chegar em soluções fáceis de um momento para o outro e estragar o final um pouco mais curioso que o livro conseguiu trazer.

Já as atuações tem um nível um pouco mais satisfatório. Lerman é um bom protagonista. Mas não tem 12 anos...pelo menos é engraçado e consegue ser mais carismático que muitos momentos de Daniel Radcliffe. Já quem rouba a cena são os coadjuvantes. Tem o Sean "Boromir" Bean,
Pierce "007" Brosnan e a sempre coadjuvante, Catherine Keener.

Os efeitos especiais dão conta das boas cenas de ação e também das desnecessárias. O clímax do filme acaba por nem ser o ponto alto. A luta final causa no máximo alguns bocejos. O grande problema do filme é ter mutilado demais a história do livro a ponto de a tornar irreconhecível. Apesar de ganhar em ritmo e provavelmente assim conquistar boa parte do público infantil, Percy Jackson pode ter sido simplificado demais talvez enterrando a chance de uma nova franquia.

Mas, se tiver outra chance, talvez Chris Columbus consiga tornar a história algo digno de um sucessor de Harry Potter.

Framboesa de Ouro 2010: Os piores do ano

2010-02-02T06:57:00.000-08:00

Framboesa de Ouro 2010: Os piores do ano

Já é tradição em épocas de premiação fazer a "fézinha" do blog nos grandes vencedores do ano. Mas antes, é legal se divertir falando também dos piores. E isso é tarefa para o pessoal do framboesa de ouro.

Devo admitir que apesar de considerar justa a seleção dos filmes, posso ter passado uma impressão errada sobre alguns filmes que resenhei neste ano. Transformers 2 foi um filme que me impressionou demasiadamente durante o primeiro dia em que assisti. Mantenho a idéia de que é um filme absolutamente visual como na crítica, mas o considero um dos piores do ano, sem sombra de dúvidas.

Além dele, outros filmes decepcionaram bonito, como foi o caso de O elo perdido que divide com Transformers a liderança em indicações do demérito. Will Ferrel decepciona com um filme que apela para o mau gosto e piadas infames. O que dizer do diretor de Desventuras em Série, Brad Silberling, que mancha sua reputação com esse filme vagabundo...

Ainda nessa edição do Framboesa, as premiações da década de pior filme, pior atriz e ator. Na briga, os detestáveis A reconquista(pior filme de todas as premiações com oito prêmios e mais o título de honra de pior filme dos nossos primeiros 25 anos), Madonna( 4 framboesas) e Eddie Murphy(com 12 indicações e 3 prêmios).

Vamos a lista:

Pior filme

G.I. Joe: A origem de Cobra
All About Steve
O Elo Perdido
Old Dogs
Transformers: A Vingança dos Derrotados

Pior ator
Todos os três Jonas Brothers (Jonas Brothers 3D - O Show)
Will Ferrell (O Elo Perdido)
Steve Martin (A pantera Cor-de-rosa 2)
Eddie Murphy (Imagine Só)
John Travolta (Old Dogs)

Pior atriz
Beyoncé ( Obsessiva)
Sandra Bullock (All About Steve)
Miley Cyrus (Hannah Montana: O Filme)
Megan Fox (Garota Infernal e Transformers: A Vingança dos Derrotados)
Sarah Jessica Parker (Cadê os Morgans?)

Pior dupla/casal
Quaisquer dois (ou mais) Jonas Brothers (Jonas Brothers 3D - O Show)
Sandra Bullock & Bradley Cooper (All About Steve)
Will Ferrell & Qualquer Coprotagonista ou Piada (O Elo Perdido)
Shia LeBouf & Megan Fox ou Qualquer Transformer (Transformers: A Vingança dos Derrotados)
Kristin Stewart & Robert Pattinson ou Taylor Lautner (A saga Crepúsculo: Lua Nova)

Pior atriz coadjuvante
Candice Bergen (Noivas em guerra)
Ali Larter (Obsessiva)
Sienna Miller (G.I. Joe: A Origem de Cobra)
Kelly Preston (Old Dogs)
Julie White (as Mom) (Transformers: A Vingança dos Derrotados)

Pior ator coadjuvante
Billy Ray Cyrus (Hannah Montana: O Filme)
Hugh Heffner (Miss March)
Robert Pattinson (A Saga Crepúsculo: Lua Nova)
Jorma Taccone (O Elo Perdido)
Marlon Wayans (G.I. Joe: A Origem de Cobra)

Pior remake, derivado ou continuação
G.I. Joe: A Origem de Cobra
O Elo Perdido
A Pantera Cor de Rosa 2
Transformers: A Vingança dos Derrotados
A Saga Crepúsculo: Lua Nova

Pior diretor
Michael Bay (Transformers: A Vingança dos Derrotados)
Walt Becker (Old Dogs)
Brad Silberling (O Elo Perdido)
Stephen Sommers (G.I. Joe: A Origem de Cobra)
Phil Traill (All About Steve)

Pior roteiro
All About Steve, de Kim Barker
G.I. Joe: A Origem de Cobra, de Stuart Beattie e David Elliot & Paul Lovett
O Elo Perdido, de Chris Henchy & Dennis McNicholas
Transformers: A Vingança dos Derrotados, de Ehren Kruger & Roberto Orci & Alex Kurtzman
A Saga Crepúsculo: Lua Nova, de Melissa Rosenberg, baseado no romance de Stephenie Meyer

Pior filme da década
A Reconquista (10 indicações, 8 Framboesas, incluindo Pior Drama dos Nossos 25 Primeiros Anos)
Fora de Casa (9 indicações, 5 Framboesas)
Contato de Risco (10 indicações, 7 Framboesas, incluindo Pior Comédia dos Nossos 25 Primeiros Anos)
Eu sei Quem me Matou (9 indicações, 8 Framboesas)
Destino Insólito (9 indicações, 5 Framboesas)

Pior ator da década
Ben Affleck (9 indicações, 2 Framboesas)
Eddie Murphy (12 indicações, 3 Framboesas)
Mike Myers (4 indicações, 2 Framboesas)
Rob Schneider (6 indicações, 1 Framboesa)
John Travolta (6 indicações, 3 Framboesas)

Pior atriz da década
Mariah Carey (A maior vontação individual da década: mais de 70% dos votos na categoria de pior atriz em 2001)
Paris Hilton (5 indicações, 4 Framboesas)
Lindsay Lohan (5 indicações, 3 Framboesas)
Jennifer Lopez (9 indicações, 2 Framboesas)
Madonna (6 indicações, 4 Framboesas)

Amor sem escalas - Diretor de Juno volta a temporada de premiações, com drama aéreo

2010-01-21T08:05:00.000-08:00

Amor sem escalas - Diretor de Juno volta a temporada de premiações, com drama aéreo

Up in the air

Nota: 8,5 / 10

Direção:
Jason Reitman
Roteiro:
Jason Reitman e Sheldon Turner
Elenco:
George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, J.K. Simmons

Em um momento de Amor sem Escalas, o personagem de George Clooney é censurado pela aprendiz por estereotipar as pessoas que passam pelo aeroporto, para ganhar tempo entre um voo e outro. Ao que ele responde: "Minha mãe sempre disse que estereotipar é mais rápido". A frase não podia definir melhor o novo trabalho de Jason Reitman, diretor do premiado Juno e de Obrigado Por fumar. Se em seu filme anterior ele aborda um casal de adolescentes tendo que lidar com uma gravidez não prevista, agora ele mostra um homem tendo que encarar as consequências de uma vida longe dos laços afetivos. Lá vamos nós, novamente, para uma jornada por músicas e situações da cultura indie. E com todo o climão do filme, era impossível pensar que a meta não fosse outra, que não o Oscar.

Amor sem escalas mostra George Clooney em um emprego bem pessimista: ele viaja pelos Estados Unidos, demitindo pessoas pelos chefes que não tem coragem. Sua vida perfeita com casos amorosos banais é abalada quando uma aprendiz pretende mudar seu método de trabalho, mas antes, viajará com ele pelo país.

Não dá pra negar que Amor sem escalas tem boa qualidade técnica, boa edição e uma trilha sonora interessante. Cada cidade é mostrada por planos aéreos e a abertura do filme é marcante. Reitman tem bom domínio do desenrolar da trama. Se por um momento você começa a acreditar que o filme vai se afundar em um monte de clichês, acredite, faz parte da história. Os diálogos são de certa forma engraçados e o filme tem muito de comédia dramática. O elenco principal tem George Clooney que sustenta bem seu papel de eterno solitário e a bela Vera Farmiga, em papel que vale as indicações na temporada de prêmios.

Mas, por algum motivo, o diretor consegue tornar as jovens do filme insuportáveis. Já não bastasse a entediante Ellen Page como Juno, é hora de transformar Anna Kendrick(da saga Crepúsculo) em uma jovem irritante e pseudo-intelectual. Não há outra palavra que vá definir tão bem a personagem como chata. É ela o estopim de todas as mudanças na vida do protagonista(como toda má comédia romântica), com direito a lições de vida e clichês do gênero. O ritmo bem estruturado do filme poderia ter ido ainda mais longe, não fosse a presença desse desgaste de tempo. É quase como Jar Jar Binks em A ameaça fantasma.

Apesar dos problemas gritantes do filme, a virada final mostra porque Jason Reitman é tão alardeado. Em seus filmes, os personagens estão muito mais perto do público por não poderem alterar as consequências de seus atos. Em Juno, resta a personagem tocar sua vida, longe do filho e torcer por um futuro melhor. Em Amor sem escalas, tudo que foi plantado na vida não pode ser esquecido por uma simples corrida no aeroporto. Uma vida solitária será pra sempre uma vida solitária. E nesse aspecto agridoce, a sensação ao sair do cinema é bem longe do céu.

Sherlock Holmes - 2010 traz versão renovada do famoso detetive e prevê um bom ano para o cinema

2010-01-12T07:55:00.000-08:00

Sherlock Holmes - 2010 traz versão renovada do famoso detetive e prevê um bom ano para o cinema

Nota: 8 / 10
Inglaterra/EUA, 2009 - 128 min
Aventura / Suspense
Direção:

Guy Ritchie
Roteiro:

Michael Robert Johnson, Anthony Peckham, Simon Kinberg
Elenco:

Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong, Kelly Reilly

Lupa, boina, sobretudo e um cachimbo. A figura aústera do londrino mais famoso da literatura policial sempre volta a mente quando falamos de crimes e detetives. Sherlock Holmes inspirou as histórias de detetive e seriados policiais que habitam o mundo atual, com sua forma diferente de analisar evidências. Claro, que também mostrou as imperfeições de um herói viciado em ópio e cocaína, obcecado por seu trabalho. Nos cinemas, apesar de inúmeras participações em filmes, próprios do detetive apenas alguns se destacaram, como O Enigma da Pirâmide, produzido por Steven Spielberg e que tornou-se um clássico dos anos 80. No Brasil, o Holmes clássico conhece as terras tupiniquins em O xangô de Baker Street, mas sua capacidade de dedução é perturbada pelo clima e temperos brasileiros. Foi Guy Ritchie quem trouxe a lenda de volta, com as devidas modificações Ritchianas: o estilo irlandês bom de briga, bêbado e mulherengo substitui a calma e mentalização do personagem de Doyle, mas com a boa intenção de adequá-lo a uma Londres difícil de lidar no século 19.

A história acompanha Holmes enfrentando Blackwood, o líder de uma seita parecida com a maçonaria. Após sua execução, rumores de sua ressureição precisam ser investigados antes que o mundo como o conhecemos seja destruído. Para essa missão, o fiel escudeiro de Holmes, Watson e uma misteriosa garota vão ajudar o detetive, ao mesmo tempo que um conhecido inimigo se levanta nas sombras.

As mãos do estiloso Guy Ritchie podem não tocar mais Madonna, mas ainda provam que o diretor sabe mostrar aquilo que o público quer ver. Conhecido pelo seu trabalho interessante em filmes como Snatch: porcos e diamantes e Jogos, trapaças e dois canos fumegantes, ele também consegue criar obras menos talentosas como o horroroso Destino insólito. Felizmente, Holmes parece trazer de volta não apenas as características visuais do diretor, como também o Ritchie Old School. Os cenários e a música trazem de volta o tom sombrio da Londres em plena revolução industrial. Máquinas a vapor, o auge da tecnologia em um mundo que está prestes a deixar o obscurantismo da idade das trevas. A sujeira aparece mesmo nos filtros de luz pálida que o diretor joga no ambiente e consegue deixar a cidade com o mesmo estilo dos estacionamentos de trailer em Snatch.

Robert Downey Jr. é um ótimo Tony Stark, um século atrás. É impossível não comparar o maior papel do ator com essa nova versão de Holmes. Sai toda a classe do personagem para entrar um Holmes das ruas, violento intempestivo, mas competente como sempre. E pé-de-cana. Aqui, ele ainda luta boxe, como forma de extravasar a tensão. Destaque para a forma competente da utilização dos slow motions em meio as lutas, onde Sherlock visualiza o inimigo antes de acertá-lo . A habilidade dedutiva do detetive também esta lá, e até o final Scoobidiniano(quando Scooby Doo revela que o dono do parque é na verdade o fantasma fantasiado) que faz parte das histórias de Conan Doyle estão presentes. Para ajudar Downey, Jude Law encarna Watson, um verdadeiro veterando de guerra, cheio de surpresa nas mangas e muito mais do que apenas a deixa para falar a frase(que não aparece no filme) "elementar, meu caro Watson. O rival Blackwood(Mark Strong) é assustadoramente místico e serve bem como opositor ao talento inegável do protagonista.

O que mais podemos reconhecer em Holmes é essa luta entre a tecnologia e o sobrenatural, digna dos livros de Sir Conan Doyle. Em todos os momentos nota-se a eterna luta entra a razão e a religião, o medo sendo o principal catalisador da fé. Ao invés de abraçar o desenvolvimento, busca-se o progresso através da subjugação da humanidade, algo que a igreja católica já havia feito e cabia a essa nova religião. Essa discussão claro é obscurecida pelas explosões e ganchos para futuras continuações, mas não se mantém distante do espectador mais atento.

Sherlock Holmes é diferente daquele que conhecemos do livro, mas ainda assim, é um estranho que funciona na telona.

TOP 10 - Os melhores de 2009 no cinema!

2009-12-29T06:18:00.001-08:00

TOP 10 - Os melhores de 2009 no cinema!

Chegou o fim de mais um ano, principalmente no que se refere a cinema. Enquanto lá fora os filmes chegam nessa época, para aproveitar a temporada de premiações, aqui, nós buscamos incessantemente algum cinema com bons filmes. Já que as estreias por aqui são tão fracas, nada melhor do que relembrar o que passou pelos cinemas neste ano. Segue o TOP 10 do cinema em 2009!

10 - Foi apenas um sonho(Revolutionary Road) -Dir.: Sam Mendes. Elenco: Leonardo Di Caprio, Kate Winslet.

Esquecido pelo Oscar, o novo de Sam Mendes(de Beleza Americana) choca. Como um espinho que fica incomodando, ele provoca o espectador, cria esperanças e as destrói sem a menor piedade. Mais uma vez, acaba com a classe média, dessa vez com o casal mais apaixonado de todos os tempos em TITANIC. O filme é quase um "O que aconteceria se..." Jack e Rose tivessem sobrevivido e morassem no subúrbio. O casal cai na rotina mas logo tem uma idéia: mudar-se para a França e começar uma nova vida. Contrariando regras sociais eles estão prestes a largar tudo e viver um sonho...e então, você lembra do título do filme. Atuações brilhantes e viscerais, além de um texto afiado, faz de Foi Apenas um Sonho, uma das melhores produções deste ano.

9 - Se Beber não case(The Hangover) - Dir.: Todd Phillips.

Pode uma comédia ser recorde mundial de bilheteria e agradar a crítica? Se beber não case conquistou essa façanha neste ano. O diretor Todd Phillips(de Dias Incríveis) juntou Bradley Cooper, Ed Helms e Zack Galifianakis em uma história de porre em Las Vegas. Aos poucos, os três amigos descobrem que o quarto amigo e noivo está desaparecido. As pistas? Um tigre no banheiro, um dente quebrado e um bebê. A reconstrução da noite passada beira momentos de pura genialidade, com a presença do ídolo caído, Mike Tyson. A continuação está garantida e os bolsos, forrados...

8 - Watchmen - O filme(Watchmen) - Dir.: Zack Snyder.

Sou um fã confesso de quadrinhos e de Watchmen. Sou um fã de zumbis e de Zack Snyder(de Madrugada dos Mortos). Ver a obra transposta na tela parecia algo impossível. Mas o diretor mais estiloso da década conseguiu a proeza de forma espetacular. Um show de imagens sensacionais, e a HQ retratada de maneira fiel e imaculada. É quase como assistir a um "Aprenda a adaptar quadrinhos com Zack Snyder". Os efeitos especiais são impressionantes e o filme tem a melhor abertura da década, ao som de Bob Dylan e "The times they are a-changin". Estético, forte e com uma trilha sonora arrasadora, Watchmen não poderia ser melhor.

7 - Apenas o fim - Dir.: Matheus Souza

Esse pode se encaixar na categoria de primeiro filme brasileiro nerd(não lembro de mais nenhum). Um casal tem uma hora para se despedir, já que ela, pretende fugir da sua vida. Mesclando elementos da cultura pop dos anos 90, é impossível não se identificar com o nerd fracassado e a garota liberal. Ali, eles discutem porque Transformers é melhor que Godard, Cavaleiros do Zodíaco e, claro, Caverna do Dragão, elementos que povoam a infância e adolescência de quase todos no Brasil(e as tardes da Manchete). Mais do que isso, é quase uma terapia de regressão, mas anti-Antes do Amanhecer, de Richard Linklater, ao qual o filme tem boas referências. Bom visual e história cativante, tornam Apenas o fim, um dos melhores do ano.

6 - Anticristo(Antichrist) - Dir.: Lars Von Trier. Elenco: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg.

Chocante. Anticristo fez muita gente sair do cinema com as mutilações psicológicas e físicas que retrata. O expurgo da depressão de Lars Von Trier também marcou sua volta ao centro das polêmicas: daqueles que odiaram e daqueles que veneraram o filme. A sutileza dos diálogos, a brutalidade e singeleza das cenas que se alternam são fundamentais para a compreensão dessa obra. O prólogo em câmera lenta é uma das cenas mais belas e perturbadoras do cinema no ano. A interpretação do casal de protagonistas também mantém o espectador aficcionado pelo final, cheio de significações e que não vai sair tão cedo da memória...

5 - Deixa ela entrar(Let the right one in) - Dir.: Thomas Alfredson

Em época de Crepúsculo, explode a moda de filmes de vampiro. Mas, Deixa ela entrar, recupera a sutileza das boas histórias e adiciona elementos modernos. O filme mostra um garoto norueguês magro e pálido(e com tendências sado-masoquistas) que conhece a nova vizinha de 13 anos. Ela, é misteriosa e logo ele entende: Ela é uma vampira. Nem um pouco boazinha. Nessa paixão, não apenas ela vai encontrar um amigo, como ele vai amadurecer e mostrar um lado sombrio. Fora do glamour, aqui o clima é basicamente frio e nem um pouco romântico. A obsessão que o filme retrata faz com que depois de muito tempo, vampiros sejam novamente temidos.

4 - Avatar - Dir.: James Cameron. Elenco: Sam Worthingtom, Zöe Saldana e Sigourney Weaver

10 anos de produção. Esse foi o tempo que levou para o mago dos efeitos especiais James Cameron desenvolver seu novo filme Avatar. O filme prometia revolucionar o cinema, apresentando tecnologia 3D de ponta e conseguiu. Foi onde nenhum outro filme havia chegado até então. Um visual incrível, todo um mundo criado e ótimas atuações. Avatar surpreendeu até o mais cético dos espectadores. Nem por isso, escapa dos defeitos da história, que mostra um paraplégico veterano de guerra que viaja ao planeta Pandora, onde irá controlar um AVATAR: o corpo de um nativo do planeta. O lançamento no final do ano foi óbvio: arrasar quarteirões na temporada de premiações dos EUA e pagar o alto custo do filme(dizem as más línguas, estimados em 500 milhões de dólares). Avatar é rota obrigatória nos cinemas 3D.

Apesar dos inúmeros ótimos filmes do ano terem ficado de fora desta lista, os três primeiros são sem dúvidas os mais incríveis e surpreendentes do ano. Vamos a eles:

3 - Bastardos Inglórios(Inglorious Basterds) - Dir.: Quentin Tarantino. Elenco: Brad Pitt, Eli Roth, Cristopher Waltz.

Tarantino é genial. Sua carreira é construída com filmes de muito diálogo e violência. Desde Cães de Aluguel, o ex-atendente de locadora mostra uma obra-prima atrás da outra. Seja homenagem a estilos famosos nos anos 70-80, seja personagens marcantes, a obra do diretor é sempre alvo de discussão e espera da legião de fãs que o sustentam. Desde Kill Bill, o Brasil não via uma obra do mestre. Esse ano, o lançamento de Bastardos Inglórios empolgou tanto que o filme foi o maior sucesso de bilheterias do diretor. Não podia ser por menos: Esse pode ser considerado a obra-prima de Quentin. A história mostra um grupo de soldados renegados, que decide aterrorizar os nazistas. A violência está lá, os diálogos longos e geniais também. Mas, o que mais chama a atenção no novo filme é sem dúvida a gama de personagens a serem lembrados. Entre eles o genial Cristopher Waltz, na pele do terrível Hanz Landa. É de deixar os cabelos em pé. Atormentador, sarcástico e perigoso ele é o destaque desta história e vai para o hall de personagens marcantes do diretor, junto com Vincent Vega, A noiva e Mr. Blonde. "That's a bingo!" "You just say bingo." "Bingo! How funny!!!"

2 - Star Trek - Dir.: J. J. Abrams. Elenco: Chris Pine, Zachary Quinto e Leonard Nimoy.

Essa talvez foi minha maior surpresa do ano. As animosidades sumiram quando assisti ao primeiro trailer do novo filme. Foi quando tive certeza que ele seria um dos melhores do ano. Na cabine de imprensa, saí do cinema com a boca aberta! Star Trek foi além do que eu esperava...Pena que no Brasil, ficou pouco tempo em cartaz. A história mostra a tripulação da U.S.S. Enterprise sendo formada pela primeira vez. A história aqui é desenvolvida em outra linha temporal e o futuro é uma incógnita para o Spock da história original que vê as diferenças entre a sua realidade e a nova criada. Nesse novo início, Spock e Kirk terão que aprender a domar seus medos e receios e trabalhar como equipe pela primeira vez. Se não bastasse o gás que os roteiristas deram a história, J.J. sabe como empacotar bem o trabalho com um show de imagens de tirar o fôlego. São perseguições, lutas espaciais e físicas, muita tensão, suspense... Star Trek só pode ser definido como a aventura perfeita! É o elo de ligação entre fãs de Star Wars e Trekkers que ninguém imaginou ser feito. Atuações brilhantes e claro, referências a série estão lá. Por isso, "Live long and prosper!" _\\//

E finalmente...

1 - Up: Altas Aventuras(UP) - Dir.: Pete Docter e Bob Peterson

Já faz tempo que a Pixar revolucionou o mercado de animações com o primeiro filme 100% 3D, Toy Story. Nada demais, visto que a Disney manteve o mesmo estilo de história, apesar das diferenças nas animações. Aos poucos a empresa foi desenvolvendo personalidade própria, longe dos braços da companhia do Mickey, e a olhos vistos, tomando outras formas. Posso dizer que pessoalmente, assisti Procurando Nemo, Monstros S.A. e os antecessores com os mesmo olhos: animações dirigidas ao público infantil, sem grandes mudanças. Foi quando veio Brad Bird e trouxe Os Incríveis. Pela primeira vez notei a sensibilidade dos personagens, suas fraquezas, emoções e claro muita ação elaborada. O filme foi sucesso nas bilheterias e levou o Oscar de melhor animação. E a Pixar dava um passo adiante. Veio o fraco Carros, mas em seguida, Ratatouille, novamente do genial Brad Bird, e Wall-E. Esse último atingiu um status incomparável e consagrou a empresa não como apenas uma companhia de animações, mas uma produtora de obras-primas. 30 minutos de filme sem falas. Uma dança no espaço coreografada de forma engenhosa e uma história simples mas humana(com robôs). Teria a Pixar chegado em um patamar inalcançável para ela mesma?
UP mostrou que não. A história do velho que viaja com sua casa amarrada em balões vai além de Wall-E. Os minutos iniciais do filme mostram isso claramente. Embalados por apenas uma música, sem falas, Up nos leva do riso às lágrimas em pouquíssimo tempo. E digo mais, não apenas uma vez... O filme todo é uma sucessão de risadas estridentes e momentos melancólicos. Seja a saudade de sua esposa, seja a família do pequeno escoteiro Russel, para cada risada há uma lágrima. Assisti 3 vezes ao filme no cinema, e em todas elas não segurei a emoção. Claro que Up não é só iss: Há muita aventura, cenas grandiosas de tirar o fôlego, como a tempestade, a fuga da caverna e a batalha final no zeppelin. Além disso, é impossível não dar gargalhadas com os cães falantes, e os protagonistas da história que tem um timming perfeito para o humor.

Por se superar novamente e tornar a vida de todos no mundo um pouco mais completa, Up leva o prêmio de melhor do ano, ao menos, na minha humilde opinião...

E que 2010 seja um ano ainda melhor do que 2009, no cinema!